Реферат по дисциплине "История изобразительного искусства" на тему "Искусство эпохи возрождения"

ИСКУССТВО ЭПОХИ ВОЗРОЖДЕНИЯ

Эпоха Возрождения – одна из самых впечатляющих страниц в истории мирового искусства. Она охватывает около трех столетий (XIV – XVI вв.). В сравнении с эпохами Древнего мира (около 5000 тысяч лет), средневековья (около 1000 лет), Возрождение представляется очень кратким периодом времени. Однако по количеству гениальных произведений искусства, новизне и смелости поисков мастеров той эпохи художественное наследие Возрождения не уступает предшествовавшим этапам развития мирового искусства.

Родиной Возрождения стала Италия. Уже в XIV веке в сочинениях великого итальянского поэта – гуманиста Франческо Петрарки (1304 – 1374) появилось понятие Ринашименто – Возрождение (по-французски "Ренессанс").

В это время были заложены основы современной науки, высокого уровня достигает литература, получившая с изобретением книгопечатания немцем Иоганом Гутенбергом прежде невиданные возможности распространения. В это время делают свои открытия Христофор Колумб, Коперник, пишут свои бессмертные произведения великие итальянцы Данте, Петрарка, французы Франсуа Рабле, автор романа "Гаргантюа и Пантагрюэль", Мишель Монтень, создатель знаменитых "Опытов". Трагедии Шекспира, "Дон Кихот" Сервантеса поражающие глубиной проникновения в психологию человека, знанием его страстей и устремлений, были написаны в эпоху Возрождения.

Мировоззренческой основой ренессансной культуры становится философское направление гуманизма (от латинского "гуманус" – человек). Человек вновь становится "мерой всех вещей". Девизом искусства эпохи Возрождения можно было бы взять слова, вложенные итальянским гуманистом XV в. графом Пико делла Мирандола в его панегирике, в уста Бога – творца, обращавшегося к человеку: "Я ставлю тебя в центр мира…"

В отличие от романской и готической культуры средневековая культура Возрождения носила светский характер, хотя основной круг сюжетов оставался, связан с мифологической и библейской тематикой. Эпоха Ренессанса противопоставила церковным догматам мировосприятие гуманистов, утверждавших ценность человеческой личности.

Одной из основ искусства Возрождения становится по-новому понятое наследие античности.

Развитие наук, разработка линейной и воздушной перспективы, изучение анатомии человека – все это способствовало развитию в изобразительном искусстве реалистических тенденций, освобождению от условности готического искусства. В живописи на первый план выступает портрет, зарождаются пейзаж, исторический и бытовой жанры. Развивается станковая живопись. Круглая скульптура – монументальная и станковая – приобретает самостоятельное значения.

Идеалы гуманизма нашли свое отражение и в архитектуре: сооружения приобретают ясный гармонический облик, их пропорции и масштабы соотносятся с человеком.

ЛЕКЦИИ 11, 12, 13

ИТАЛИЯ

ПРОТОРЕНЕССАНС (XIII – начале XV в.)

Основы живописи итальянского Возрождения закладываются в конце ХIІІ – начале ХV в. Этот период получил название Проторенессанс, что означает предвозрождение. Живопись итальянского Ренессанса тесно связана с традициями византийской иконописи, поздней готики, античного и местного романского искусства.

Первый подъем новой культуры в Италии относится к концу XII – XIII вв.; он связан с изменениями в политической жизни крупных городов Италии (Флоренция, Милан, Сиена). Политическая власть в них сосредоточилась в руках купцов и ремесленников, которые активно противостояли власти местных феодалов и успешно способствовали отражению натиска иноземных завоевателей. Эти изменения вызвали коренные сдвиги в мировоззрении и культуре, повышения интереса к человеку, приобщение большого числа людей самых разных сословий к искусству. Заказчиками и покровителями художников и архитекторов становятся аристократы, купцы, духовенство, монахи, ремесленники.

Родоначальником реалистического искусства Возрождения называют флорентинца Джотто Бондони (1266/67 – 1337). Одним из первых в итальянской живописи Джотто создает типический образ человека.

Наиболее значительное творение художника – фрески на темы жизни Марии и Христа в Капелле дель Арена в Падуе, построенной в XI – XIV вв. на месте арены древнеримского цирка. Религиозная легенда передается художником как реальное событие. Пейзаж, жанровые мотивы усиливают реальность изображенных сцен из Евангелия. Искренне, жизнеутверждающее искусство Джотто Бондони с его верой в человека положило начало живописи Возрождения.

РАННЕЕ ВОЗРОЖДЕНИЕ

В это время происходит решительный поворот к новому в итальянском искусстве, преодоление средневековой традиции. Складываются различные местные школы (флорентийская, миланская и др.).

Архитектура. Основные типы построек того времени – храмы (разрабатывается тип центрально – купольной постройки) и дворцы аристократии. Новое направление в архитектуре связано с переработкой античных традиций и ордерной системы.

Родоначальником итальянского Возрождения в зодчестве был флорентинец Филиппо Брунеллески (1377 – 1446) – разносторонне – одаренный человек, он был архитектором, инженером, математиком, в юности работал учеником ювелира. Однако окончательный выбор падает на архитектуру, развитию которой Брунеллески посвящает свою жизнь. Его первая крупная работа – возведение грандиозного, диаметром 42 м, купола над построенным в XIV в. собором Санта – Мария дель Фиоре во Флоренции (1420 – 1436 гг.).

Одной из важнейших задач итальянской архитектуры XV в. была разработка принципов сооружения городского дворца аристократии (палаццо). Создается тип постройки, прямоугольный в плане, с множеством помещений в одном замкнутом объеме, расположенных вокруг внутреннего двора (вспоминаются жилые античные постройки). Предполагают, что в сооружении одного из таких дворцов – палаццо Питти – участвовал Ф. Брунеллески.

Скульптура. Пластика эпохи Возрождения преодолевает зависимость от архитектуры, свойственную скульптуре средних веков, обретая самостоятельное значение. Объединенные одной художественной идеей зодчество и скульптура существуют, как равновеликие составляющие одного архитектурного ансамбля.

Реформы в итальянской скульптуре XV в. связаны с именем скульптора Донателло (полное имя Донато ди Николло ди Бетто Барди, около 1386 – 1466), снискавшего громкую прижизненную славу. Освободившись от готических влияний, заметных в его ранних работах, скульптор создает ряд произведений реалистических, изображая образы остроиндивидуальные, подчеркивая выразительность даже в самых малопривлекательных чертах. Среди наиболее известных работ Донателло – статуя кондотьера (военачальника) Гаттамелаты, скульптурный портрет флорентийца по прозвищу Цукконе.

Торжество идеалов ренессансной скульптуры в творчестве знаменитого мастера знаменует статуя Давида, появившаяся после тысячелетнего периода средних веков, в эпоху Возрождения. Одной из главных заслуг Донателло было возрождение круглой скульптуры.

Живопись. Живопись – искусство, достигшее всеобщего признания в эпоху Возрождения, она проходит все этапы развития, что и скульптура, преодолевая готическую отвлеченность образов, развивая традиции реализма, намеченные Джотто.

У истоков итальянской живописи Возрождения стоит флорентийский художник Мазаччо (1401 – 1428), которого современники сравнивали с кометой, мелькнувшей на темном небе, на мгновение, озарив мир своим сиянием. Всего 27 лет прожил Мазаччо, успев за этот срок сделать решительный шаг в объединении фигуры и пейзажа, ввести воздушную перспективу, позволившую максимально приблизить изображение к жизни. В

В своем творчестве художник продолжил поиски обобщенного героического образа человека и способов правдивой передачи действительности.

Эти искания мастера отчетливо видны в его фресках капеллы Бранкаччи во Флоренции. В библейские сюжеты художник вводит элемент жанровости, правдиво изображает персонажей сцены, придавая естественность их движениям, жестам, мимике. Впервые в живописи Возрождения Мазаччо изображает обнаженные фигуры. Новаторское искусство флорентийского художника стало ступенью в дальнейшем развитии реалистической живописи.

В итальянской живописи к XV в. одной из самых знаменитых фигур был Сандро Ботичелли (1445 – 1510), - один из самых эмоциональных и лирических художников Возрождения. Для его искусства характерна поэтическая утонченность и аристократическая изысканность. Наиболее известные его картины "Весна"

(около 1485 г.), "Рождение Венеры" (около 1484 г., обе – Флоренция, галерея Уффици). Ботичелли был первым иллюстратором "Божественной комедии" Данте (1492 – 97).

ВЫСОКОЕ ВОЗРОЖДЕНИЕ

(1490-е – первая треть XVI в.)

Высочайший подъем культуры, который приходится на конец XV – начало XVI вв. происходил в Италии в сложной обстановке резкого политического и экономического ослабления итальянских государств. Вторжение французов, сопровождавшееся разрушениями, разгром Рима ослабили Италию, над которой нависла угроза иноземного порабощения.

Растет национальное самосознание народа, поднявшегося на защиту своих городов. Огромный общественный подъем послужил основой расцвета искусства Высокого Возрождения.

Меняется положение художника в обществе. Художники Высокого Возрождения, освободившиеся от рамок ремесленных цеховых устоев, - люди высокой культуры, творческие личности – заставили считаться со своими замыслами великих мира сего.

Архитектура. Традиции итальянской архитектуры Высокого Возрождения складываются в Риме. Идеи героизма и величия народа, отстаивающего свою независимость, воплощаются в сдержанных, монументальных формах сооружений с центрально – осевой симметричной композицией, с замкнутым всесторонне развитым пространством.

Основоположником нового направления в архитектуре был Донато д'Анжело Браманте (1444 – 1514). В своем творчестве зодчий перерабатывает античные традиции.

Будучи главным архитектором папы Юлия II, Браманте проводит реставрационные работы в Ватикане.

Главное творение архитектора – проект собора святого Петра в Риме (1506), мастер воплощает в этом проекте замысел идеального симметричного центрально-купольного здания, исполненного спокойного равновесия и величественной монументальности.

Живопись и скульптура. Истинным основоположником в изобразительном искусстве Высокого Возрождения был гениальный флорентинец Леонардо да Винчи (1452 – 1519)

Рукописи Леонардо свидетельствуют, что он был не только великим живописцем и скульптором, но и архитектором, механиком, инженером, ботаником, анатомом.

Будучи разносторонне одаренным человеком Леонардо да Винчи интересовался всем, что его окружало, записывая свои впечатления в блокнот, который всегда носил при себе. "Отдаваясь неугасаемой жажде знаний, я мечтаю постичь происхождение многочисленных созданий природы", - говорил он себе. Всю свою жизнь художник рассматривает мир со всем многообразием его форм, как творение природы, имеющее свой "собственный разум", призывая живописцев быть посредниками между природой и искусством. Искусство для Леонардо – один из двух путей познания мира, второй – наука. Увлечение наукой часто отвлекало художника от занятия, которому он все же отдавал предпочтение, - живописи. Уже в двадцатилетнем возрасте Леонардо да Винчи был признанным мастером. В 1480 г. он имел свою мастерскую и получал заказы.

В 1482 – 99 гг. Леонардо работает в Милане на службе у герцога Людовико Моро. Миланский период творчества художника стал самым плодотворным. К этому периоду относится произведения зрелого стиля - "Мадонна в гроте" и "Тайная вечерня".

"Мадонна в гроте" (1483 – 94 гг., Париж, Лувр) – первая монументальная алтарная композиция Высокого Возрождения. Одухотворенные, полные жизненной правды образы Девы Марии, младенцев Иоанна и Христа кажутся воплощением идеальных образов безмятежного счастья.

Персонажи другой евангелийской легенды, изображенные в монументальной росписи "Тайная вечерня" (1495 – 97, монастырь Санта Мария делла Грация, Милан) – переносят нас в мир реальных страстей и переживаний. Драматические события последней трапезы Христа в кругу своих единомышленников – апостолов предстают перед нами, словно сцена, выхваченная наблюдательным художником из реальной жизни, окружавшей его.

Около 1503 г. Леонардо пишет, наверное, самое известное свое произведение – портрет Моны Лизы дель Джокондо ("Джоконда", Париж, Лувр), ставшее одним из самых выдающихся шедевров мировой живописи.

Портрет прекрасной флорентийки в значительной степени воплощает нравственный и эстетический идеал эпохи Возрождения. В облике этой женщины предстает перед нами одухотворенное "лицо" эпохи, озаренное чувством собственного достоинства, богатством интеллекта, глубиной душевных переживаний. Лицо Моны Лизы отражает богатство оттенков ее духовной жизни. Улыбка слегка трогает губы женщины, но особенность этой улыбки в том, что она показана не как факт, а как процесс: еле заметное движение, приподнимающее уголки губ, меняющее мимику лица. Одухотворенному образу, созданному Леонардо, удивительно соответствует необыкновенно поэтический пейзаж, рассмотренный сверху, теряющийся в голубой дали. Пейзаж построен в соответствии с законом воздушной перспективы: по мере удаления очертания теряют четкость, как бы тают в сероватой дымке. Колористическая гамма картины естественна и ненавязчива. Краски чистые, нежные, спокойные, удивительно точно подобраны, гармонично сочетаются с фигурой женщины. Свежесть тонов, от зеленовато – голубых до красновато – коричневых, наводит на мысли о природе, омытой прохладным утренним дождем. Женщина, изображенная на портрете, является частью этой природы, что в полной мере соответствовало взглядом эпохи Возрождения: "Человек – часть природы". Необыкновенная гармония шедевра великого художника заставляет нас еще и еще рассматривать этот образ.

Множество научных трудов посвящено этому портрету, и все же история его до конца не разгадана. Прежде всего, остается загадкой, кто позировал художнику: была ли это молодая жена богатого флорентийского купца дель Джокондо или флорентийка, жившая по соседству с Леонардо, имя которой осталось неизвестно. Возможно, образ, который мы видим на портрете, - собирательный, идеальный образ молодой женщины той эпохи. Бесспорно лишь одно – для нас она навсегда останется "Джокондой", такое имя носит портрет уже не один век.

Младшим современникам Леонардо да Винчи был Рафаэль Санти (1483 – 1520), проживший короткую, но очень яркую жизнь, создавший свой идеал прекрасного на основе обобщенного опыта предшественников. Родился художник в семье скромного живописца в Урбино. К семнадцати годам Рафаэль в своих произведениях обнаруживает зрелое мастерство. Его ранняя работа "Мадонна Конестабиле" (1502 г., С. – Петербург, Эрмитаж) воспроизводит одухотворенный образ молодой матери, проникнутый нежным лиризмом.

Тему материнства художник развивает и дальше, работая во Флоренции. Появляются "Мадонна в зелени" (1505 г., Вена, Художественно – исторический музей); "Мадонна с щегленком" (Флоренция, Уфицци); "Прекрасная садовница" (1507, Париж, Лувр).

В 1508 г. Рафаэль получает приглашение в Рим, ко двору папы Юлия II. Художнику были заказаны росписи парадных залов, так называемых станц, Ватиканского дворца. В своих росписях Рафаэль объединяет персонажи "Священного писания" и героев языческой античной мифологии, что свидетельствует о примирении христиан с античной культурой и распространении светского начала в церковном искусстве.

Важное место в искусстве великого художника по-прежнему занимает образ мадонны, который приобретает черты большей монументальности и уверенности. Такова "Мадонна в кресле" (1516, Флоренция, галерея Питти).

Примерно в это же время Рафаэль создает свой прославленный шедевр "Сикстинскую Мадонну" (1515 – 1519 гг., Дрезден, Картинная галерея). Этот образ более глубокий, чем ранние мадонны. Занавеси открывают легко идущую Марию с младенцем на руках. Серьезный и тревожный взгляд матери говорит нам о том, что она уже знает, какие испытания выпадут на долю ее сына. Слева от мадонны изображен папа Сикст, созерцающий чудо, справа – святая Варвара, благоговейно потупившая взор. Два ангела, снизу взирающие на мадонну с младенцем, завершают композицию. Жизненная, правда и черты идеала сочетаются в светлом образе Сикстинской мадонны.

Рафаэль умер в 37 лет, успев снискать громкую славу у современников. Само имя его превратилось в нарицательное имя идеального художника.

Рядом с великими именами Леонардо да Винчи, Рафаэля стало привычным произносить еще одно имя – Микеланджело. Искусство Микеланджело Буонарроти (1475 – 1564), - современника Леонардо и Рафаэля, - стало кульминацией Высокого Возрождения.

Микеланджело был гениальным скульптором, живописцем, архитектором, инженером и поэтом, и одновременно активным борцом за распространение гуманистических идеалов, гражданином, с оружием в руках отстаивавшим свободу своей страны. Неукротимая энергия, сложный и противоречивый характер великого художника отразились в его произведениях. Свой пристальный взгляд художник сосредоточил на человеке энергичном, готовом к подвигу, страстном по характеру.

Микеланджело родился в Капрезе недалеко от Флоренции в семье градоправителя. В тринадцатилетнем возрасте он поступает в мастерскую художника Гирландайо учеником, а через год – художественную школу во Флоренции при монастыре Сан – Марко. Уже в ранних самостоятельных работах чувствуется тяготение художника к величественным монументальным образцам, полным героической энергии. На рельефе "битва кентавров" (начало 1490-х гг., Флоренция, Каза Буонапарти) в мощном порыве схватки сливаются могучие фигуры, объединенные единым энергическом движением.

В 1498 – 1501 гг. в соборе святого Петра в Риме Микеланджело создает мраморную группу "Пьета" ("Оплакивание Христа").

Прекрасное мраморное изваяние является свидетельством виртуозного мастерства 23-х летнего художника. Безмерное горе матери, оплакивающей сына, передано в классически ясных формах, поразительно тонко. Мария сидит на камне, на ее коленях безжизненное тело Иисуса. Трудно поверить, что бездушному камню можно было придать такие совершенные формы.

Вернувшись во Флоренцию в 1501 г. Микеланджело приступает к работе над статуей Давида – победителя Голиафа. В образе библейского героя воплощена идея гражданского подвига. Во всей фигуре ощущается внутренняя собранность, однако тело не напряжено, Давид стоит свободно и спокойно, что говорит о его огромной духовной силе.

В 1505 – 1512 гг. Микеланджело получает заказы от папы Юлия II. Среди них роспись потолка Сикстинской капеллы, ставшая одним из величайших творений итальянского искусства. Девять библейских сюжетов стали темами росписей громадного плафона (600 кв. м): "Отделение света от тьмы", "Сотворение Адама", "Грехопадение" и др. Композиция объединяет более трехсот фигур. Это произведение стало гимном красоте и разуму человека.

Последние годы жизни Микеланджело проводит в Риме. Для работ этого периода свойственна тревожная, драматическая напряженность. Огромная фреска "Страшный суд" (1535 – 1541, Сикстинская капелла) трактована как грандиозная космическая катастрофа.

К последним годам жизни относится создание величайшего из архитектурных творений Микеланджело – собор святого Петра, воплощение мощи католицизма и власти папы.

В мощном монументальном облике собора ощущается напряженность, борьба архитектурных форм, предвосхищающие особенности зодчества эпохи барокко.

ПОЗДНЕЕ ВОЗРОЖДЕНИЕ (вторая половина XVI в.)

Для искусства этого периода в целом характерны сложное восприятие мира, утрата идеалов гармонии мироздания, приходит ощущение того, что человек не всесилен, зависим от обстоятельств и окружающей действительности, часто одинок.

Однако идеалы гуманизма продолжают жить в творчестве таких художников, как

Джорджоне (Джорджо Барбарелли да Кастельфранко, 1477-1510) - автор великолепных картин " Гроза", "Спящая Венера" где пейзаж, природа и прекрасное нагое человеческое тело стали для него предметом искусства и объектом поклонения. " Юдифь" (Эрмитаж, С.-Петербург) образ в котором сочетаются мужественная величавость и тонкая поэтичность.

Тициан Вечелли (1477-1576) - величайший художник Возрождения. Он создал произведения на мифологические, библейские сюжеты, работал в жанре портрета, его колористическое дарование исключительно, композиционная изобретательность неисчерпаема, а его счастливое долголетие позволило ему оставить после себя богатейшее творческое наследие, оказавшее огромное влияние на потомков. "Венера Урбинская" композиция близка джорджоновской "Спящей Венере", но введена бытовая сцена в интерьере вместо пейзажа, собачка в ногах – детали, которые предают ощущение реальной жизни на земле, а не на Олимпе. Картины "Святой Себастьян", "Кающаяся Мария Магдалина" проникнуты трагическим мироощущением, обращены к христианским темам мученичества, страдания. Тициан умер в преклонном возрасте, прожив почти столетие, огромное влияние Тициана сказалось на живописи следующего столетия, его испытали Рубенс и Веласкес.

Черты надвигающейся новой эпохи в искусстве видны на примере творчества двух крупнейших художников - Паоло Веронезе и Тинторетто.

Веронезе (Паоло Кальяри, 1528 – 1588) – автора великолепных по размеру росписей и алтарных картин. В его произведениях будто оживает праздничная, привыкшая к роскоши аристократическая Венеция. При всей жизненности композиций Веронезе, их отличают некоторая театральность, излишняя декоративность, лишающие образы монументальной мощи, духовного величия, многогранности, которые были присущи работам великих мастеров Высокого Возрождения.

Еще явственнее черты кризиса идеалов Ренессанса проступают в творчестве последнего великого художника эпохи Возрождения – Тинторетто (Якопо Робусти, 1518 – 1594). Он отступает от традиционного воспроизведения библейских сюжетов, обострив психологизм и жанровую выразительность. Искусство Тинторетто динамично, полно страсти, эмоционально. Художник тяготеет к изображению фигур в необычных ракурсах, прибегая к резкому освещению форм. Повышенная эмоциональность чувствуется в росписях архитектурного ансамбля Скуола ди Сан – Рокко, среди них "Распятие" (1565 – 1588 гг.) – многофигурная композиция, изображающая людей, испытывающих различные чувства от скорби до торжества.

Драматическое полное эмоциональной силы искусство Тинторетто не только завершает эпоху Возрождения, но и предвосхищает барокко XVII в.

ЛЕКЦИЯ 14

НИДЕРЛАНДЫ

Подъем искусства в ряде европейских стран, расположенных севернее Италии, принято называть Северным Возрождением. Прежде всего, это понятие относится к искусству Нидерландов и Германии.

Ренессансное искусство этих стран специфично: заметно меньшее влияние античной традиции. До конца XIV в. нидерландское искусство развивалось под воздействием религиозной культуры готической Франции. Лишь в конце XIV в. намечается тенденция к самостоятельному развитию. В XV – XVI вв. расцветает культура сходная с итальянским Ренессансом, однако более демократичная, опирающаяся в значительной мере на фольклор. В своеобразном глубоко национальном искусстве Нидерландов сильны черты народной сказки, сатиры, гротеска. Нидерландские мастера опирались в своем творчестве на национальные готические традиции, которые переосмысливали, усложняя индивидуальные особенности образов. В живописи станковая картина отделяется от иконописи. Развиваются портрет, пейзаж, бытовой жанр, особенно любимый нидерландскими художниками.

Основоположниками реализма в Нидерландах стали братья Губерт и Ян ван Эйки. Точную дату рождения Губерта мы не знаем, известен год смерти художника – 1426. Младший из братьев Ян (около 1390 – 1441) был новатором в живописи; смело, преодолевая готическую условность и скованность в своем творчестве, художник цель своей деятельности в искусстве видит в изучении и отображении жизни во всем многообразии отдельных ее проявлений.

Одно из самых замечательных произведений Северного Возрождения – Гентский алтарь – (1426 – 1432, Гент, церковь святого Бавона) было создано Яном ван Эйком возможно совместно с Губертом и закончено Яном самостоятельно после смерти брата. Гентский алтарь – большой многоярусный складень (картина из нескольких складывающихся частей) – ряды картин в нем объединены общей идеей. В работе над алтарем ван Эйк использует библейские сюжеты, но старается трактовать их в живых образах, наделенных плотью и кровью. Однако в Гентском алтаре еще ощутимы готические традиции.

Центральная композиция - "Поклонение агнцу". Приносимый в жертву агнец (ягненок) был символом жертвы Иисуса, отдавшего свою жизнь во имя спасения смертных. Многофигурная композиция решена как жанровая сцена в пейзаже. Некоторые лица из толпы наделены яркой портретной характеристикой. Всадники, пешеходы, среди которых пророки и отшельники, все в едином движении устремились к лугу, символизирующему страну блаженства. Гентский алтарь поражает совершенством живописной техники, ликующим многоцветием красок, с помощью которого мастер воплощает идею красоты и многообразия мира.

В зрелом возрасте Ян ван Эйк создает замечательные портреты: кардинала Альбергати (около 1431 г., Вена, Историко-художественный музей); "Тимофея" (1432 г., Лондон, Национальная галерея); ученого, философа – гуманиста "Человека в красном тюрбане" (1433 г., Лондон, Национальная галерея). В своем творчестве художник утверждает самоценность портрета конкретного человека, раскрывающего неповторимое своеобразие личности изображенного.

Парный портрет молодой четы Арнольфини (1434 г., Лондон, Национальная галерея) ван Эйк решает на фоне обычных, повседневных вещей, напоминая нам о склонности нидерландцев к любовному изображению деталей. Следуя готической традиции, художник наделяет обычные предметы таинственным значением: горящая свеча – символ свадебного обряда, домашние туфли символизируют семейные отношения, собачка – верность, четки – благочестие и так далее. В работах ван Эйка больше интуиции, чем знания, большие чувства, чем рассудочности, но его завоевания в живописи стали откровением не только для Северной Европы, но и для художников итальянского Возрождения.

Отдельные художественные задачи, решенные Яном ван Эйком продолжают разрабатывать нидерландские художники XVI в. К середине XVI в. меняется характер религиозной живописи, активно разрабатываются темы, посвященные жизни низшего сословия, прежде вызывавшие протест со стороны церкви. В росписях, на полотне появляются фигуры крестьян, бродяг, нищих. Развивается бытовой жанр со свойственными ему фольклорными мотивами.

Иероним Босх (1450-1516), создатель мрачных мистических видений, в которых он обращается и к средневековому аллегоризму, и к живой конкретной действительности. Демонология уживается у Босха со здоровым народным юмором "Корабль дураков", "Сад наслаждений". Фантазия художника творит существа из соединения разных животных форм и предметов неорганического мира, и при всем этом сохраняется острое чувство реальности, пронизанное трагическим мироощущением, предчувствием каких-то вселенских катастроф.

Тематику жанровой живописи расширил в своем творчестве Питер Брейгель Старший (около 1525/30 – 1569), прозванный мужицким. Брейгель работает в стиле так называемого "гротескного реализма". Яркий своеобразный художник, он проявляет себя новатором пейзажной живописи. Обращаясь к народным пословицам, живописец создает сатирические произведения, воплощая отвратительные ему качества – скупость, самодовольство, ограниченность, трусость – в образах живых людей. ("Пословицы", 1559, Берлин, Картинная галерея Государственного музея). В этих работах Брейгель обнаружил тяготение к изображению уродливого, бессмысленного, того, что слишком часто попадалось на глаза, проникая в душу художника. Люди казались ему жертвами собственных пороков и суетных страстей. Годы творческой зрелости Брейгеля совпадают с тревожным временем нарастания революционной ситуации. Преодолевая скептическое отношение к миру, художник сосредоточил свое внимание на изображении повседневной жизни крестьянства, органически связанной с природой. Упрощенные массивные фигуры, тяжелые и неповоротливые, грубые одежды, одутловатые бессмысленные лица приобретают в работах Брейгеля черты гротеска.

В живописном цикле "Времена года" ("Месяцы", 1565 г.) смену времен года символизирует крестьянский труд. Сколько всего было картин в цикле, точно не известно. Предполагают, что их было шесть: недошедшая до нас композиция, изображавшая март и апрель; "Сенокос" – май, июнь; "Жатва" – июль, август; "Возвращение стад" – сентябрь, октябрь; "Охотники на снегу" – ноябрь, декабрь и "Сумрачный день" – январь, февраль.

В этих произведениях Брейгель проявил себя как виртуозный живописец. Тонко чувствуя поэзию сельской природы, он подмечает все ее состояния от бурного проявления жизни в месяцы пробуждения до веющего холодом зимнего покоя. В области пейзажа Питер Брейгель Старший опережает свое время, преодолевая аллегорически – абстрактное в изображении природы, обрушивая на зрителя весь спектр жизненных проявлений окружающего мира.

Творчество П. Брейгеля – наивысшее проявление нидерландского Ренессанса. Именно его гений поднял живопись Нидерландов на недосягаемую высоту.

ЛЕКЦИЯ 15

ГЕРМАНИЯ

К концу XV – началу XVI вв. искусство Возрождения развивалось и в Германии. Богатый опыт итальянского искусства стал тем фундаментом, на котором начинает развиваться ренессансная культура Германии, по своему содержанию более близкая нидерландской.

Наиболее значительные достижения здесь связаны с портретом. В это время в Германии творили такие проставленные мастера как Альбрехт Дюрер, Матис Натхардт, Лукас Кранах Старший, Ганс Гольбейн Младший.

Эпоха Возрождения в Германии совпадает с тревожным временем борьбы буржуазии и крестьянства с феодализмом, который приобретает характер затяжного всеобщего кризиса, что не могло не отразиться в искусстве.

Содержание грозной, трагической эпохи нашло свое отражение в творчестве Альбрехта Дюрера (1471 – 1528), великого художника – философа немецкого ренессанса.

В своем творчестве художник обобщает реалистические поиски предшественников. Чувствуя несовершенство действительности, несоответствие ее идеалом Возрождения Дюрер создал глубоко национальные типические образы своего времени. Он писал портреты, развивал пейзаж, вкладывал новое содержание в традиционные библейские и евангелийские сюжеты.

Дюрер был прекрасным гравером. Он расширяет тематику гравюры, обогащая ее бытовыми сюжетами. Высшее творческое достижение раннего Дюрера – серия гравюр на дереве на тему Апокалипсиса (1498 г.). Многосложность, запутанность композиций, динамизм ритмов созвучны мистификациям Апокалипсиса.

В 1500 г. в творчестве Дюрера произошел перелом. Усилилась роль спокойного повествования, мягким лиризмом отмечены образы (цикл "Жизнь Марии")

В эти годы появляется гравюра на меди "Адам и Ева", в которой художник пытается воплотить идеал классический красоты (1504). С оглядкой на классический идеал выполнен и автопортрет Дюрера (1500 г., Мюнхен, Старая пинакотека). Заметное место в творчестве художника занимает портрет ("Женский портрет", 1506, "Портрет матери", Берлин, Государственный музей).

Творчество Дюрера определило ведущее направление немецкого ренессансного искусства, оказавшего влияние не только на художников Германии, но и на художественную культуру Италии и Франции.

Трагические события Крестьянской войны, наступление феодальной реакции положили конец эпохи Возрождения в Германии. Вторая половина XVI в. для немецкого искусства становится периодом длительного застоя.