Камерная музыка: стили, жанры, исполнители

ПРОЕКТ

«Камерная музыка»

Цель проекта: популяризация классической камерной музыки.

Задачи:

• Найти материал о камерной музыке;

• Показать многообразие классической музыки;

• Раскрыть особенности камерной музыки в творчестве русских и зарубежных композиторов.

Тип проекта:исследовательский.

Актуальность:классическая музыка актуальнаи важна во все времена.

Гипотеза:я считаю,что камерная музыкаактуальна в современном мире, так как засилие низкопробной современной музыки, не оказывает положительное влияние на развитие эстетических чувств у моих современников.

Продолжительность проекта: долгосрочный.

Содержание:

1. Что такое камерная музыка?

2. Камерная музыка России.

3. Камерная музыка XIX века.

4. Композиторы и исполнители камерной музыки.

5. Жанры камерной музыки.

6.Камерный оркестр.

Ведение.

Музыка обладает сильным воздействием на внутренний мир человека. Она может доставлять наслаждение или же, напротив, вызывать беспокойство. Именно в музыке дано выразить чувства столь сложные, что их порой невозможно описать словами.

Профессиональная музыка очень разнообразна. Так называемая легкая, развлекательная музыка создается для отдыха и часто воспринимается людьми как фон повседневной жизни. В этой области были написаны яркие, талантливые произведения, но, к сожалению, создано очень много и посредственных сочинений-однодневок.

Самая сложная область профессионального музыкального искусства - классическая музыка. Слово "классический" подразумевает, что произведение заключает в себе серьезное содержание, обращается к вечным вопросам человеческого бытия. В центре классических сочинений стоят те же нравственные, религиозные и философские проблемы, что и в творениях художников, писателей. Именно поэтому в истории классической музыки можно встретить теже направления, что и в истории изобразительного искусства, архитектуры или литературы, - барокко, романтизм, импрессионизм и т.д. Музыка позволяет осознать сложные проблемы не только разумом, но и сердцем, как бы почувствовать их изнутри, не только размышлять, но и сопереживать.

Слушать классическую музыку нелегко, она требует сосредоточения, моральной и интеллектуальной подготовленности. Однако это не обозначает, что мир классической музыки не доступен. Чтобы войти в него, необходимы лишь большое желание и немного терпения - и тогда слушатель с удивлением обнаружит, что произведение, написанное много лет назад, рассказывает о его собственных чувствах и надеждах, словно композитор смог в душу человека, которого никогда не видел.

Глубокое понимание музыки требует от слушателя определенного усилия, но как много обретает человек, сделавший это усилие! Перед ним открывается чудесный мир, наполненный звуками, покоряющими красотой и одухотворенностью. Этот мир открыт людям, главное - слушать музыку.

I. Что такое камерная музыка?

Камерная музыка(от итал. camera — комната, палата) — музыка, исполняемая небольшим коллективом музыкантов и/или вокалистов. При исполнении камерного сочинения каждую партию исполняет только один инструмент (голос), в отличие от оркестровой музыки, где существуют группы инструментов, играющих в унисон.
В XVI—XVIII веках термин «камерная музыка» (итал. musica da camera) применялся по отношению к любой светской музыке и противопоставлялся музыке церковной (итал. musica da chiesa). В дальнейшем, с зарождением и развитием симфонической музыки, камерной музыкой стали называть произведения, рассчитанные на небольшое количество исполнителей и ограниченный круг слушателей. В XIX—XX веках значение камерной музыки как «музыки для избранных» постепенно отпало, и термин сохранил смысл как определение произведений, предназначенных для исполнения небольшими коллективами музыкантов и слушателей.
Коллектив, исполняющий камерную музыку, называется камерным ансамблем. Как правило, в камерный ансамбль входят от двух до десяти музыкантов, реже — больше. Исторически сложились канонические инструментальные составы некоторых камерных ансамблей, например, фортепианное трио, струнный квартети др.
Существует также понятие камерного оркестра — как правило, это сокращённый (не более 15-20 человек) состав струнного оркестра, иногда с добавлением нескольких духовых инструментов.

II. Камерная музыка России

В середине XVIII века в России появился первый сборник романсов-песен «Между делом – безделье». Его автор Григорий Николаевич Теплов был государственным деятелем, сенатором и композитором… Романсы на слова Сумарокова и Елагина – первый, весьма скромный опыт в области камерно-вокального жанра.

В царствование Екатерины II русские профессиональные композиторы пробовали силы – и не безуспешно и в области камерно-инструментальной музыки.

Возвратившись из Италии, крепостной скрипач Иван Хандошкин (1774-1804) пишет шесть сонат для двух скрипок и создает оригинальный, сугубо национальный род скрипичных пьес – «Русские песни с вариациями». Автор первых опер и хоровых концертов Дмитрий Бортнянский сыграл немалую роль в развитии русской камерной инструментальной музыки – его три сонаты для скрипки и фортепьяно, пять фортепьянных сонат, квартет, квинтет достойны внимательного изучения. Эти сочинения Бортнянского еще проникнуты духом европейского галантного века, в них немало подражательного. Но уже на пороге нового столетия у композиторов возникает тяга к своему, родному, отечественному, народному.

Трио А. Алябьева для двух скрипок и виолончели. В нем главенствует тема русской песни «Во саду ли в огороде». Тесная связь с народной песней, городским романсом прослушивается и в его фортепьянном трио ля минор (песня «Ванька-Танька»), долгое время пребывавшем в безызвестности и уже в наши дни возрожденном отличным исполнением и записью, сделанной Э. Гилельсом, Д. Цыгановым и С. Ширинским, а также в прелестном фортепьянном квинтете, исполненном квартетом имени Бородина совместно с Э. Гилельсом.

«Русский тон» ощущается и в юношеской романтической сонате для альта и фортепьяно М. Глинки – в широкой ее распевности, характерных романсовых интонациях, и в созданных позднее фортепьянном секстете и трио для фортепьяно, кларнета и фагота. Оба последних столь значительны, что на них стоило бы остановиться подробнее. Но мы еще вернемся к ним в последующих публикациях, когда будем говорить о развитии русского камерно-инструментального стиля, а сейчас перейдем к жанру, который стал не только определяющим в русской камерной музыке, но и подлинно классическим и завоевал огромную любовь и популярность в русском обществе, не меньшую, чем великие завоевания русской музыкальной классики: опера и симфоническая музыка.

III. Камерная музыка XIX века

А теперь несколько слов о русской камерно-инструментальной музыке XIX века. «Я познал любовь только в страданиях, ею причиняемых» – написано рукой М. Глинки на рукописи фортепьянного трио. Поэзия первой любви и первых страданий изливается в этом произведении. Яркими красками расцвечен секстет для фортепьяно, двух скрипок, альта, виолончели и контрабаса. Словно красочная природа Италии, где он был написан, бездонное синее небо, радостный, приветливый воздух наполнили соками музыкальную ткань секстета. Крайние части трехчастной композиции – бурные, огненно-темпераментные, а между ними – словно лодка плывет на волнах – звучат триольные «покачивания» нежной баркаролы. Взволнованность чувств при ясности и лаконичности выразительных средств – типично глинкинская гениальная простота.

От созерцательной ясности, простоты эмоций, открытости чувств русская камерно-инструментальная музыка движется к глубоким обобщениям, драматическим коллизиям, шекспировской трагедийной конфликтности. Во второй половине столетия начинается новая эпоха русской камерной музыки – классическая ее эра.

Вторая половина XIX столетия – время бурного расцвета камерного творчества и камерного исполнительства. И хотя ведущая роль в русской музыке принадлежит опере и симфонической музыке, камерные сочинения, вокальные и инструментальные, занимают важное место в творчестве русских композиторов, особенно Чайковского. «Казалось бы, отвлеченная и социально ограниченная в смысле широты круга воздействия область его музыкального творчества – камерный ансамбль – оказала громадное и повсеместное влияние, проникнув всюду, если не в подлинном виде, то в переложениях», – писал Б. Асафьев.

А. Бородин, П. Чайковский, С. Танеев – вот три фигуры в русской камерной музыке, которые, каждая по-своему, с присущими каждой индивидуальными чертами и особенностями дарования и взглядов, но в едином устремлении к созданию национального, демократического камерного стиля создают целый пласт замечательной русской камерно-инструментальной музыки: сольной и ансамбле вой.

Среди их сочинений, ставших классическими, мы прежде всего назовем Второй квартет Бородина с его знаменитым ноктюрном, квартеты Чайковского, Первый – с его Анданте кантабиле и скорбный Третий, посвященный памяти скрипача Ф. Дауба, также прекрасное трио «Памяти великого артиста» и, наконец, Шестой квартет С. Танеева, который Асафьев назвал «Книгой книг русской квартетной музыки».

Ноктюрн из Второго квартета Бородина – не только картина летней ночи, но сама страсть, любовное томление, навеянное этой ночью, ласка и упоение любовью. Каждый новый тембр, каждый голос инструмента несет свою эмоцию: грусть и томление скрипок, затаенное тепло альта, страстное волнение виолончели достигают высшего напряжения в кульминации – и вот все стихает, и ночь снова стоит в безмолвии, освещенная стылым светом луны… Ноктюрн – одна из самых лирических и тонких страниц в русской музыке.

Немало слов посвящено знаменитому Анданте кантабиле из Первого квартета Чайковского, с его первой народной темой. Красота мелодии, чистота и грусть непередаваемы словами.

В декабре 1876 года в Малом зале Московской консерватории был исполнен этот квартет специально для приехавшего сюда Л. Н. Толстого. «Лев Толстой, слушая Анданте моего квартета и сидя рядом со мной, залился слезами», – писал в дневнике Петр Ильич. Толстой приехал к Чайковскому домой, они долго беседовали о музыке, о правде в искусстве, о свободе художественного творчества и его путях, о смысле жизни.

В последней четверти века русская камерная музыка обогатилась такими значительными сочинениями, как многочисленные ансамбли А. Рубинштейна, как уже упоминавшиеся квартеты Танеева и его квинтет (образцы русского полифонического стиля), квартеты и квартетные сюиты Глазунова, скорбно-возвышенное трио Чайковского «Памяти великого артиста» – эпитафия Н. Рубинштейну, близкое по силе и масштабу симфоническим циклам гения русской камерной музыки.

В это же время в русскую музыку волной врываются фортепьянные произведения, напоенные соками русской песни и романса, пронизанные духом европейского романтизма и концертно-виртуозного стиля, – сочинения Балакирева, Чайковского, А. Рубинштейна, Глазунова и других великих русских композиторов.

Широкая концертная эстрада выдвигает имена русских исполнителей-виртуозов: А. и Н. Рубинштейны, А. Зилоти. А на пороге Московской консерватории уже стоит будущая звезда русского и мирового фортепьянного творчества и исполнительского искусства- юный Сергей Рахманинов. Через год после окончания консерватории – он уже автор оперы «Алеко», Первого, затем Второго фортепьянных концертов, фортепьянного трио. А далее – фантазия для двух фортепьяно, шесть романсов, прелюдия Cismoll, «Элегия», «Мелодия», «Серенада» поток камерных сочинений. В статье «Многообещающий» критик Амфитеатров назвал некоторые из них «шедеврами» – и не ошибся! Чайковский, благоволивший к Рахманинову, встретил его однажды на улице и сказал с улыбкой: «А вы, Сережа, уже шедевры пишете!» Рахманинову тогда было двадцать три года. Соната для виолончели и фортепьяно, «Цыганское каприччио», «Элегическое трио» (на смерть Чайковского) – все это были первые, но уверенные шаги Рахманинова на долгом и блистательном творческом пути в камерной музыке.

И еще одна выдающаяся фигура в русской камерной музыке, стоящая как бы особняком, – Александр Николаевич Скрябин. Художник, ни на кого не похожий и в то же время глубоко национальный. Своеобразие его почерка продолжает быть предметом изучения и споров. Фортепьянное наследие Скрябина – сонаты, поэмы, ноктюрны, этюды – яркая, неповторимая страница в русской камерной музыке. Его произведения носят особую печать: полетность и хрупкость, экспрессия и страстность, тонкость и изысканность, томление и взрыв… Фортепьянный Скрябин – это целая эпоха в русской и мировой камерной музыке, ее особая ветвь… Не имеющая себе подобных, эта музыка – дитя века, его рубежа, его первого десятилетия. И одновременно – устремленная в будущее, в надзвездные миры, в космическое завтра.

Русские композиторы оставили нам богатейшее и ценнейшее наследие в области камерной музыки. Их сочинения – наша гордость и богатство, и многим поколениям еще предстоит испытать радость приобщения к миру высоких мыслей и чувств, заключенных в этих творениях камерной музыки.

IV. Композиторы и исполнители камерной музыки

ИОГАНН СЕБАСТЬЯН БАХ– 1685-1750гг.

Немецкий композитор и органист. Принадлежал к многочисленному роду Бахов из Тюрингии, давшему на протяжении XVII-XVIII вв. несколько поколений музыкантов. Бах пользовался славой как органист, но при жизни не привлек заслуженного внимания как композитор. Биография Баха, типичная для немецкого музыканта того времени, находится в противоречии с его гениальным творчеством, являющимся одной из вершин философской мысли в музыке.

Биография Баха, скудная внешними событиями, условно делится на 3 периода. 

Первый период – годы учения (1695-1700 в Ордруфе, 1700-1703 в Люнебурге). Бах рано овладел игрой на органе, клавире и скрипке, выступал певчим в хорах, изучал партитуры старых и современных мастеров.

Второй период (1703-1723) – профессиональной и творческой зрелости характеризуется частыми сменами мест работы и должностей, непрерывными конфликтами с косным начальством, подавлявшим творческую инициативу великого композитора. В 1703 Бах работал в Веймаре в качестве придворного скрипача, в 1703-1707 – церковным органистом в Арнштадте. После года работы в Мюльхаузенской церкви Бах 15 лет служил придворным музыкантом в Веймаре (1708-1717) и Кётене (1717-1723).

Третий лейпцигский период (1723-1750) – вершина творческого пути Баха, годы создания самых монументальных произведений. Бах работал кантором (регентом и учителем) в церкви святого Фомы в Лейпциге и школе при этой церкви в трудной обстановке, которая неоднократно толкала его на безуспешные поиски другой службы. Руководил также студенческой «Музыкальной коллегией». Умер Бах, оставив многочисленную семью в тяжелом материальном положении.

Основополагающую роль в формировании искусства Баха сыграла преемственная связь с протестантским движением и его музыкальной культурой. Национальный и демократический характер творчества Баха ведет свое начало от протестантского хорала – этой, по словам Ф. Энгельса, «Марсельезы XVI века». Бах отдал дань всем областям музыкального творчества, кроме оперы. Искусство Баха органически связано с музыкальными школами и жанрами разных европейских стран, начиная с XVII в., – хоровая полифония эпохи Возрождения, протестантский хорал, немецкая песня, итальянская и немецкая органная музыка, итальянская опера и итальянская скрипично-ансамблевая, клавирная и оркестровая школы, французская клавесинная музыка. Бах, так же как и Г. Ф. Гендель, был последним великим композитором эпохи барокко. Оставаясь в рамках старых жанров, он бесконечно обогащал их чертами, заимствованными из других жанров и видов музыкального творчества.

Музыкальный язык Баха выходит за рамки своего времени, предвосхищая более поздние музыкальные стили, вплоть до романтизма. Скрещивание многоголосной линеарности с гармонической аккордовой структурой породило в произведениях Баха богатство созвучий, неведомых его предшественникам. Бах превзошел своих современников в изумительном мастерстве формы. В его творчестве достигнута вершина искусства полифонии. Произведения Баха отличаются единством всех элементов, уравновешенной, связанной крепкой внутренней логикой музыкальной структурой, строгой архитектоникой, огромным разнообразием приемов варьирования материала.

Громадное творческое наследие Баха, охватывающее свыше 1000 произведений в разных жанрах, можно разделить на три сферы – вокально-драматическую, связанную главным образом с Лейпцигом, органную (веймарский период), инструментальную, идущую от светской традиции и относящуюся главным образом к к-тенскому периоду.

Вокально-драматическое творчество Баха включает около 300 духовных кантат, оратории: «Страсти по Иоанну», «Страсти по Матфею», «Магнификат», «Рождественская оратория», «Пасхальная оратория», Месса си-минор и др. В кантатах Баха образы человека раскрываются не в конкретном преломлении, а как символы определенных этических идей. Вместе с тем музыка кантат свободна от мистицизма. В мировоззрении композитора преобладает чувство беспредельной красоты и радости жизни. Выразительный стиль кантат, охватывающий чрезвычайно широкий диапазон идей и настроений, определил облик всех хоровых произведений Баха. Вершины вокально-драматической музыки Баха – «Страсти по Матфею» и Месса си-минор. В «Страстях по Матфею», повествующих о последних днях жизни и смерти Христа, достигнуто исключительное единство многоплановой структуры произведения. Традиционная сюжетная схема переплетается с лирико-психологическими, эпическими и драматическими элементами. Месса си-минор отмечена грандиозными масштабами и небывалым даже для Баха разнообразием формообразующих приёмов и трактуется как свободный цикл пьес обобщенно-философского содержания с жизнеутверждающей музыкой. Даже по формальным признакам это монументальное произведение нарушает требования церковной службы.

Светские кантаты Баха (около 30) написаны, как правило, на случай. Не исключено, что некоторые из них исполнялись со сценическим оформлением.

Знаменитый виртуоз-исполнитель на органе, Бах создал произведения, являющиеся вершиной трехвекового пути развития органной литературы. В становлении органного стиля Баха огромная роль принадлежит хоральным прелюдиям, трактованным в своем большинстве как своеобразный интимный дневник композитора. Каждая из них воплощает одно настроение. В этих свободных фантазиях осуществлялся сплав народного и высокопрофессионального искусств, что сделало смелые художественные искания Баха доступными слушателю.
В жанрах прелюдии и фуги, фантазии, токкаты Бах выступил как преемник немецкой органной школы. Вместе с тем он глубоко обновил ее традиции. Эмоциональное богатство органных произведений Баха, их глубокая внутренняя сосредоточенность, драматический размах при пышности звучаний и кажущейся свободе формы не имеют параллелей с другими произведениями композитора. Бах объединил в двухчастный цикл полярные по своей выразительности части – импровизационные токкату, фантазию, прелюдию гомофонно-гармонического характера и строгую полифоническую фугу . Эти произведения максимально используют динамические и тембровые ресурсы современного композитору инструмента.
В области музыки для клавира Бах первым создал концертные произведения (по образцу скрипичных). Он утвердил самостоятельное значение клавира и открыл в этой области новые пути, несмотря на несовершенство современного ему инструмента. Гениально осуществленную «энциклопедию» музыкальных стилей XVII-XVIII вв. представляют собой 2 тома прелюдий и фуг «Хорошо темперированного клавира» («DasWohltemperierteKlavier»), написанных во всех тональностях хроматические гаммы. Это было обусловлено намерением показать равноценность всех тональностей при новой системе настройки инструментов, с тех пор утвердившейся в музыкальной практике, и вместе с тем выявить характерную окраску каждой тональности. В клавирных произведениях Баха нашли свое развитие и традиционные жанры. В 6 «Английских» и 6 «Французских сюитах» Бах превращает каждый танец в лирическую поэму или сферу глубокого размышления. Ряд жанров был перенесен из других областей музыки. В «Хроматической фантазии и фуге» Бах перенёс в клавирное произведение блестящий виртуозный стиль, драматизм и патетику органных токкат и фантазий. В «Итальянском концерте» воссозданы все признаки скрипичного концерта. Среди клавирных произведений Баха – 6 партит, «Гольдбергские вариации», «Искусство фуги» и др.

В истории оркестровой музыки значительную веху представляют 6 «Бранденбургских концертов» Баха с разным солирующим составом в каждом, 4 сюиты, основанные на танцевальных формах. Бахом созданы первые концерты для одного и нескольких клавиров (по образцу скрипичных концертов), концерты для скрипки в сопровождении оркестра, сонаты для скрипки и сюиты для виолончели (соло), произведения для флейты, виолы де гамба, лютни и др. Много работал Бах над усовершенствованием музыкальных инструментов, в частности органа и клавира.

ЖОРЖ БИЗЕ– 1838-1875гг.

Александр Сезар Леопольд, при крещении назван Жоржем.

Французский композитор. Сын учителя пения.

Бизе привлекали сюжеты с элементами психологической драмы, острыми конфликтами. Ранние оперы Бизе – «Искатели жемчуга» (1863), «Пертская красавица» (по роману Вальтера Скотта, 1866, поставлена в 1867, «Театр лирик», Париж) развивают традиции французской лирической оперы. Уже в этих сочинениях, отличающихся характерным для Бизе мелодическим богатством, красочностью оркестровки, удобным для пения изложением вокальных партий, проявилось стремление композитора к народности, к жизненной правде.
Реалистические тенденции более отчетливо выявились в одноактной опере «Джамиле» (по поэме А. Мюссе «Намуна», 1871, поставлена в 1872, театр «Опера комик», Париж) и музыке к драме А. Доде «Арлезианка» (1872). Две сюиты из «Арлезианки» (первая составлена самим Бизе, 1872, вторая – другом композитора Э. Гиро, 1885) – яркий вклад в мировую симфоническую литературу.
Наиболее выдающимся произведением Бизе явилась опера «Кармен» (по новелле П. Мериме, 1874), ставшая одной из вершин оперного реализма XIX века. Музыка оперы отличается большой драматической силой, мелодической выразительностью, яркостью гармонии, пластичностью форм, богатством и одновременно прозрачностью оркестровки. Написанная в традициях французской комической оперы, «Кармен» содержала разговорные диалоги. Позже, для постановки в Вене (осень 1875, Бизе уже не было в живых) композитор Э. Гиро написал речитативы, заменив разговорные эпизоды. При первой постановке (1875, театр «Опера комик», Париж) опера не была принята публикой, но вскоре, после успеха в Вене, «Кармен» стала, как предсказал П. И. Чайковский, «самой популярной оперой в мире».

Иоганне Брамс - 1833-1897гг.

Немецкий композитор, пианист и дирижер.

 Музыка Брамса воспевает свободу личности, нравственную стойкость, мужество. Она полна тревоги за судьбу человека, проникнута беспокойной порывистостью, мятежным чувством и трепетным лиризмом, в ней порой ощутима эпическая мощь. Свободно-импровизационный склад сочетается в ней со строгой дисциплиной мышления, логикой развития.

Произведения камерно-инструментального жанра относятся по преимуществу к раннему периоду творческих поисков Брамса (1-е фортепианное трио, фортепианный квинтет и др.) и последнему периоду жизни Брамса, когда возникли лучшие из этих произведений, для которых характерны усиление героико-эпических черт и одновременно субъективно-лирическая направленность (2-е и 3-е фортепианные трио, сонаты для скрипки и для виолончели с фортепиано и др.). Фортепианные произведения Брамса отличаются плотной контрапунктически развитой фактурой, тонкой мотивной разработкой, виртуозные эффекты подчинены в них выражению содержания.

Начав с сонатных циклов, Брамс в дальнейшем писал для фортепиано главным образом миниатюры. Из них особенно выделяются вальсы и «Венгерские танцы» – дань восхищения Брамса венгерским фольклором. В последний период творчества Брамс создает фортепианные произведения камерного плана (каприччо, интермеццо).

Брамсу принадлежат также 2 серенады, вариации на тему Гайдна и увертюры для оркестра, вокальные ансамбли, хоры и др.

СЕРГЕЙ ВАСИЛЬЕВИЧ РАХМАНИНОВ – 1873-1943гг.

Русский композитор, пианист и дирижер.

Сергей Васильевич Рахманинов – один из крупнейших музыкантов рубежа XIX-XX вв. Его искусство отличает искренность и эмоциональная полнота художественного высказывания. Он следовал лучшим традициям музыкальной классики, прежде всего русской. Музыка Рахманинова, обладающая неистощимым мелодическим и подголосочно-полифоническим богатством, впитала русские народно-песенные истоки и некоторые особенности знаменного распева. Одна из самобытных основ музыкального стиля Рахманинова – органичное сочетание широты и свободы мелодического дыхания с ритмической энергией. Национально-колоритная черта гармонического языка – многообразное претворение колокольных звучностей.
Рахманинов развил достижения русского лирико-драматического и эпического симфонизма. Тема родины, центральная в зрелом творчестве Рахманинова, с наибольшей полнотой воплотилась в его крупных инструментальных произведениях, особенно во 2-м и 3-м фортепьянных концертах, преломившись в лирико-трагическом аспекте в поздних сочинениях композитора.
Имя Рахманинова как пианиста стоит в одном ряду с именами Ф. Листа и А. Г. Рубинштейна. Феноменальная техника, певучая глубина тона, гибкая и властная ритмика всецело подчинялись в игре Рахманинова высокой одухотворенности и яркой образности выражения. Рахманинов был также одним из крупнейших оперных и симфонических дирижеров своего времени.

ЛЮДВИГ ВАН БЕТХОВЕН– 1770-1827гг.

Единственная опера Бетховена «Фиделио» (поставлена в 1805, Вена, 2-я ред. – 1806, 3-я – 1814) стилистически примыкает к типу «оперы спасения», возникшему в период Великой французской революции, и вместе с тем открывает путь к симфонизации оперы. Героической теме посвящен и балет Бетховена «Творения Прометея» (поставлена С. Вигано, 1801).
Камерная музыка Бетховена включает 32 фортепианные сонаты (не считая 6 юношеских сонат, написанных в Бонне) и 10 сонат для скрипки и фортепиано, 16 струнных квартетов, 7 фортепианных трио и много др. ансамблей (струнные трио, септет для смешанного состава). Лучшие камерные сочинения Бетховена – сонаты «Патетическая», «Аппассионата» для фортепиано, «Крейцерова соната» для скрипки и фортепиано, и др. – отличаются масштабностью замыслов, страстным, напряжённым драматизмом, смелым расширением выразительных средств инструментов.Среди квартетов Бетховена центральное место принадлежит 3 квартетам, опус 59 (написаны по заказу русского посла в Вене А. К. Разумовского), сочетающим проникновенный лиризм с яркой народностью образов (в 2 из этих квартетов использованы мелодии русских народных песен). В последних камерных сочинениях Бетховена – сонатах для фортепиано № 28-32 и квартетах № 12-16, проявляются стремления к углубленной, сосредоточенной выразительности, а также к причудливости форм, субъективной созерцательности, предвосхитивших искусство композиторов-романтиков.
Новизна и значительность содержания музыки Бетховена обусловили расширение рамок существующих музыкальных форм и глубокое преобразование всех видов музыкального творчества. Решающим этапом в историческом развитии концертного жанра явились 4-й и 5-й концерты для фортепиано и скрипичный концерт Бетховена, представляющие собой синтез симфонии и концерта. Значительным изменениям подверглась и форма вариаций, занимающая у Бетховена первое место после сонатной (выдающийся образец – 32 вариации до минор для фортепиано).
Совершенно новый жанр инструментальной миниатюры создал Бетховен на основе танцев и других небольших пьес старинной сюиты – «багатели» (мелочи, пустяки).

Творчество Бетховена – одна из вершин в истории мирового искусства. Вся его жизнь и деятельность говорят о титанической личности композитора, соединившего в себе гениальную музыкальную одаренность с кипучим, бунтарским темпераментом, наделенного несгибаемой волей и способностью к огромной внутренней сосредоточенности.

V. Жанры камерной музыки

По принятой классификации, в понятие «камерная музыка» включаются дуэты, трио, квартеты, квинтеты, секстеты, септеты, октеты, нонеты и дециметы, при самых разнообразных составах инструментов.К камерным относятся также некоторые жанры для соло с аккомпанементом: например, романсы (камерно-вокальный жанр) или инструментальные сонаты (камерно-инструментальный жанр). Существует «камерная опера» (например, Ариадна на Наксосе Р. Штрауса, 1925), подразумевающая небольшое число исполнителей и камерную атмосферу действия. Термин «камерный оркестр» прилагается к оркестру, насчитывающему не более 25 исполнителей (т. е. типичному оркестру эпохи Гайдна и Моцарта); однако следует различать «малый оркестр» , который есть не что иное, как несколько уменьшенный «большой оркестр» , и «камерный оркестр» , который предполагает лишь по одному исполнителю на партию (возможно, по два исполнителя на первых и вторых скрипках и альтах) и достаточную самостоятельность каждой партии.

Существует также понятие камерного оркестра — как правило, это сокращённый (не более 15-20 человек) состав струнного оркестра, иногда с добавлением нескольких духовых инструментов

Камерная музыка может быть написана в любом стиле. Её главное отличие в том, что произведения рассчитаны на небольшое количество музыкантов. По сути, сама по себе "камерная музыка" — уже и есть стиль.

VI. КА́МЕРНЫЙ ОРКЕ́СТР

(от позднелат. и итал. camera — комната, палата) — сокращенный симфонич. оркестр, состоящий из 15—30 исполнителей. Составы К. О. весьмаразличны. В основе камерного оркестра небольшая группа струнных инструментов, к которым добавляются деревянные духовые (до 8 инструментов), валторны и иногда трубы, реже тромбоны, литавры, другие ударные, арфа, клавесин и т. д. в зависимости от требуемого в партитуре состава.

Понятие К. О. сформировалось в начале 20 в. как противоположность большому симфонич. оркеструпозднего романтизма. Оркестр 18 в. (например, в симфониях Гайдна и Моцарта), совпадающий с соврем. К. О., в свое время таковым не считался, т. к. другого в то время еще не существовало. Границы между малымсимфонич. оркестром, К. О. и ансамблем солистов достаточно условны и часто определяются субъективнымипредставлениями авторов музыки. Один и тот же коллектив может исполнить, например, "Концерт Буфф" С. М. Слонимского для К. О., "Вальсфантазию" М. И. Глинки (малый симфонический оркестр) и "Гимны" А. Г. Шнитке (ансамбль солистов).К. О., как правило, очень мобильны, они приспособлены для выступлений в разных залах, не только чистомузыкальных, но и музейных, дворцовых и т. п.; их состав может варьироваться. Все это послужилопричинами широкого распространения в наше время подобных коллективов.

Состав камерного оркестра:

скрипки

альты

виолончели

контрабас

клавесин

фагот

КАМЕРНЫЙ АНСАМБЛЬ это:

- 1) группа исполнителей камерной музыки (трио, квартет и др.), выступающая как единый художественный коллектив.

2) Музыкальное произведение, написанное для небольшого состава участников.

Заключение.

В ходе моих исследований стало ясно, что камерная музыка продолжает быть популярной в определённой среде, она имеет своего слушателя. Такими слушателями являются, во-первых, студенты и выпускники творческих вузов, во-вторых, образованные люди нашего города, в-третьих, случайные слушатели, посещающие концерты от случая к случаю.

Стало понятно, что современные композиторы меньше пишут музыки для камерных ансамблей, но особенной популярностью пользуются обработки классических произведений.

Список использованных материалов:

Ресурсы сети Интернет:

• wikipedia. (ВикипедиЯ - свободная энциклопедия)

http://iplayer.fm/

• yandex.ru/imagesкамерная музыка

• Copyright © 2009-2015 « Почувствуй классическую музыку»

• Каталог аудио- и видеоматериалов «Слушаем музыку»
  http://sylkmusic.blogspot.com/

• http://classic-music.ws/

• http://www.russiancomposers.ru/

Литература:

Мордвинцева Н.Б. Великие композиторы. Жизнь и творчество. - М.: Белый
город, 2014

Михеева Л.В. Музыкальный словарь в рассказах. М.: 1998.

Мусский С. А. 100 великих композиторов / С.А.Мусский. - М.: Вече, 2004.