Подготовка ученика к открытому выступлению

Как помочь ученику как можно лучше донести до слушателей то, что было задумано, отработано в классных и домашних занятиях? Не6льзя взять на себя смелость дать исчерпывающие рецепты на все случаи, нельзя рекомендовать панацею от всех бед. Можно лишь поделиться раздумьями,накопившимися за десятки лет педагогической работы и некоторым личным опытом концертных выступлений. Многие факторы оказывают влияние на исполнительство. Не говоря уже о музыкальных способностях ученика. Имеют значение его физическая и нервная конституция, общий культурный и интеллектуальный уровень. Но решающим фактором является метод обучения музыке. Публичные выступления есть итог всей системы обучения, где все взаимосвязано: воспитание музыкального мышления, слушания, памяти, двигательных навыков, контроль педагога над режимом и дисциплиной домашних занятий. Один из важнейших залогов успеха – удачно выбранная программа. Составляя учебный план, педагог включает в него произведения, которые ученик будет готовить для зачета, экзамена, концерта; произведения, нужные для преодоления тех или иных недостатков ученика. Очень важно эмоциональное отношение ученика к выбранному произведению. Пьеса, которая нравится ученику, вызывает интерес, усваивается быстрее, внимание его более сконцентрировано. Но это не означает, что педагог должен идти на поводу у ученика. Музыкальная литература безгранично богата, что всегда можно найти пьесу, которая и заинтересовала бы ученика и соответствовала его исполнительским возможностям. Полюбившаяся пьеса будет выучена быстрее и лучше, чем та, которая кажется ученику скучной, неинтересной. Но для того, чтобы вызвать интерес к пьесе, увлечь ею, нужно дать возможность услышать ее. Желательно сыграть пьесу ученику. Очень полезно рассказать кратко об эпохе, в которой жил автор, о стилевых особенностях его творчества. Каждый педагог умеет найти слова, аргументы, помогающие раскрыть музыкальный образ пьесы, ее характер, настроение. Зная, к чему нужно стремиться, чего добиваться, ученик с большим интересом, сознательно будет работать над пьесой, и домашние занятия дадут лучшие результаты. Итак, цель намечена. Однако самые интересные рассказы, самые яркие образы ни к чему не приведут, если не найдены средства для воплощения замыслов. Двигательная память более устойчива, чем слуховая. Все, что связанно с двигательной памятью, с работой мышц – аппликатура, элементы артикуляции, приемы звукоизвлечения, связанные с градациями силы звука – должно быть показано ученику и усвоено им при разборе новой пьесы. Процесс разбора является едва ли не самым важным этапом в разучивании музыкального произведения. Каждый педагог требует от ученика внимания к аппликатуре. Выполнение этого требования не должно быть бездумным и пассивным. Если пальцы не выписаны, это означает, что предполагается их естественная последовательность. А для того, чтобы понимать эту последовательность, нужно знать аппликатуру гамм, аккордов, арпеджио. В полифонических произведениях нельзя руководствоваться кажущейся удобной аппликатурой; удобная для руки аппликатура может оказаться непригодной для правильного голосоведения, особенно в тех случаях, когда в одной руке два голоса. Одно из основных средств выразительности в музыке – артикуляция, способ произношения. Ученик должен владеть такими видами артикуляции как: legato-cantabile – то есть глубоким, певучим legato и legatobenarticolatoто есть чётким, членораздельным legato; nonlegato– глубоким, весовым portamento, при котором трудно уловить точное окончание звука, и nonlegato лирически точным, при котором звучание равно половине длительности; мягким staccatoи staccato, схожим со звучанием скрипичного spiccato, исполняемых без движений запястья, и очень коротким staccato, схожим со скрипичным pizzicato. Задача педагога – научить ученика включать нужную группу мышц, перестраивать их работу, выключая, предположим, крупные мышцы и включая мелкие, расположенные в пястье, научить пользоваться большим или меньшим весом руки, большей или меньшей её массой – то есть научить всему, что составляет игровые приемы, необходимые для реального воплощения нужного звучания. Музыкальное произведение при разучивании требует членения. Н. Перельман в своей маленькой, но емкой книжке «В классе рояля» пишет: «Хорошо разучивать – это умело расчленять материал; расчленённый он потом легко сочленяется». Плохо разучивать – бездумно дробить материал; раздробленный, он с трудом затем пригоняется. Дети часто учат сначала строки, не обращая внимания на то, что это середина фразы, или учат с первой доли такта, не понимая того, что фраза начинается с затакта, останавливаются перед тактовой чертой, хотя фраза заканчивается в следующем такте. Задавая разучивать дома пьесу по частям, следует попросить ученика показать, как он думает расчленить пьесу. Умение правильно расчленить пьесу требует понимания границ фразы, формы музыкального произведения. Границы фразы вопрос-ответ, простейшая двух-, трехчастная форма – понятия, доступные 6-7 летнему ребенку. Систематически следует заниматься развитием гармонического слуха. Понимание формы и хотя бы в общих чертах тонального плана музыкальных произведений способствует воспитанию и развитию логической памяти. Значение памяти для уверенного самочувствия во время публичного выступления, несомненно, одно из главенствующих. Как учить на память? Каждый пианист учит музыкальную пьесу на рояле по нотам и затем на рояле без нот. Дети, у которых слабая слуховая или двигательная память, затрачивают много времени на заучивание наизусть. Кроме разучивания пьесы по нотам и без нот И. Гофман предлагает ещё такие способы: по нотам без рояля и без нот и без рояля. Способы, предлагаемые И. Гофманом, ставят во главу угла активную работу сознания и внутреннего слуха. Первый способ – по нотам без рояля – можно разделить на два этапа: закрыв рояль, играть на крышке по нотам; убрав руки с крышки рояля, мысленно играть, глядя в ноты. Второй способ – без нот и без рояля – гораздо сложней и требует постепенной подготовки. Для начала ученик играет на крышке рояля без нот. Затем задача усложняется: так же без нот играть на коленях. Овладев такими двумя вспомогательными способами, можно попробовать играть пьесу «мысленно» или «в голове», как это называют ученики. Разумеется, все, что говорилось о приемах работы над памятью, не исключает и не заменяет длительной и систематической работы над техникой, над двигательным автоматизмом. Нередко на обсуждениях после неудачного выступления ученика можно услышать от педагога такое «оправдание»: он так хорошо играл, а теперь «заболтал». Увы, эта фраза не оправдывает педагога, а обвиняет его. С явлением, называемым «забалтываем» нужно не бороться postfactum, а не допускать его. В чем причины «забалтывания»? В неправильных домашних занятиях. Ученик, не приученный педагогом к работе над звуком, над фразой, ученик, которому не привито стремление к совершенствованию, выучив пьесу наизусть, считает на этом свою миссию законченной. Зачем трудиться над отделкой отдельных мест. Достаточно сыграть программу 2-3 раза дома на память. И играют как автоматы, без участия самоконтроля, или как говорил Г. Нейгауз – «занимаются музыкой без музыки». Первые тревожные симптомы таких домашних занятий появляются не за день- два до выступления, а значительно раньше. Чтобы быть уверенным в том, что ученик дома занимается внимательно, осмысленно, следует посвятить урок новому прочтению пьесы по нотам. Ошибки в тексте ученик должен находить сам. Самостоятельное исправление ошибки закрепляется в памяти значительно прочнее, чем многократные замечания педагога. «Забалтывание» может принять и иной облик: ошибок нет, все правильно. Но исполняется пьеса формально, намеченный образ увял. Чтобы оживить исполнение, вернуть первоначальную свежесть эмоционального восприятия есть много средств: где-то чуть изменить динамику, педализацию, продумать где-то заново интонацию, найти новые штрихи, детали в содержании. Причины неудач технического порядка также коренятся в неправильных домашних занятиях. Необходимо проверять какими способами и приемами ученик в домашних занятиях добивается нужных результатов.Отрабатывая этюд или отдельный пассаж, ученик должен понимать, над каким видом техники он трудится, что это – диатонические или хроматические гаммы, короткие или длинные арпеджио. В произведениях, которые входят в программу ДМШ, ученик сталкивается в основном с видами техники классического типа. Двигательные навыки, нужные для исполнения различных видов техники классического типа, прививаются и вырабатываются при прохождении гамм. Старшие ученики, желая выработать выдержку, зачастую играют дома пьесу или этюд в быстром темпе, раньше, чем пьеса «созрела» для такого темпа. В результате – жалоба на то, что рука устает. Опытный педагог уловит появление усталости, зажатости раньше ученика и прервет исполнение, поняв, что следует еще некоторое время выждать, и ограничиться менее быстрым темпом. Постепенно нужный темп и свобода придут, но играть в темпе ученик будет только под контролем педагога. Нельзя от каждого ребенка, не обладающего музыкальными способностями, ожидать исполнения яркого, проявления интересной музыкальной индивидуальности. Но научить играть осмысленно, с пониманием характера, настроения стиля исполняемой музыки можно, привить культуру звука, музыкальный вкус можно каждому ученику. Однако близится день выступления, программа готова и пора подготовить психику ученика к ответственному испытанию. У детей в очень раннем возрасте появляется склонность к театральной игре. У учеников младших классов, с какой бы ответственностью они не относились к своей задаче, волнение носит характер ожидания праздничного, радостного события.Волнение такого рода не тормозит работу слуховой или двигательной памяти. Поэтому то, о чем будет говориться ниже, в большей степени относится к старшим ученикам. Обычно, педагоги перед выступлением напутствуют ученика – « ты только не волнуйся».У любого человека в подобной ситуации эти предупреждения вызовут настороженность, беспокойство, ожидание чего-то неприятного. Когда мы перед выступлением советуем ученику не волноваться, мы тем самым поддерживаем в нем чувство ожидания события, которое должно внушать беспокойство, страх. Практика показала, что гораздо лучшие результаты дают наставления обратного порядка: «Волнуешься? Очень хорошо, так и нужно. Слушай себя, думай вперёд и волнуйся, тогда будешь играть хорошо и интересно». Замечательная актриса А. А. Яблочкина, когда ей уже было 90 лет, сказала: «Если я перестану волноваться, выходя на сцену, значит, я перестала быть актрисой и нужно уходить со сцены». Нужно выработать навык исполнения в состоянии эстрадного волнения. Для этого за неделю – полторы до выступления устраивается «индивидуальная репетиция». Хорошо, если при этом присутствуют ещё ученики или родители, которые играют роль «комиссии». Педагог предупреждает ученика: «Сейчас ты будешь играть на экзамене. Ты сам за себя отвечаешь. Волнуйся и сохраняй ясную голову». Интересно наблюдать, как после такого предупреждения ученик начинает заметно волноваться, выражение лица становится серьезным, чувствуется, как он внутренне собрался. Детей, особенно мало музыкальных, больше всего волнует память. Основной, а иногда единственный показатель удачного выступления у них - сыграть программу, нигде ничего не забыв. Конечно забывать на эстраде нежелательно, но такая неприятность может случиться и со взрослым настоящим пианистом и слушатели не поставят ему в упрёк, если пианист ничего не исправляет, а продолжает уверенно играть дальше. Главное помнить, что играя при публике, ничего нельзя исправлять. Есть немало пьес, в которых фактура не слишком сложна, но где-то на небольшом отрезке текста скрываются «подводные камни». Это может быть смена вида техники, скачки, трудный пассаж. Вычленив трудное место и затратив на это много времени и труда, ученик, наконец, добивается чистоты и ровности. Но как велико огорчение, когда сыграл пьесу целиком, ученик обнаруживает, что так хорошо выученный пассаж «капризничает» - то получается, то нет. Играя всю пьесу целиком, ученик не успевает вовремя подготовиться к стоящей впереди задаче, мозг не подает нужного сигнала и результат печальный – не получилось. Нужно уметь хотеть, а это значит, приближаясь к коварному месту, заранее внутренне подготовиться, мобилизовать волю, предельно собрать внимание и успеть подготовить руку к нужному положению и движению, которое уже прочно заучено. Проделав такой опыт и получив желаемый результат, следует повторить его несколько раз, чтобы закрепить волевой импульс и мышечное ощущение. Необязательно повторять несколько раз всю пьесу, достаточно играть часть пьесы, предшествующую трудному пассажу. Беседы о силе воли, о необходимости участия воли в игре на рояле дают хороший эффект. Необходимо внушать ученикам, что расслабляться и отключаться можно только тогда, когда окончена вся пьеса. В день выступления очень важна спокойная атмосфера дома, в семье. Не следует будить в ребёнке дух конкуренции, не следует ставить перед ним цель сыграть обязательно лучше своего приятеля. Если выступление назначено на утренние часы, нужно успеть разогреться, размять пальцы. Если выступление вечернее, то придя из школы – отдохнуть и сесть позаниматься. Играть программу «начисто» не нужно. Неопытный исполнитель не может дважды за короткий срок сыграть программу с одинаковой эмоциональной отдачей. При повторе «градус накала» будет ниже. Вполне достаточно попросить ученика сыграть начальные темпы. Перед выступлением не помешает напомнить: если перед каждой пьесой лишние полминуты подумаешь, никто тебя не осудит. Никогда не следует после выступления, когда еще не улеглось возбуждение подробно обсуждать выступление его программы. Лучше на следующий день в спокойной обстановке вместе разобрать: что было неудачно, почему, что было хорошо, похвалить ученика. Методика обучения музыке не может и не должна быть догматичной. Пути к истине многообразны. Есть только одна неоспоримая величина – спокойствие учителя (но не равнодушие), доброжелательное отношение к ученику, умение внушать уверенность в его силах, какие бы они не были. Волнение и взволнованность – однозначные ли это понятия? Волнение кратковременно и вызвано единичным каким-то действием, событием. Взволнованность включает в себя увлечённость – качество, без которого не мыслим педагогический труд, качество, которое заражает тех, кого мы учим.