МОДЕРН

Белан Ирина Валентиновна. ЦО «Бескудниковский»

Модерн стиль в европейском и американском искусстве конца XIX - начала XX вв (от французского moderne - новейший, современный).

В разных странах получил различные названия: в России - "модерн",

во Франции, Бельгии и Англии - "арнуво",

в Германии - "югендстиль",

в Австро-Венгрии - "сецессион",

в Италии - "либерти" и т. д.

Идеологической основой возникновения модерна стали философско-эстетические воззрения Ф. Ницше, А. Бергенсона и др. По мысли его теоретиков, модерн должен был стать стилем жизни нового общества, создать вокруг человека цельную, эстетически насыщенную предметно-пространственную среду.

В 1860-1870 годы в Европе главенствовал стиль эклектики, который заключался в цитировании и повторении предыдущих художественных стилей. Но уже в 1880-е годы в работах ряда мастеров стал вырабатываться новый стиль , который противопоставлял эклектизму новые художественные приемы. Уильям Моррис (1834-1869) создавал предметы интерьера, вдохновленные растительными орнаментами, а Артур Макмердо (1851-1942) использовал элегантые, волнистые узоры в книжной графике. Наиболее заметной особенностью модерна стал отказ от прямых углов и линий в пользу более плавных, изогнутых линий. Часто художники брали за основу своих рисунков орнаменты из растительного мира. «Визитной карточкой» этого стиля стала вышивка Германа Обриста «Удар бича». Так произошло зарождение стиля «модерн ». Модерн стремился стать единым синтетическим стилем, в котором все элементы из окружения человека были выполненные в одном ключе.

Круг идей модерн зачастую заимствовал у, символизма. Однако модерн отличался внутренней противоречивостью: был ориентирован на изысканный, утонченный вкус, поддерживал принципы "искусства для искусства" и в то же время стремился к обслуживанию и "воспитанию" массового потребителя.

Исключительное значение в модерне имели особые принципы формообразования . Они заключались в уподоблении природным, органическим формам и структурам . Значительное место в художественной практике модерна занимал орнамент, особенно растительный.

Цветовая гамма модерна - преимущественно холодных, блеклых тонов .

Для живописи модерна характерно подчеркнутое декоративное начало, работа пятном и исключительная роль плавных линий и контуров.

Отличительной чертой эпохи модерна был программный универсализм художников, занимавшихся самыми разнообразными видами художественной деятельности . Это особенно отчетливо проявилось в творчестве мастеров объединения «Мир искусства» и подмосковного Абрамцевского кружка, многие из которых были одновременно живописцами, книжны-

ми графиками, художниками-декораторами,

модельерами и т. д.

С живописью модерна связаны П. Гоген, М. Дени,

П. Боннар во Франции, Г. Климт в Австрии, Э. Мунк

в Норвегии, М. Врубель, В.Васнецов, А. Бенуа,

Л. Бакст, А.Головин, К. Сомов в России .

В конце 1880-х годов во Франции П. Гоген и группа его последователей, призывая следовать "таинственным глубинам мысли", сблизилась с символизмом. В 1890-е годы и во Франции (группа "Наби" ), и в других странах символизм обрел достаточно широкое стилистическое обоснование в "модерне", став неразрывным, зачастую и определяющим элементом его художественных программ, образно-содержательного строя, поэтики. П.Гоген – отец-основатель символизма.

Наряду с «Зеленым Христом» творение «Желтый Христос» считается одной из ключевых работ Гогена в символизме

Морис Дени - французский художник-символист. С 1887 Морис Дени учился в Париже в академии Жюлиана и в Школе изящных искусств. Испытал влияние Поля Гогена. Вместе с Пьером Боннаром, Полем Серюзье и Эдуаром Вюйаром Морис Дени основал художественную группу «Наби» и считается самым видным ее теоретиком. В соответствии с идеями этого направления живописи Морис Дени писал картины, отличавшиеся простотой форм, мягкостью линий и бледностью красок. В эти годы Дени получил прозвище «Наби красивых икон», данное ему по упрощенному и слег- ка архаичному характеру его живописи. В 1919 году Морис Дени участвовал в создании "Мастерских религиозного искусства", являлся главой «неотрадиционалист-

ского" течения во французской живописи. В двадцать лет Дени сделал следующее заявление, которое часто считают ключом к пониманию современной живописи: "Помните, что картина - прежде чем представлять боевого коня, или обнаженную женщину, или какой-либо анекдот - является плоской поверхностью, покрытой красками в определенном порядке". Такое восприятие искусства в конечном счете привело живопись к абстракции.

Пьер Боннар — французский живописец, рисовальщик, литограф. Художник – неоимпрессионист, символист. В юности изучал право. Огромное влияние на его творчество оказала классическая японская гравюра, а также работы знаменитого живописца Поля Гогена. Некоторое время Боннар входил в состав группы молодых живописцев, организованной самим Гогеном и находящейся под огромным влиянием символико-синтетических работ своего основателя. О нем говорили: «Он умеет украсить стороны нашей жизни остроумными и радужными узорами своего воображения». Чувственно-праздничную красоту его полотнам придавало умелое сочетание гибкого ритма линий с тонкими цветовыми противопоставлениями. Боннар состоял в художественной группе «Наби», стремившейся к изображению посредством упрощения цвета, рисунка и сюжета, что в полной мере отражалось в его работах, не только живописных, но и литографических. В совершенстве владея языком цвета и линий, он переносил основную смысловую нагрузку работ на способ самовыражения. Теплый, обволакивающий колорит, живописный уют, созерцательность автора заполняют все работы Боннара. С именем этого художника тесно связывается понятие «парижская школа», распространившее по всему миру особое мироощущение молодых французских художников.

Густав Климт (1862-1918), известнейший австрийский живописец. Один из самых ярких представителей стиля модерн. Родился в предместье Вены в семье художника-гравера. Окончил венскую Школу декоративного искусства. Его раннии работы, состояли преимущественно из больших фресок для театров и были написаны в натуралистичес- ком стиле. В картинах Климта сочетаются две противоборствующие силы ; с одной стороны - это жажда абсолютной свободы в изображении предметов что приводит к игре орнаментальных форм. Эти работы в действительности являются символичными и их надо рассматривать в контексте символизма как выражение недостижимого мира стоящего над временем и реальностью. С другой стороны - это сила восприятия природы, влияние которой смягчает пышность орнаментальности в его картинах.

Поцелуй 1908 год .

Фриз Бетховена 1902 год .

Змеи, Русалки , Жизнь и смерть , Дева, Береза в лесу

Михаил Александрович Врубель стоял у истоков русского символизма в России. Он обращался к символу в попытке изобразить не изобразимое, понять непознанное, увидеть незримое. Подлинная стихия картин Врубеля – это молчание, тишина , которую, кажется можно услышать. В молчание погружен его мир. Он изображает моменты неизреченные, чувства, которые не умещаются в слова. Молчаливый поединок сердец, взглядов, глубокое раздумье, безмолвное духовное общение выражено в символизме, который просматривается в его картинах. На рубеже веков изменилось направление вкусов, теперь публика читала Ибсена, символистов, посещала Художественный театр. И произошло признание Врубеля. На фоне новых течений становился всё более внятен и приемлем эмоциональный срой его искусства, его символика, его культ красоты и тайны.

Принцесса Греза 1895 год.

Девочка на фоне персидского ковра

Ангел с кадилом и свечой, Голова демона на фоне гор, Демон сидящий, Демон летящий ,Демон поверженный,

Портрет сына, Надгробный плач ,Богоматерь с младенцем, Пьета,Роза в стакане,

Васнецов Виктор Михайлович (1848–1926) великий русский художник, один из основоположников русского модерна в его национально-романтическом варианте. Васнецов - основоположник особого «русского стиля» внутри общеевропейского символизма и модерна .Живописец Васнецов преобразовал русский исторический жанр, соединив мотивы средневековья с волнующей атмосферой поэтической легенды или сказки; впрочем, и сами сказки зачастую становятся у него темами больших полотен .

Принципы « русского стиля» мастер развивал также в области архитектуры и дизайна: по эскизам Васнецова, стилизующим древнерусскую старину, в Абрамцево были возведены церковь Спаса Нерукотворного (1881–1882) и Избушка на курьих ножках (1883), а в Москве – памятный крест на месте убийства великого князя Сергея Александровича в Кремле (1905, уничтожен при советской власти, воссоздан на территории московского Новоспасского монастыря) и фасад Третьяковской галереи (1906).

Богатыри , Аленушка , Иван-царевич на сером волке, Царевна – лягушка ,Три царевны темного царства ,Сирин и Алконост ,Витязь на распутье, Ковер-самолет, Царь Иван Грозный ,После побоища Игоря Святославовича с половцами ,Бой Добрыни Никитича с трехголовым драконом

Бенуа Александр Николаевич (1870-1960) художник-график, живописец, театральный художник, издатель, литератор, один из авторов современного образа книги. Представитель русского модерна. О нем говорили как о талантливом искусствоведе, перевернувшем устоявшиеся представления о развитии отечественного искусства .А. Бенуа стал одним из организаторов и идеологов художественного объединения «Мир искусства», основал одноимённый журнал.

За свою жизнь Александр Николаевич Бенуа был главой художественной части антрепризы Дягилева, где часто участвовал в его «Русских сезонах». Также успел поработать как режиссер и художник Московского художественного театра. В творчестве Бенуа-художника решительно преобладала история. Две темы неизменно пользовались его вниманием: "Петербург XVIII - начала XIX в." и "Франция Людовика XIV". Основное место в работах А.Бенуа занимали пейзажи. На своих полотнах художник выражал мысль о вечности природы и творений, созданных руками людей, и акцентировал внимание на быстротечности и мимолётности человеческой жизни. Именно пейзаж полно отразил мировидение художника. Бенуа изображал придворный быт, в котором подчёркивал условность, противопоставлял его искусственную красоту прозе действительной жизни. Пейзаж Бенуа напоминают исторические декорации, стилизованный под искусство эпохи абсолютизма. В колорите Бенуа отсутствует живое ощущение цвета.

Прогулка короля, Парад при Павле I, Итальянская комедия, Аполлон и Дафна,Петр I на прогулке в летнем саду,Китайский павильон,Книжная графика, Эскизы декораций

Лев Самойлович Бакст (1866-1924) не сразу пришел к своей системе художественного мышления, самобытной творческой манере. В самом начале века его творческие поиски устремлены к портретному жанру. Он создает остропсихологические портреты крупного русского религиозного философа и литератора В. В. Розанова; организатора Русских сезонов С. П. Дягилева. В своих графических портретах поэтов-символистов Зинаиды Гиппиус, Андрея Белого художник по уровню мастерства не уступает работам Серова и Сомова. Стиль модерн наиболее последовательно реализован Бакстом в картине «Ужин». Художник изобразил даму за столом с апельсинами. Взгляд ее направлен на зрителя, линия фигуры изогнута. Выразительность линий и пятен здесь торжествует. Поздние эскизы костюмов и театральных декораций Бакста своей энергичной гармонией, динамикой перекликаются с этой картиной. Увлечение античностью и поездка вместе с Серовым в 1907 г. в Грецию стали для Бакста источником стилизации в духе греческой архаики. Кульминации этот интерес к античности достигает в большом декоративном панно «Древний ужас». Художник изобразил гибель цивилизации под воздействием стихии: море готово поглотить древние храмы, античные колонны, рушатся прибрежные скалы. А на переднем плане спиной ко всему изображена Афродита с застывшей улыбкой, словно не замечающая катастрофы. Картина выглядит вполне условной. Идея Бакста в этом панно заключалась, очевидно, в том, что искусство не может погибнуть. Высшей точкой в развитии таланта Бакста стала его оформительская, театрально-декорационная работа в период дягилевских Русских сезонов в Париже в конце первого десятилетия XX в.

Головин Александр Яковлевич (1899г. - 1969г.) - русский художник, сценограф, представитель символизма и модерна. Был членом объединения «Мир искусства».К концу 19 века занимался дизайном интерьеров, мебели и утвари, участвовал в оформлении русского павильона на Всемирной выставке в Париже (вместе со своим другом К.А.Коровиным; 1900) и создании майоликового фриза гостиницы "Метрополь" (1900-1903).

В начале века получил приглашение в театр. Первый успех в новой сфере принесли ему работы в Большом театре (оперы Ледяной дом А.Н.Корещенко, 1900; и Псковитянка Н.А.Римского-Корсакова, 1901).Самые яркие свои сценические шедевры создал в Петербурге, куда был приглашен в 1902 на должность главного художника императорских театров (Кармен Ж.Бизе, 1908, и Орфей и Эвридика К.В.Глюка, 1911, в Мариинском; Гроза А.Н.Островского, 1916, и Маскарад М.Ю.Лермонтова, 1917, в Александринском; и др.).Голо-вин работал также и для антрепризы С.П.Дягилева в Париже (Жар-птица И.Ф.Стравинского, 1910).Самобытный творческий раздел составили станковые картины мастера, обычно написанные темперой и пастелью, - мозаически-декоративные по колориту портреты, пейзажи и натюрморты, в которых так же органично соединились модерн и экспрессионизм (Павловск, 1910; Фарфор и цветы, 1915; обе картины в Третьяковской галерее, Москва).Классическими художественными документами стали его театральные портреты.

Константин Андреевич Сомов (1869-1939), – русский живописец и гра-

фик, мастер портрета, представитель русского символизма и модерна. Один из основателей

журнала "Мир искусства", член одноименного объединения.

Манера Константина Сомова соответствовала эстетике “мирискусников”, соединяя гармонию мечты с реальностью, отличалась поэтичностью образов в сочетании с утонченностью и одухотворенностью. Его творчеству присущи ретроспективизм, элегичность, изысканность.