Преподнесение теоретического материала на уроках фортепиано и хора

МИНИСТЕРСТВО КУЛЬТУРЫ РОССИЙСКОЙ ФЕДЕРАЦИИ

МУНИЦИПАЛЬНОЕ БЮДЖЕТНОЕ УЧРЕЖДЕНИЕ ДОПОЛНИТЕЛЬНОГО ОБРАЗОВАНИЯ

«ДЕТСКАЯ МУЗЫКАЛЬНАЯ ШКОЛА №2 им. Е.Ф.СВЕТЛАНОВА»

г. НОВОСИБИРСК

Методическая разработка на тему:

«Преподнесение теоретических знаний на уроках фортепиано и хора в ДМШ»

Подготовила:

Преподаватель

по классу фортепиано

Орлова О.В.

г.Новосибирск 2020г.

«Преподнесение теоретических знаний на

уроках специального фортепиано и общего хора»

Цель:

Достижение лучших результатов по обучению игре на инструменте и уроках хора, расширению кругозора учащихся, обогащение их музыкального мышления, более прочное закрепление полученных на уроках методики музыкального воспитания знаний в области теории музыки, гармонии, анализа музыкальных форм.

Задачи:

*Обобщать знания по музыкальной грамоте;

*Понимать значения основных элементов музыкального языка;

*Осуществлять практические задания по основным темам учебного предмета;

*Систематизировать полученные сведения для элементарного анализа нотного текста с объяснением роли выразительных средств;

*Развивать и формировать музыкальное мышление.

Обучая учащихся игре на фортепиано, никак нельзя на уроках музыки обойти некоторые сведения по элементарной теории музыки, т.е. практически невозможно играть то, в чем мало разбираешься.

Осознанное восприятие музыки, а отсюда, грамотное исполнение музыкальных произведений — есть необходимое условие при обучении игре на инструменте.

Учащиеся ДМШ знакомятся с основами музыкальной грамоты и элементарной теории музыки на уроках сольфеджио, а на уроках индивидуального обучения музыке применяют эти знания. И, задача учителя, обязательно закреплять полученные эти знания с учащимися в процессе освоения музыкального инструмента.

Элементарная теория музыки включает в себя следующие основные разделы:

-Звук, его свойства (высота, длительность, сила, тембр)

-Метро-ритм Интервалы, аккорды Лад (тональность, гаммы)

-Мелодика

Приступая к обучению игре на фортепиано, мы на первых этапах работы идем по 2-м направлениям:

1. работа над двигательным аппаратом (рукой, кистью, пальцами)

2. ознакомление с элементами теории музыки (в первую очередь с такими понятиями как „нота’’, „нотоносец’’, „ключ’’, „пауза’’).

Игру по нотам следует начинать тогда, когда учащийся, во-первых, свободно ориентируется по клавиатуре, во-вторых, достаточно хорошо ознакомлен с нотоносцем, записью звуков и пауз на нотной бумаге, хорошо выучил ноты скрипичного и басового ключей. Это — важная предпосылка к тому, чтобы учащийся в дальнейшем мог играть, не глядя на клавиатуру, смотря в нотный текст, а не на свои руки. Когда взрослого человека или ребенка, который никогда не занимался музыкой, начинают обучать нотам, обыкновенно эти занятия соединяют с тем, что его учат не только называть ноты и знать, где они располагаются, как пишутся, но и пытаются сразу учить играть. Это ошибка. Обучая начинающего ученика нотам, ни в коем случае нельзя заставлять его сразу играть по ним

Свои первые уроки с учащимися я начинаю с выяснения наличия у них знаний по музыкальной грамоте. (вопросы — что такое нота? что она обозначает? где и как записывается?..). После выяснения даю первоначальные знания по муз.грамоте, подтверждая примерами из нотных текстов. На первых уроках большое внимание уделяю устному прочитыванию нот с листа с их названием. С этой целью учащийся карандашом показывает соответствующую ноту и вслух называет ее. Сначала это показывается одним карандашом, одной рукой, а затем обеими руками (двумя карандашами). Каждая рука соответствует своей нотной строчке : правая показывает ноты верхней строчке, а левая — нижней. Ноты читаем снизу-вверх.

Затем перехожу к знаниям непосредственно уже по элементарной теории музыки (вопросы — что такое ключ? что он обозначает? какие вы знаете ключи? как они записываются? что такое звук? какие бывают звуки? чем определяется высота звука?...). Таким образом закрепляется понятие такого качества звука, как высота. Затем перехожу к объяснению следующего свойства — длительность. Даю принцип деления длительности целой на половинные, четвертные, восьмые, шестнадцатые. Все это находим в нотах. Понятие громкость, сила звука, динамика даю несколько позже, когда учащаяся уже вплотную приступит непосредственно к игре на инструменте. Только затем перехожу к ритму и делаю этот переход именно от длительности, от понятия долгих и коротких звуков. Вот здесь важный раздел в работе с начинающими.

Известно, что ритм — одно из важнейших выразительных элементов музыкальной речи. Часто учащиеся не могут в музыкальных пьесах создать образ именно из-за недостаточной ритмической тонкости исполнения.

(Например, в пьесе П.Чайковского „Болезнь куклы⁴' не выдерживается пауза в правой руке, не досчитывается счет „и" на четвертных нотах).

Ритм тесно связан с метром. И это важно в работе над пьесами, связанными с движением (марши, пляски, игры), где роль ритма при выявлении метрического начала становится особенно значительной. Надо уметь выделять сильную долю в такте. Для этого очень хорошо использовать прием: тактирование.

Ритмическое воспитание следует основывать на передаче ритма музыки в простых, доступных движениях: хлопки, приседания, ходьба, отстукивание, дирижирование.

Ритмическое воспитание целесообразно начинать не с деталей, а с восприятия целостного музыкального произведения и, прежде всего, с темпа, как важного жанрового признака. Чувство темпа — есть не что иное, как чувство скорости чередования метрических пульсаций данной музыки. Хорошим приемом воспитания устойчивости темпа является просчитывание нескольких пустых тактов перед началом игры, а иногда и посреди игры, для чего делают искусственные остановки. Надо приучать учащихся время от времени сравнивать темп с первоначальным.

Вслед за темпом учащиеся знакомятся с размером и фразировкой. Для маршей и танцевальной музыки фразировка отступает на второй план, на первом же — ритмические акценты. А для песен, наоборот, на втором плане метрические акценты. Поэтому следует обращать внимание учащихся в маршах и танцах на чередование сильных и слабых долей в 2-х дольных и 3-х дольных тактах. А при разучивании песен добиваться, чтобы чувствовали смысловое расчленение мелодии на фразы. Мы учим учащихся шагать под маршевую музыку четко в темпе, передавая в своих движениях настроение музыки. Надо, чтобы с самого начала учащиеся приучались ощущать размер пьесы, значение сильных долей, часто несущих функцию кульминаций внутри фраз.

Чувство ритма — сложное явление, комплексно включающее в себя восприятие, понимание, исполнение, созидание ритмической стороны музыкальных образов. Зрительные образы углубляют и облегчают восприятие музыкального ритма, поэтому показываем ученику, как учитель исполняет, рисуем наглядные пособия: схемы, плакаты, да и сами ноты являются наглядным материалом.

Чувство ритма — это:

а) чувство метрических пульсаций (сильные доли),

б) чувство временных протяженностей (соразмеренность разных длительностей),

в) чувство формы произведения (мотивы, фразы, периоды),

г) чувство „агогики“ (цезуры, ускорение, замедление).

Общеизвестным методом воспитания ритмического чувства, элементарной устойчивости ритма является счет вслух, который следует применять в случае надобности на всех ступенях развития музыкальных умений учащихся и который, естественно, отпадает по мере необходимости. Счет вслух — особая сторона в работе над ритмом. Надо считать или нет? Существует много различных мнений: одни говорят, что надо считать во время игры постоянно, от начала до конца, другие склонны к мнению, что не надо считать, т.к у ученика должно воспитываться чувство внутреннего ощущения ритма. Третьи — мол, считать должен педагог, а ученику счет мешает во время игры. Четвертые придерживаются иного: считать до тех пор, пока ученик, играя, анализирует произведение, а как только начинается исполнение, счета вслух не должно быть. Все-таки вернее будет следующее: счет вслух полезен тогда, когда ученику легко с ним работать. Особенно счет полезен в ансамбле.

Приемы работы:

ученик может считать, когда играет отдельной рукой, когда играет педагог, а ученик считает или дирижирует. Хорошо пропевать мелодию с одновременным дирижированием (можно с карандашом), полезно разнообразить счет: либо измельчать, особенно в медленных произведениях (например, „Первоцвет^ Гречанинова), либо укрупнять — в более быстрых (например, „Этюд“Мошковского)

Счет вслух и про себя,счет с буквой „и“ и без „и“-эти приемы приносят пользу, но нельзя ими злоупотреблять. Счет можно прекратить совсем или отказаться от буквы „и“, когда будут усвоены ритмические те или иные трудности. Но необходимо запомнить, что считать (если звучит счет вслух) надо внятно, отчетливо и обязательно напевно. Во время счета ногой не стучать, т. к. в дальнейшем могут возникнуть трудности с педализацией. Свои первые уроки по ритму я начинаю еще до ознакомления учащихся с клавиатурой: с устного счета. Именно тогда, когда они только-только усвоили длительность. Начинаю с ознакомления размера, подробно разбираю все, что касается размера : почему введен размер, где и как записывается, какие бывают размеры, что означают верхние и нижние цифры, что такое такт, размер и т.д.

Когда теоретический материал разобран и подкреплен примерами из музыкальной литературы, тогда учащиеся приступают непосредственно к устному счету по тексту. Вновь берутся два карандаша, каждая рука показывает свою строчку и просчитывается текст обеими руками сразу по вертикали (работа за столом). Только тогда, когда учащиеся освоили устный счет нотного текста, я приступаю к ознакомлению с клавиатурой, к первоначальной игре на инструменте.

Позже, когда учащиеся овладели определенными навыками игры на фортепиано, работа над ритмом приобретает более углубленный характер. Даются знания по группировке длительностей, по более сложным ритмическим рисункам. Наиболее трудные в ритмическом отношении места разбираются отдельно: какие ритмические фигуры встречаются в данном примере, одинаковые ли они, что такое нота с точкой, какой характер придает музыке пунктирный ритм, связан ли ритм и как с другими средствами музыкальной выразительности и т. д.

И здесь используются самые различные приемы: вопросы, объяснение, показ, тактирование, прохлопывание , дирижирование, дробление крупных долей, простукивание, напеванис мелодии, счет вслух нараспев, ходьба под музыку (каждый шаг — это четверть), графическое изображение на бумаге, доске всех ритмических рисунков, проигрывание их на инструменте на одной клавише и на различных , всевозможные вспомогательные упражнения.

В работе над темпом использую такие приемы как игра по фразам в разных темпах и игра в очень медленном темпе. Игра в разных темпах активизирует внимание, тренирует ритмическую выдержку и управляемость игры, а игра в медленном темпе помогает замечать всякого рода неточности и дает возможность лучше контролировать качество звучания. Если ученик не может сыграть пьесу в медленном темпе, значит он ее не знает.

В практике очень важно, чтобы теме ЛАД предшествовала тема о метре и ритме. При работе над мелодией необходимо обратить внимание на ладотональные тяготения, необходимо различать смысл опорных звуков, вводных тонов, альтераций. Тему „Лад“ надо начинать с того, что в мелодии есть устойчивые и не устойчивые звуки, что остановиться на неустойчивом звуке — это равно как не договорить слово и что неустойчивые звуки всегда тяготеют к устойчивым.

Ладо-тональность лучше осознать предварительным просматриванием нотного текста перед разучиванием. Прием работы: определить тональность (по начальному басу и конечному звуку в мелодии, по ключевым знакам) и предложить сыграть гамму данной тональности. Учащиеся должны хорошо слышать и различать мажор - минор. Прием: слушание музыки в разных ладах, определение характера исполняемых педагогом произведений. Учащихся с достаточно развитым ладо-тональным мышлением можно знакомить и с образцами атональной музыки.Гаммы принято изучать по кварто-квинтовому кругу. Это обеспечивает учащимся теоретическое осмысливание таких понятий, как «тональность», «параллельные гаммы», «родственные тональности».

О гармонии надо говорить с точки зрения неустойчивости (диссонансы) и покоя (консонансы). Можно говорить о простейших функциях Тоники, Субдоминанты, Доминанты и их последованиях (ТDТ, ТSТ), о протяженности их во времени, о большой напряженности звучностей доминантового наклонения и их разрешения в 1-ю ступень (ТSDТ). Важно, чтобы учащиеся в каждом произведении вслушивались в отдельные гармонии и их сочетания, стремились понять выразительный смысл гармонического развития.В процессе работы надо сообщать сведения о строении аккордов, их функциональной зависимости (конечно, в общих чертах). Это приводит к осмысленному восприятию гармонического языка и выразительных средств музыкального произведения.

Свою работу по разделу «Аккорды» я провожу с учащимися путем разбора созвучий по вертикали. Например, ученик ошибся, а понять где не может, т.е. берет в мелодии основной звук, а в басу в это время ошибочно вместо аккордового звука звучит не аккордовый. В таких случаях сразу обращаю внимание на строение аккорда (интервала), на его ступеневой состав, на его функциональную принадлежность, на его метрическое расположение в такте. Когда учащийся попадает не на ту клавишу, надо не просто указать ему на ошибку, а заставить самого найти эту ошибку: прислушаться к звучанию, сравнить высоту звуков в обеих руках, выяснить их идентичность, сделать простейший гармонический анализ, разобрать аккордовую основу мелодики. Надо не только разобрать структуру того или иного созвучия, а воспитывать слуховое ощущение этих созвучий, (например, при разборе произведения указать ученику: здесь данную терцию сыграть мягче, она в этом месте должна звучать нежно, приятно. А на этой секунде свое внимание не заострять, она сама по себе резковатая по звучанию и выделять ее в этом такте не стоит.)

Знания в области теории музыки, гармонии и полифонии помогают разбирать нотный текст более грамотно. Необходимо с первых уроков приучать учащихся к тщательному исполнению точных указаний в тексте. (Например, в пьесе «Первоцвет» Гречанинова, используя динамику, важно учесть соотношение долгих и коротких звуков: первый звук ярче, а второй — на его фоне тише. Надо уметь извлекать звук в самых различных силовых (динамических) уровнях: f, р, mf, сгеsсhеndо, diminuendo, sf, владеть плавной нюансировкой, уметь делать метрические акценты разной силы, уметь оформлять смысловые центры (кульминации) и мягкие окончания фраз. К работе над полифонией надо приступать с первых месяцев обучения на простейших примерах. Перед начинающими часто возникает труднейшая задача - одновременное проведение нескольких голосов и сочетание их в единое целое. Начинать работу над полифонией надо с двухголосных пьес. Пример: «Пастухи играют на свирели» Сорокина. Подголосочная полифония этой пьесы становится доступной, если разобрать программное содержание ее: учащаяся легко представит себе здесь два плана - игру взрослого пастуха и маленького пастушка- подпаска, подыгрывающего на своей дудочке.

Педагогу надо стараться чаще апеллировать на уроках терминами из теории музыки, чтобы такие слова как тоника, доминанта, ступень, лад, интервалы, мажор, минор, тональность, динамика и др. были учащимся близкими понятными и знакомыми. В старших классах можно пользоваться терминами контрапункт, подвижной голос, аккордовые функции, полифоничность (особенно при обучении самостоятельного подбора аккомпанемента к мелодии).

Педагог должен уметь говорить о музыке увлекательно, образно, поэтично и трудные теоретические правила преподносить в доступной, понятной форме, с учетом уровня знаний, интересов учащихся, индивидуальных особенностей и характера их. Желательно своим объяснением вызвать у учащихся художественную фантазию — это тоже будет способствовать нужной выразительности и точности ритмического исполнения музыкального произведения.

Преподнесение учащимся знаний по всем разделам элементарной теории музыки должно быть подчинено одной основной цели — воспитание и развитие музыкального слуха (мелодического, гармонического, ладового), как основе всех музыкальных представлений и восприятия (способность различать и определять функциональность звуков, степень их тяготения друг к другу, способность восприятия, узнавания и воспроизведения мелодии, аккордовых созвучий).

Основными элементами музыкального слуха являются: ладовое чувство, музыкально-слуховые представления, музыкально-ритмические чувства -все они тесно взаимосвязаны и независимо друг от друга не существуют.

Музыкальный слух развивается в процессе музыкального воспитания и обучения. Какими же способами (приемы, методы) мы воспитываем музыкальный слух на уроках фортепиано? Это — прежде всего игра на инструменте (фактурное разнообразие изложения музыкального материала), хор (пение по нотам), воспитание слуховой памяти, чистоты интонирования, чувство высоты звука чтение нот с листа - развитие музыкального мышления, устное чтение музыкальных текстов без помощи инструмента, подбор мелодии (аккомпанемента) по слуху, игра и пение в ансамбле.

Для музыкального слуха важно систематическое повторение в течение длительного времени одного и того же музыкального материала, особенно, если таким материалом являются всевозможные упражнения (на виды техники, на развитие руки, пальцев, на постановку голоса, на звукоизвлечение). Ярким примером могут служить гаммы, аккорды, арпеджио,вокализы

Педагоги, использующие теоретические знания на уроках по фортепиано, достигают лучших результатов по обучению игре на инструменте, способствуют расширению кругозора учащихся, обогащению их музыкального мышления, более прочному закреплению полученных на уроках методики музыкального воспитания знаний в области теории музыки, гармонии, анализа музыкальных форм. В этом огромное значение привносимых на уроках фортепиано теоретических знаний.