Русская живопись XIX века. Натюрморт.

Русская живопись XIX века. Натюрморт.

Русская художественная культура 8 класс

Суляева Юлия Анатольевна

Натюрморт

• (фр. nature morte — «мертвая природа») — изображение неодушевленных предметов в изобразительном искусстве, в отличие от портретной, жанровой, исторической и пейзажной тематики

Натюрморт

• Исходную точку раннего натюрморта можно найти в XV-XVI веках, когда он рассматривался как часть исторической или жанровой композиции. Натюрморт окончательно оформляется в качестве самостоятельного жанра живописи в творчестве голландских и фламандских художников XVII в.

Натюрморт в русской живописи 18-20 веков

• Натюрморт как самостоятельный жанр живописи появился в России в начале XVIII века. Представление о нем первоначально было связано с изображением даров земли и моря, разнообразного мира вещей, окружающих человека. Вплоть до конца 19 века натюрморт, в отличие от портрета и исторической картины, рассматривался в качестве "низшего" жанра. Он существовал главным образом как учебная постановка и допускался лишь в ограниченном понимании как живопись цветов и фруктов.

• В российском живописном искусстве натюрморт практически всегда был второстепенным жанром. А назвать отечественного художника-натюрмориста смогут только искушенные искусствоведы. Но, так или иначе, натюрморт как самостоятельный жанр стал развиваться в 19 веке. Первыми «ласточками» стали небольшие акварели и гуаши Ф.П. Толстого и работы И.Т. Хруцкого. Это были классические европейские натюрморты с пышными букетами садовых цветов и корзинами фруктов. При всем их художественном обаянии эти работы имели весьма ограниченное значение для развития российской живописи.

Федор Петрович Толстой (1783-1873)

Ветка сирени и канарейка. 1819

Букет цветов, бабочка и птичка. 1820 

Иван Трофимович Хруцкий (1810-1885)

Плоды и свеча. 1839

• В творчестве русских реалистов середины и второй половины XIX столетия натюрморт был явлением сравнительно редким.
• Особенный интерес к натюрморту в русской живописи начинает пробуждаться в 80-х годах прошлого века. Одно из главных мест принадлежит здесь работам И. И. Левитана (1860 - 1900). Они не велики по размеру, скромны по замыслу. Эти работы Левитана, в сущности, еще традиционны: букеты взяты изолированно от окружающего их пространства комнаты, на нейтральном фоне. Задача здесь ясна и проста: по возможности более убедительно передать неповторимую прелесть выбранной натуры. 

Исаак Ильич Левитан (1861—1900)

Васильки. 1894

Сирень. 1893

• В натюрморте « Лесные фиалки и незабудки» (1889)  художник чутко предал хрупкость ночных фиалок и воздушность голубых незабудок, их гармонию с простой деревенской кринкой. Близки по мотиву « Одуванчики» и «Белая сирень».  Первые выдержаны в теплой гамме, которая очень органично смотрится с глиной молочной кринки и желтыми головками цветов. Эти натюрморты Левитана достаточно традиционны: букеты изображены на нейтральном фоне и изолированы от окружающего пространства. Смысл этих картин очень прост – максимально точно передать прелесть выбранной натуры.

Исаак Ильич Левитан (1861—1900)

Лесные фиалки и незабудки. 1889

Одуванчики. 1889

• Однако в эти годы в творчестве К. К. Коровина (1861 - 1939) и В. А. Серова (1865 - 1911) можно ощутить новые веяния.
• Характер новых тенденций можно определить, как стремление художников связать натюрморт - сюжетно и живописно - с окружающей средой. "Мертвую натуру" выносят на пленэр, то есть на воздух, под открытое небо, связывают с пейзажем или же, напротив, органически соединяют с интерьером комнаты. В натюрморте хотят увидеть отражение мироощущения конкретного человека, его жизненного уклада, наконец - его настроения.

• Одно из ранних полотен Коровина прекрасно иллюстрирует эти новые тенденции. Речь идет об изображении дружеского общества на даче художника В. Д. Поленова - "За чайным столом" (1888, музей-усадьба В, Д, Поленова). Картина написана почти в пленэре - на террасе загородного дома. Целью живописца было передать ощущение теплого летнего дня, прелесть непринужденной дружеской беседы. В этой работе Коровин положил начало дальнейшему развитию натюрморта.

• Стремление художника расширить границы натюрморта, теснее связать его с человеком, с окружающим миром приводит во многих случаях к органичному слиянию этого жанра с портретом, пейзажем, интерьером и бытовой живописью. Изображение "мертвой натуры" становиться здесь более многозначительным, превращается в активное средство раскрытия образа. И это характерно не только для начальных этапов, но и для всего периода развития натюрморта конца XIX- начала XX веков.

• На знаменитой картине Серова «Девочка с персиками» (1887)  натюрморт с персиками на переднем плане на первый взгляд не играет важной роли в композиции полотна. Все внимание художника устремлено на В. Мамонтову, а фрукты только дополняют созданный образ. Но персики помогает Серову решить важную художественную задачу. Фрукты, по замыслу художника, служат цветовым ключом к колористическому построению картины. Серов подбирает для персиков собственный желтый цвет и противопоставляет его с белизной скатерти, с зеленью кленовой листвы и желтизной света, льющегося из окна в сад. Художник различает лимонно-желтые, зеленоватые и золотисто-желтые тона на неровных боках плодов. Осязаемый свет летнего дня, который словно формирует персики, определяет весь эмоциональный и живописный строй картины.

• Высоко ценились этюдная легкость манеры или тщательная отделка живописной поверхности. Наиболее точно все эти принципы воплощены на большой картине К.Е. Маковского (1839-1915)  «В мастерской художника» (1881) . Работа поражает «натюрмортным» нагромождением деталей: экзотических фруктов, богатых тканей, антикварных редкостей. Огромная собака и маленький мальчик кажутся не живыми существами, а простыми экспонатами этой выставки предметов роскоши. Новая же концепция натюрморта предполагала всестороннее расширение границ жанра и слиянию его с портретом, пейзажем, интерьерной и бытовой живописью.

Натюрморт перестает быть простым изображением «мертвой природы» и превращается в средство раскрытия образа.

• Новые веяния заметны в известной картине  В.Д. Поленова «Больная» (1886) . Интерьер и фигура героини погружены в глубокую тень – они лишь фон, а смысл происходящего раскрывается при помощи компактной группы предметов, которая ярко освещена лампой с зеленым абажуром. Этот натюрморт очень содержателен. Полуобгорелый абажур выхватывают из темноты смятые подушки и простыни, стеклянный графин, стакан с водой, пузырьки с лекарствами и рецепты врача. Слева заметны потрепанные книги в красной и голубой обложке, возможно это домашние лечебники или альбомы, которыми развлекали больную. Подобная композиция является символом того, что вся жизнь этой больной сосредоточена вокруг этого стола и стоящих на нем предметов. На работе натюрморту отдана активная роль в создании настроения. 

• Также достаточно характерен натюрморт, который выдвинут на первый план, в картине  К.Е. Маковского «Алексеич» (1882) . На картине фигура человека изображена уже на заднем плане, за натюрмортом. Образ благодушного старика раскрывается в той искренней радости, с которой он предвкушает свое одинокое чаепитие. Горбушка хлеба, кипящий самовар, варенье в стеклянной банке, бережно укрытая полотенцем коробка с сахаром и чаем – все это создает ощущение покоя и тепла, которое искренне радует неприхотливого человека.

• Дальнейшее развитие русского натюрморта связано с более активным вторжением его в бытовой жанр. Эта тенденция ярко прослеживается в творчестве Б.М. Кустодиева (1878-1927).
• Русские натюрмористы: Грабарь Игорь Эммануилович (1871-1960), Петров-Водкин Кузьма Сергеевич (1878-1939)
• Встречаются интересные натюрморты среди работ М.А. Врубеля (1856-1910), например, «Роза в стакане» (1904). В начале прошлого века натюрмортом усиленно занимался П.П. Кончаловский (1876 – 1956).

Михаил Александрович Врубель (1856–1910)

Шиповник. 1884

Натюрморт. Гипсовая маска, рожок канделябра. 1885

Грабарь Игорь Эммануилович (1871-1960)

Хризантемы. 1905

Неприбранный стол. 1907

Петров-Водкин Кузьма Сергеевич (1878-1939)

Селедка. 1918

Кустодиев Борис Михайлович (1878-1927)

Яблоко и сторублевка. 1916

Кончаловский Пётр Петрович (1876-1956)

Натюрморт с пионами в вазе. 1910

• "Цветок нельзя писать "так себе", простыми мазочками, его надо изучить и так же глубоко, как и все другое, - говорил Кончаловский. - Цветы - великие учителя художников: для того чтобы постигнуть и разобрать строение розы, надо положить не меньше труда, чем при изучении человеческого лица. 

• Начало ХХ века ознаменовалось расцветом русской натюрмортной живописи, впервые обретшей равноправие среди прочих жанров. Стремление художников расширить возможности изобразительного языка сопровождалось активными поисками в области цвета, формы, композиции. Все это особенно ярко проявилось в натюрморте. Обогащенный новыми темами, образами и художественными приемами, русский натюрморт развивался необычайно стремительно: за полтора десятка лет он проходит путь от импрессионизма до абстрактного формотворчества.

Российские мастера натюрморта XIX – начала XX века

• Хруцкий Иван Фомич (Трофимович) (1810-1885)
• Грабарь Игорь Эммануилович (1871-1960)
• Петров-Водкин Кузьма Сергеевич (1878-1939)
• Кончаловский Пётр Петрович (1876-1956)