Навчальний посібник "Основи живопису"

Навчально-методичний посібник узагальнює досвід викладання живопису в державному професійно-технічному навчальному закладі за новими програмами. Методичні рекомендації також враховують зміни, що відбулися у викладанні предмету «живопис» у відповідних навчальних закладах, специфіку фахової підготовки учнів з мистецького напрямку.

У посібнику подані інформаційно-методичні матеріали до теми «Загальні відомості про живопис». Описуються матеріали та приладдя для живопису, розкриваються методи та техніки візуалізації форми в живопису, розглядаються особливості живописної композиції.

В другій частині посібника надаються практичні поради щодо вибору матеріалів для роботи в різних техніках живопису.

Для учнів та педагогічних працівників професійно-технічних навчальних закладів

ВСТУП

Щоб збагнути характер народу, слід пізнати його історію, матеріальні та духовні скарби, які постали внаслідок творчої діяльності. Проте між матеріальними й духовними проявами культури немає чіткої межі. Якщо народ має високорозвинену літературну мову, то це означає, що він зумів подолати неминучу в історії кожної нації економічну і політичну роз’єднаність. Якщо народ прагне пізнати сутність людського буття, то це так чи інакше знаходить відбиток в архітектурі, живопису, в різних видах декоративного мистецтва. Мистецтво відображає не окремі сторони дійсності, а життя в цілому, не окремі сторони людської особистості, а людину як цілісність. І таке відтворення життя в мистецтві допомагає його розумінню, сприяє встановленню тих людських контактів, без яких неможлива нормальна життєдіяльність.

У мистецтва багато призначень: дати людині знання, навчити правильно оцінювати те, що відтворено в художньому творі, а через це – правильно оцінити саме життя. Мистецтво активізує творчі сили людини, виховує його ідейно, сприяє формуванню активної життєвої позиції, дає відпочинок, виховує морально, розвиває розум і почуття людини, здатність до співпереживання.

Багатогранність відображення мистецтвом дійсності – одна з причин, що пояснює потребу в мистецтві у людей, які намагаються розібратися в самому житті. Саме це багатогранне відображення дійсності робить мистецтво важливим фактором пізнання людиною світу. Мистецтво розкриває людині істини більш глибокі, ніж його повсякденна життєва практика. Воно може піднімати і розвивати людину, знаходити в ній творчі сили, можливості, енергію, спонукати людину протистояти злу і творити прекрасне.

Виховна сила мистецтва полягає в тому, що воно говорить з людиною про вічні духовні цінності завжди новою мовою. Мистецтво прислухається і придивляється до кожного відчуття, розкрити таємницю краси, дає можливість більш глибоко проникнути в людську душу.

„У самому слові „живопис” закладено правдивий зміст, який вичерпно визначає справжнє призначення цього слова. Живописати – оспівувати живе, одвічне, прекрасне.”

М. Сар’ян.

З давніх часів у людини виникали бажання зображувати за допомогою символів і кольору те, що його цікавило і впливало на його почуття. Перші твори знайдені в печерах Франції, Іспанії, африканських країнах, відносяться до палеоліту, але про техніку живопису ми можемо говорити починаючи з стародавнього Єгипту, стародавньої Греції і Риму. Живопис заявляє про себе вже в цей історичний період, з’являються, хоч і мало, перші майстри. Вони об’єднані в певні касти, що керуються певними правилами, які передають з покоління в покоління.

Живопис (від рос. Жваво і писати) - вид образотворчого мистецтва, що полягає у створенні картин, мальовничих полотен, що найбільш повно відображають дійсність.

Твір мистецтва, виконаний фарбами (олійними, темперними, акварельними, гуашевими та ін), нанесеними на будь-яку тверду поверхню, називається живописом.

Живопис, як і всі інші види мистецтва, має особливу художню мову, засобами якої митець передає своє ідеї і почуття, що відображають дійсність. В живопису точне зображення дійсності реалізується через художній образ, лінію і колір. Незважаючи на всю свою технічну досконалість, живопис не є художнім твором, якщо не викликає переживання, емоції глядача. При абсолютно точному виконанні художник не має можливості проявити своє ставлення до зображення, якщо він ставить собі мету передати лише схожість.

Головний виразний засіб живопису - колір, його здатність викликати різні почуття, асоціації, підсилює емоційність зображення. Необхідний для живопису колір художник зазвичай складає на палітрі, а потім перетворює фарбу в колір на площині картини, створюючи колірний порядок - колорит. За характером колірних поєднань він може бути теплим і холодним, веселим і сумним, спокійним і напруженим, світлим і темним.

Образи живопису дуже наочні й переконливі. Живопис здатен передавати на площині об'єм і простір, природу, розкривати складний світ людських почуттів і характерів, втілювати загальнолюдські ідеї, події з історичного минулого, міфологічні образи, політ фантазії.

На відміну від живопису як самостійного виду образотворчого мистецтва, мальовничий підхід (спосіб) може використовуватися і в інших його видах: у малюнку, графіці і навіть у скульптурі. Сутність мальовничого підходу полягає в зображенні об'єкта у взаємозв'язку з навколишнім просторовим світлоповітряним середовищем, у тонкій градації тональних переходів. .

Живопис може бути одношаровим, виконаним за один раз, і багатошаровим, що включає підмальовування і лесування. Цим досягаються найтонші нюанси і відтінки кольору.

Важливими засобами художньої виразності в живопису крім кольору (колориту) є плями і характер мазка, обробка барвистої поверхні (фактура), вальори, що показують найменші зміни тону залежно від освітлення, рефлекси, що з'являються від взаємодії кольорів, що лежать поруч, тощо.

Побудова об'єму та простору в живопису пов'язана з лінійною і повітряною перспективою, просторовими властивостями теплих і холодних кольорів, світлотіньовим моделюванням форми, передачею загального колірного тону полотна. Для створення картини, крім кольору, необхідні гарний рисунок і виразна композиція. Художник, як правило, починає роботу над полотном з пошуку найбільш вдалого рішення в ескізах. Потім у численних мальовничих етюдах з натури він опрацьовує необхідні елементи композиції. Робота над картиною може починатися з виконання малюнка композиції пензлем, підмальовка і безпосередньо написання полотна тими чи іншими мальовничими засобами. Причому навіть підготовчі ескізи та етюди часом мають самостійне художнє значення, особливо якщо належать пензлю відомого живописця.

Живопис дуже давнє мистецтво, що пройшло на протязі багатьох століть еволюцію від наскальних розписів палеоліту до новітніх течій живопису XXІ ст. Живопис володіє широким колом можливостей для втілення задуму від реалізму до абстракціонізму. Величезні духовні скарби накопичені в ході його розвитку.

Витоки мистецтва живопису сягають у глибину століть – у доісторичний період людської цивілізації. Вони пов'язані з так званим печерним розписом, зразки якого було знайдено у печерах Ласко та Кастільо (Франція), а також з кольоровими зображеннями тварин на скелях Скандинавії, плато Тассилі (Африка}, капової печери (Урал}. Саме з цих наскельних малюнків і починається формування жанрово-родової специфіки майбутнього мистецтва живопису. Виникнення мистецтва відносять до палеоліту і пов'язують із зародженням Homo sapiens і прагненням людини пізнати навколишній світ

Необхідно наголосити, що доісторичний печерний, а згодом і давньоєгипетський настінний розпис ніс важливе змістовне навантаження, адже картина являла собою своєрідне оповідання, що складалося з кількох малюнків, пов'язаних між собою. Отже, для давнього художника, який ще не володів законами перспективи, малюнок виконував певну знакову функцію. Ця сама тенденція мала свій розвиток у мистецтві давньогрецького вазопису, коли на поверхні старовинних амфор та інших посудин зображувалися фрагменти давньогрецької міфології та історії.

В античну епоху живопис слугував для прикраси храмів, житла, гробниць і інших споруд, перебував в художній єдності з архітектурою і скульптурою.

Розвиток живописного мистецтва середньовіччя передусім пов'язаний з розквітом іконопису. На зміну чуттєвим образам античного мистецтва прийшли релігійно-канонізовані зображення, що водночас вражали своєю духовно-психологічною насиченістю.

Серед видатних представників мистецтва іконопису слід назвати імена Феофана Грека (бл. 1340 – після 1405) та Андрія Рубльова (бл. 1360 – після 1430), у творчості яких домінувало ісихастичне начало: поєднання зовнішнього та внутрішнього, але насамперед художників цікавило відображення внутрішнього світу людини. Це відповідало їх власному світовідчуттю. Середньовічний живопис був переважно релігійного змісту, відрізнявся експресією звучних, в основному локальних кольорів, виразністю контурів. Фон фресок і картин, як правило, був умовним, абстрактним або золотим, що втілює в своєму таємничому мерехтінні божественну ідею. Значну роль грала символіка кольору.

Нову добу у розвитку мистецтва живопису пов'язують з XIV–XVI ст., які принесли з собою нові теми, нові форми, нові художні образи. Творчі пошуки митців цього періоду стимулювала антична спадщина, і вони намагалися відновити у своїх творах її основні принципи. Саме тому мистецтво цього періоду, батьківщиною якого стала Італія, отримує назву Ренесанс – Відродження. В епоху Відродження розпочинається складний, але надзвичайно цікавий процес взаємодії науки і мистецтва. Вивчення законів перспективи, оптики, анатомії сприяло розвиткові творчих пошуків художників. Можна твердити, що проблема дифузії науки і мистецтва, витоки якої пов'язані з добою античності, в епоху Відродження виходить на принципово новий щабель.

У цей період живопис стає одним з провідних видів мистецтва і дарує світові цілу плеяду яскравих особистостей. Саме тому італійське Відродження можна назвати мистецтвом видатних персоналій, імена яких говорять самі за себе: Джорджоне (1477–1510), Тінторетто (1518–1594), Тіціан (1487–1576). Та слава італійського Ренесансу безперечно пов'язана з іменами його титанів: Рафаеля Санті (1483– 1520), що створив «Сікстинську мадонну», «Портрет, папи Юлія II» та «Автопортрет», і Мікеланджело Буонарроті – автора фресок Сікстинської капели: «Сотворіння Адама» і «Страшний суд» та ін. У творчості цих художників відбилися основні принципи мистецтва Відродження – відображення дійсності у всій її повноті, а головне – уславлення краси людини та її почуттів. Основні теми творів Рафаеля, Мікеланджело, Тіциана пов'язані як з міфологічними сюжетами, так і з проблемами, що мають загальнолюдський характер.

Живописці італійського Відродження прекрасно володіли законами перспективи, відтворювали на своїх полотнах вікову анатомію людини, передавали її рух у просторі. Всі ці досягнення італійського Ренесансу сконцентрувалися в особі, яка вважається «постаттю поза конкуренцією» серед геніїв Відродження – Леонардо да Вінчі – видатного живописця, вченого, філософа.

Мистецтво живопису кінця XVI – XVIII ст. розвивалося у межах трьох основних напрямів: бароко, рококо та класицизму. Необхідно зазначити, що провідні художники цього періоду, експериментуючи у межах різних стилів і напрямів, в основному починають віддавати перевагу реалістичному мистецтву.

Особливе місце в контексті живописних пошуків XVII ст. посідає творчість двох голландських митців Ф. Халса (1585–1666) та Я. Вермеєра Делфтського (1632–1675). Крім суто професійних досягнень, їхня спадщина стимулювала процес художньої спадковості, своєрідний «діалог через століття». Так, традиції Ф. Халса щодо живописної інтерпретації категорії комічного отримали продовження у творчості видатного іспанського митця Ф. Гойї (1746– 1828) – «Водоноска», «Сліпий» і в опосередкованій формі вплинули на серію офортів «Капричос». Художня ж спадщина Я. Вермеєра Делфтського спонукала до художніх експериментів метра сюрреалістичного живопису С. Далі, про що він сам згадував у своїй статті «Світові ідеї».

Слід зауважити, що живописне мистецтво XVII–XVIII ст. характеризувалося цікавими пошуками у галузі колористичної композиції, що знайшли своє відображення у творах П. Рубенса (1577–1640), А. ван Дейка (1599–1641), Ф. Сурбарана (1598–1664), Е. Греко (1541–1614), Д. Веласкеса (1599–1660), особливо у творчості Рембрандта (1606–1669). У всесвітньо відомих полотнах голландського митця емоційна напруга виникає і передається завдяки дивовижній грі світла і тіні. У своїх портретах Рембрандт переважно працює темними фарбами. Однак для того, щоб більше підкреслити психологічний стан людини, який найадекватніше передають її обличчя і руки, митець використовує світлові акценти. Саме до цього прийому видатний художник звернувся у своєму геніальному полотні «Повернення блудного сина», що відобразило трагічні міркування Рембрандта про сенс людського буття.

Колористична композиція творів Рембрандта, гра світла і тіні на його полотнах мала значний вплив не тільки на розвиток живописного мистецтва XVIII–XIX ст., зокрема на творчість Ф. Рокотова (1732–1808), Д. Левицького (1735–1822), В. Боровиковського (1757–1825), Т. Шевченка (1814–1861), М. Пимоненка (1862– 1912) та інших художників, а й на пошуки, що відбувалися у мистецтві кіно, яке у кращих своїх зразках (фільми німецького експресіонізму, О. П. Довженка, А. Тарковського, П. Грінвейя) використовувало саме цей прийом для створення атмосфери емоційної напруги, передачі почуттів героїв стрічок.

XIX ст. у мистецтві живопису пов'язане з виникненням надзвичайно цікавого напряму, що отримує назву імпресіонізм (від фр. ітргезкіоп – враження). Надзавданням художників-імпресіоністів стає гасло: «Малюю те, що бачу», яке було втілене у кращих творах Е. Мане (1832–1883) – «Сніданок на траві», «Бар Фолі-Бержер», К. Моне (1840–1926) – «Враження. Схід сонця» (назва саме цієї картини, власне, і визначила назву цього напряму), О. Ренуара та ін. Провідні художники-імпресіоністи намагалися передати і відтворити колористичне багатство навколишнього світу. Тому кольорове співвідношення зображуваного несло головне психологічне та естетичне навантаження.

Одним з провідних жанрів імпресіонізму стає пейзаж. Це зумовлює необхідність працювати на натурі – пленері і вимагає від художників вивчення характеру освітлення у різні години доби, урахування особливостей атмосферних умов, а головне – впливу світла на колір. Імпресіоністичний живопис так віртуозно володів світлом, що міг зафіксувати навіть колір повітря, туману, тіні тощо. Мистецтво імпресіонізму підготувало фундамент для подальшого розвитку живопису кінця XIX ст., зокрема напряму постімпресіонізму, представниками якого були Ван Гог (1853–1890), Сезанн (1839–1906), Гоген (1848–1903).

Культура і мистецтво XX ст. пов'язані з виникненням феномена модернізму (від фр. тоаете – сучасний, новітній). Поняття «модернізм» слід відрізняти від терміна модерн, який використовують для визначення напряму у мистецтві останнього десятиріччя XIX ст. Отже, модернізм – це художньо-естетична система, що складається на початку XX ст. і об'єднує художників, які знаходилися на позиціях нереалістичної методології. Детальніше зупинимося на аналізі експресіонізму та сюрреалізму, адже у межах цих двох течій мистецтво живопису посідало одне з провідних місць.

Експресіонізм (від фр. ехргежіоп – вираження) – напрям мистецтва, що виник як своєрідне заперечення імпресіонізму. Його апологетів цікавила не ідея зовнішнього «враження», а внутрішній світ людини, бажання зрозуміти і можливість виразити його. Експресіонізм – це інтернаціональний рух, який сформувався у складний перехідний період між першою та другою світовими війнами і приніс у творчість його провідних представників песимістичне начало: почуття неспокою, страху, розгубленості, трагічного передчуття.

Експресіоністичний живопис був представлений іменами норвезького художника Е. Мунка (1863–1944) та французького митця Ж. Руо (1871–1958). Через усі їхні твори лейтмотивом проходить тема смерті – провідний мотив експресіоністичного мистецтва, інтерпретований у картинах Ж. Руо «Кладовище», «Розп яття», «Старий король» і фактично на всіх полотнах Е. Мунка – «Крик», «Жах», «Людина-гора», «Танок смерті» та ін. Превалювання темного кольору та певна деформація перспективи на полотнах норвезького художника створювали відчуття страху і безпорадності.

Традиції класичного експресіонізму продовжуються і у другій половині XX ст. Яскравою постаттю експресіоністичного мистецтва у 70–80-ті роки стає А. Райнер – австрійський художник, автор картин «Тіло-пози», «Екстаз», «Маски смерті».

У роботах Е. Мунка, Ж. Руо, сучасних художників-експресіоністів розв'язуються проблеми сенсу буття, людської самотності, не можливості людського єднання і порозуміння. Слід зазначити, що експресіоністичне світовідчуття завжди було притаманним й українській національній самосвідомості. Так, роботи львівського художника О. Мінька – «Відчай», «Мовчання» та «Пересторога» – є новим кроком у розвитку «слов'янської гілки» європейського експресіонізму.

Сюрреалізм – один з основних напрямів мистецтва XX ст., який сформувався у 20-ті роки у Франції. Теоретиком цього напряму був А. Бретон (1896–1966), концепції якого стимулювали творчі пошуки художників-сюрреалістів практично в усіх видах мистецтва. На думку Бретона, творчість – це загадковий процес, що не піддається логічному тлумаченню, тому видатні представники сюрреалізму працювали асоціативним, алогічним методом, використовуючи власні сновидіння.Не буде перебільшенням зазначити, що найяскравіше сюрреалізм виявився у живопису, адже саме представникам цього виду мистецтва – бельгійцю Р. Магрітту (1898–1967) та іспанцю С. Далі (1904–1989) – сюрреалізм зобов'язаний своєю популярністю.

Гідною альтернативою західному модернізму 20-х років став російський та український авангард, представлений такими художників, як В. Каменський (1884–1961), В. Кандінський (1866–1944), М. Бойчук (1882–1937), Д. Бурлюк (1882–1967), О. Богомазов (1880–1930) та ін. Ці митці пов'язували свою творчість з утвердженням національної самосвідомості, але водночас не відокремлювали себе від процесів, що відбувалися в європейському живописі.

Пошуки та експерименти формалістичного плану, що відбувалися у мистецтві живопису впродовж двох останніх століть, не можуть перекрити реалістичний напрям, без якого створення більш-менш цілісної моделі цього виду мистецтва було б неможливим.

Реалізм (від лат. геа1і$т – справжній) – художній напрям, який розкриває образи, характери, обставини у соціально-історичному контексті, тобто відповідно первинній реальності. У західноєвропейському живописному мистецтві XIX ст. цей напрям був репрезентований у творчості французького художника Ж.-Л. Давіда (1748– 1825), зокрема у його відомому полотні «Смерть Марата», у деяких роботах видатного іспанського митця Ф. Гойї (1746–1828) – «Розстріл повстанців», «Родина короля Карла IV» та ін.

Процеси, які впродовж XX ст. відбувалися у мистецтві живопису України, пов'язані з художніми пошуками його провідних представників: В. Касіяна (1896–1976), М. Глущенка (1901–1977), М. Дерегуса (1904–1997), В. Зарецького (1925–1990) та ін.

Яскравим взірцем зв'язку українського живопису із специфікою української національної самосвідомості є творчий доробок народних художників К. Білокур (1900–1961) та М. Примаченко (1908–1997).

У XX Іст. триває пошук нових барв і технічних засобів створення живописних творів, що безсумнівно призведе до появи нових стилів у живопису, але олійний живопис, як і раніше залишається однією з найулюбленіших технік художників.

Живопис поділяють на монументальний, декоративний, театрально-декораційний, мініатюрний і станковий.

Монументальний живопис - особливий вид живописних творів великого масштабу, що прикрашають стіни і стелі архітектурних споруд. Він розкриває зміст великих соціальних явищ, що позитивно вплинули на розвиток суспільства, прославляє їх і увічнює, виховує людей в дусі патріотизму, прогресу і гуманності. Зміст монументального живопису, значні розміри його творів, зв'язок з архітектурою вимагають великих колірних мас, суворої простоти і лаконізму композиції, ясності контурів і узагальненості пластичної форми.

Монументальний живопис поділяється на :

• Фреску ( італійське fresco – свіжий) – це техніка живопису фарбами, розведеними чистою чи вапняною водою по свіжій, сирій штукатурці.

Фреска відома з другого тисячоліття до н.е. Мистецтво фрески розквітало в Італії за часів Відродження. Нового піднесення зазнало в 19-20 ст. Фреска відома в Україні з 9 ст. Фреска довговічна в умовах закритого приміщення.

• Мозаїку – ( франц. mosaigue, італ. Mosaico, лат. Musivum – буквально присвячено музам) – зображення чи візерунок, виконаний з однорідних або різних за матеріалом частинок (камінь, смальта, керамічна плитка та ін.), що закріплюються на шар ґрунту, вапна чи цементу.

Особливим видом мозаїки є інкрустація – мозаїка набирається зі шматочків простої геометричної або більш складної, вирізаної за шаблонами форми, які закріплюються в шарі ґрунту (вапна, цементу, мастики або воску).

Є два способи набору мозаїки :

1. „Прямий”, якщо частинки втискують у ґрунт, нанесений на поверхню, що декорується;

2. „Зворотній”, якщо частинки наклеюють лицьовим боком на картон або тканину з нанесеним на них малюнком ( потім тильний бік набору заливається скріплюючою хімічною сполукою, а тимчасова основа видаляється).

Декоративний живопис застосовується для прикраси будівель, інтер'єру у вигляді барвистих панно, які реалістичним зображенням створюють ілюзію прориву стіни, зорового збільшення розмірів приміщення або, навпаки, нарочито сплощеними формами стверджують площинність стіни і замкнутість простору. Узори, вінки, гірлянди та інші види декору, що прикрашають твори монументального живопису і скульптури, пов'язують разом всі елементи інтер'єру, підкреслюючи їх красу, узгодженість з архітектурою.

Декоративної живописом прикрашають і речі: скриньки, шкатулки, поставці, підноси, скрині та ін Її теми і форми підпорядковані призначенням речей, про що докладно розказано в наступному розділі.

Театрально-декораційний живопис (декорації, ескізи костюмів, гриму, бутафорії) допомагає глибше розкрити зміст вистави. Особливі театральні умови сприйняття декорації вимагають врахування безліч точок зору публіки, їх велику віддаленість, впливу штучного освітлення і кольорової підсвітки. Декорація дає уявлення про місце і час дії, активізує у глядача сприйняття того, що відбувається на сцені. Театральний художник прагне в ескізах костюмів і гриму гостро висловити індивідуальний характер персонажів, їх соціальне становище, стиль епохи і багато іншого.

Мініатюрний живопис отримав великий розвиток у середні віки, до винаходу друкарства. Рукописні книги прикрашали найтоншими заставками, кінцівками, детально проробленими ілюстраціями-мініатюрами. Мальовничою технікою мініатюри російські художники першої половини XIX століття майстерно користувалися при створенні невеликих (головним чином акварельних) портретів. Чисті глибокі кольори акварелі, їх вишукані поєднання, ювелірна тонкість листи відрізняють ці портрети, повні добірності і благородства.

Станковий живопис -

виконаний на верстаті - мольберті, в якості матеріальної основи використовує дерево, картон, папір, але частіше за все полотно, натягнуте на підрамник. Станкова картина, будучи самостійним твором, може зображати абсолютно все: фактичне і вигадане художником; неживі предмети і людей; сучасність і історію - тобто, життя у всіх його виявах . На відміну від графіки станковий живопис володіє багатством кольору, який допомагає емоційно, психологічно багатогранно і тонко передати красу навколишнього світу.

Живопис також поділяється на олійний, темперний, фресковий, восковий, мозаїчний, вітражний, акварельний, гуашовий, пастельний, інш. Назви отримані від сполучної речовини або від способу застосування матерільно-технічних засобів.

Олійний живопис виконується фарбою, розстертою на рослинних оліях. Густа фарба при додаванні до неї масла або спеціальних розріджувачів і лаків розріджується. Олійною фарбою можна працювати на полотні, дереві, картоні, папері, металі.

Темперний живопис виконується фарбою, виготовленою на яєчному жовтку або на казеїні. Темперна фарба розчиняється водою і наноситься пастозно або рідко на стіну, полотно, папір, дерево. Темперою на Русі створювалися настінні розписи, ікони та візерунки на побутових речах. У наш час темперу використовують у живопису та графіці, у декоративно-прикладному мистецтві та художньо-оформлювальній справі.

Фресковий живопис прикрашає інтер'єри у вигляді монументально-декоративних композицій, нанесених по сирій штукатурці водяними фарбами. Фреска має приємну матову поверхню і довговічна в умовах закритого приміщення.

Восковий живопис (енкаустика) застосовувалася ще художниками Стародавнього Єгипту, про що свідчать знамениті «фаюмські портрети» (I століття н.е.). Сполучною речовиною в енкаустиці служить вибілений віск. Воскові фарби наносяться в гарячому стані на дощечку або полотно підігрітим металевим інструментом.

Мозаїчний живопис, або мозаїка, збирається з окремих шматочків смальти або кольорових каменів і закріплюється на особливому цементному грунті. Прозора смальта, вставлена в грунт під різними кутами, відбиває або переломлює світло, викликаючи спалахуванням і мерехтіння кольору. Мозаїчні панно можна зустріти в театральних та музейних інтер'єрах, в метро

Вітражний живопис - твори декоративного мистецтва, призначені для прикраси віконних прорізів у будь-якій архітектурній споруді. Вітраж складається зі шматків кольорового скла, скріплених міцним металевим каркасом. Світловий потік, пробиваючи кольорову поверхню вітража, малює на підлозі і стінах інтер'єру декоративно ефектні, барвисті візерунки.

Призначення і зміст живописного твору вимагають вибору таких матеріально-технічних засобів, за допомогою яких можна найбільш повно виразити ідейно-творчий задум художника. Живопис допомагає людині побачити красу світу, укладену в самих повсякденних речах, виховує увагу до навколишнього, прагнення осягнути його сенс.

ЖАНР (франц. від лат. – рід, вид) - стійкий різновид художнього твору, що склався історично. В образотворчому мистецтві основні жанри визначаються за предметами зображення.

Портрет (від франц. “portrait” – зображувати) – жанр, присвячений зображенню певної людини або групи людей, які існували чи існують у дійсності.

Портрет – зображення конкретної людини або групи людей. Портрети розрізняють за призначенням, специфікою форм і характером виконання: станкові (картина, бюст, графічний аркуш) і монументальні (монумент, фреска, мозаїка); парадні та інтимні; сатиричні (шарж); портретні рельєфи на меморіальних дошках, медалях; мініатюри; автопортрети.

Він здавна вважається особливим, а подекуди навіть вищим родом мистецтва, “барометром” його стану. І тому, можливо, жоден із жанрів образотворчого мистецтва не привертав до себе стільки уваги, не викликав стільки глибокої зацікавленості, не збуджував запеклих суперечок.

Як відомо, найважливіший критерій портретності – схожість зображення з оригіналом. Але вона досягається не тільки вірним відображенням зовнішності тієї чи іншої особи, але й розкриттям її духовної суті, діалектичною єдністю індивідуальних і типових рис, які відтворюють епоху, соціальне середовище, національність тощо.

Історично створювалася різноманітна типологія портрета. Залежно від призначення, особливостей зображення персонажів, розрізняють портрети монументальні, парадні, станкові, інтимні, мініатюру; погрудні, у повний зріст; анфас, у профіль та інші.

За кількістю персонажів портрети розподіляються на індивідуальні, подвійні та групові. Специфічним жанром портрету є автопортрет.

Рухомість жанрових меж портрету надає можливості в одному творі поєднувати його з елементами інших жанрів. Наприклад, портрет-картина, де портретований постає у взаємозв’язку з речами; які його оточують, з природою, архітектурою; портрет-тип – збірний образ, структурно близький до портрету.

Можливість виявлення в портреті не тільки високих духовно-моральних якостей людини, але й негативних рис обумовила появу портретної карикатури-шаржу.

Портретний жанр виник ще в мистецтві рабовласницької формації (Давнього Єгипту, Греції, Риму), переживши тривалий занепад у середні віки, з новою силою розвинувся в епоху Відродження і особливо в творчості Леонардо да Вінчі, Рафаеля, Тіціана, Рембранда, П.П.Рубенса, А.Ван Дейка, С.Купера, Я.ван Ейка, Веласкеса, Н.пусена, Ф.Гойї та інших.

В умовах економічного й культурного підйому в XVII столітті у вітчизняному мистецтві набувають широкого розповсюдження портрети-парсуни, які відрізнялися ще умовно іконописним характером. Інтенсивний розвиток світського портрету в XVIII столітті (особливо полотна І.М.Ніктіна, О.П. Антропова) підняв його на рівень вищих досягнень сучасного світового портретного живопису (творчість Ф.С.Рокотова, Д.Г. Левицького, В.Л.Боровиковського).

Традиції реалістичного портрету були продовжені та розвинені видатними майстрами ХІХ століття: К.П.Брюлловим, В.А.Тропініним, О.А.Кріпенським, Т.Г. Шевченком, В.Г. Перовим, І.М. Крамським, І.Ю.Рєпіним, В.О. Сєровим та іншими.

Портретний жанр ХХ століття відрізняється новими якостями. З одного боку він розвивається й удосконалюється в кращих традиціях світового реалістичного живопису минулого, з іншого –відбуваються пошуки нових засобів вираження складної духовної суті сучасної людини (П.Піккасо, А.Матісс, А.Модільяні та інші).

Серед сучасних художників-портретистів відомі українські майстри живопису: А.І.Монастирський, Ф.Г.Кричевський, Г.С.Меліхов, О.О. Шовкуненко, І.І. Труш, М.М. Божій, С.О. Григор’єв, В.І.Зарецький, П.Г.Волокидін, М.Г.Дерегус та інші.

Карикатура – жанр, що використовує засоби сатири та гумору, гротеску, шаржу, художньої гіперболи; зображення, в якому комічний ефект створюється перебільшенням та загостренням характерних рис.

Ню – жанр, посвячений оголеному тілу, його художній інтерпретації.

Пейзаж – жанр, в якому основним об’єктом зображення є природа: види місцевості, архітектурні споруди, мости, морські види (марини) і т.п.

Пейзаж (від франц.”pausage” – місцевість, край)- жанр живопису, який присвячений зображенню натуральної (дикої) або в тій чи іншій мірі зміненої людиною природи.

У пейзажі відображаються реальні або уявні різновиди місцевостей, архітектурних будов(міський, архітектурний пейзаж – ведута), індустріальних споруд( індустріальний пейзаж), морських видів(маріна) та інше.

У творчості майстрів живопису пейзаж часто служить фоном творів інших жанрів. Зображуючи явища і форми природного оточення людини, художник виражає і своє ставлення до природи, і сприймання її сучасним йому суспільством. У силу цього пейзаж набуває емоційності та ідейного змісту. Така чуттєво переконлива тенденція щодо тлумачення світу починає осмислюватися західно-європейськими художниками ще в ХІІІ-ХV століттях (Джотто, А.Лоренцетті в Італії, Х.і Я. Ван Ейку Нідерландах; К.Віц, Л.Мозер у Швейцарії і Німеччині та інші).

Як самостійний жанровий різновид пейзаж розвинувся в мистецтві Відродження. Якщо до цього часу майстри живопису взагалі не писали пейзажі з натури, а частіше за все “вигадували” їх, то художники відродження звертаються до безпосереднього вивчення натури. Ними визначаються принципи перспективної побудови пейзажного простору, використовуються концепції реалістичності законів світогляду(А. Мантеньї, П.Уччелло, П’єро делла франческа, Леонардо да Вінчі, Тіціан та інші).

У мистецтві класицизму закріплюється система умовної, кулісної 3-планової композиції: перший план неодмінно повинен бути написаний у коричневих тонах, другий – у зеленуватих, третій – у блакитних. Таким чином, оформлюються принципи “ідеального ” пейзажу. Але поряд з цим він стає носієм високого етичного змісту(особливо в творчості Н.Пуссена, К.Лоррена, П.П. Рубенса, Д.Веласкеса, Рембрандта та інших). Елементи живопису з натури, на відкритому повітрі (пленер), відзначають пейзажі цих майстрів надзвичайною свіжістю сприймання.

У кінці ХVIII і першої половини ХІХ століть у пейзажі переважають тенденції романтизму. Художники зближували життя людської душі з життям природи, вбачаючи в природному середовищі засіб для виправлення моральної і соціальної недосконалості людини. Вони виявляли особливу чуйність до індивідуальної неповторності стану природи й своєрідності національних ландшафтів.

У вітчизняному пейзажі ХІХ століття романтичні традиції відіграють провідну роль (особливо у творчості М.М.Воробйова, І.К.Айвазовського). На другу половину століття припадає розквіт реалістичного пейзажу, тісно пов’язаний із діяльності передвижників. Художники звертаються до рідної природи, мотиви якої відрізняються особливою монументальністю та епічним розмахом (Л.Л.Каменів, М.К. Клод, І.І.Шишкін), ліричною насиченістю (О.К.Саратов, С.І.Світославський, С.І.Васильківський, П.О.Левченко, М.К.Лимоненко), драматичною напругою (Ф.О.Васильєв). Романтичні тенденції зберігаються у творчості А.І. Куїнджі, який поєднував пристрасть до сильних ефектів освітлення з декоративним тлумаченням картинної площини. М’яке споглядання, скорбота притаманні пейзажам В.Д.Полєнова і особливо І.І.Левітана.

У ХХ столітті реалістичні традиції пейзажу тісно переплітаються з впливом імпресіонізму і “модернізму”. Одні майстри зберігають і розвивають реалістичні традиції другої половини ХІХ століття, інші – намагаються знайти більш стійкі риси того чи іншого ландшафтного мотиву, треті – за допомогою контрастних, святкових або драматично напружених, кольорових співзвучно підкреслюють внутрішню динаміку ландшафту та інше.

Натюрморт – жанр, спрямований на зображення речей, що оточують людину в реальному побутовому середовищі.

Натюрморт (від франц. “ nature morte” – мертва природа) – жанр, який присвячений зображенню оточуючих людину речей, які розміщені, як правило, у реальному побутовому середовищі та композиційно організовані в єдину групу.

Спеціальна організація мотиву (так звана постановка) – є одним з головних компонентів образної системи цього жанру .Крім неживих предметів (наприклад, предметів домашнього вжитку) в натюрморті зображують об’єкти живої природи, які ізольовані від природних зв’язків і тим самим перетворені в річ (наприклад, риба на столі, квіти у вазі і тому подібне). Натюрморт характеризує не тільки речі самі по собі, але й соціальне положення, зміст і спосіб життя їх володаря, породжують численні асоціації та соціальні аналогії. Історично появу натюрморту пов’язують із виникненням реалізму в живописі, з розвитком його пізнавальних і технічних можливостей, з опануванням засобів відтворення в картині різноманітності оточуючого світу.

Натюрмортні мотиви як деталі тематичних композицій зустрічаються ще в мистецтві Давнього Сходу і античності. Але становлення натюрморту як самостійного жанру відбувається лише в новий час, коли у творчості італійських і особливо нідерландських майстрів Відродження розвивається увага до навколишнього світу.

Епоха розквіту натюрморту – ХVII століття. Різноманіття його типів і форм у цей час пов’язане з розвитком національних реалістичних шкіл живопису. Найбільш поширеними темами цього жанру були квіти, овочі, фрукти, подарунки моря посуд та інше.

У середині ХVIII століття в період остаточного складання академічної ієрархії жанрів виник термін “nature morte”, що відобразив зневажливе ставлення до цього жанру прихильників академізму, які надавали перевагу жанрам, змістом котрих була “жива натура”, тобто історичний, батальний жанри, портрет.

У ХІХ столітті долю натюрморту визначали провідні майстри живопису, які, працюючи в багатьох жанрах, залучали і його до боротьби естетичних поглядів та художніх ідей (Ф.Гойя в Іспанії; Е. Делакруа, Г. Курбе, Е. Мане у Франції та інші).

У вітчизняному мистецтві натюрморт з’явився в XVIII століття разом з установленням світського живопису, який відтворював пізнавальний пафос епохи і намагався правдиво і точно передати предметний світ. Наступний розвиток цього жанру протягом значного періоду носив епізодичний характер. Самостійного значення він набуває на межі ХІХ та ХХ століть. До кращих зразків натюрморту цього періоду відносять роботи М.О.Врубеля, К.О.Коровіна, І.Е.Грабаря, які витончено відтворювали історично-побутовий характер речей.

Тяжінням до підвищеного естетизму оточуючих людину речей характерезуються натюрморти сучасних українських майстрів: А.Г.Петрицький. Піони; М.А.Шелюто. Натюрморт з суницями; Л.Ю.Крамаренко. Натюрморт із самоваром; С.Ф.Шишко.Соняшники; Т.О.Хитрова.Хліб; О.О.Шовкуненко.Осінні квіти; та інші.

Історичний жанр – присвячений історичним подіям і діячам, особливо важливим в історії суспільства.

І сторичний жанр дає змогу уявити історичні постаті та відтворює історичні події та історичні особистості, які мають велике значення як для минулого, так і для сучасного суспільства. Він утворився як самостійний жанр в епоху Відродження і набув широкого розвитку в мистецтві XIX століття. Академічно-естетичні погляди XVII-XIX століть обмежували, як правило, тематику історичного жанру лише темами з античної історії, міфології та християнських релігійних легенд. Тому історичний живопис довгий час залишався умовно зрозумілим або офіційним жанром, далеким від реалізму.

Історичний живопис більш, ніж інші жанри, пов’язаний з наукою, зумів пройти шлях від суб’єктивно-ідеалістичного возвеличення історичної особи до розкриття дійсного значення і ролі народних мас в історії.

По-різному в кожні історичні епохи розуміли і морально-виховну роль цього жанру. Так, у XVIII і на початку XIX століть класичний живопис у відповідності з естетичними вимогами просвітян виховував глядача, демонструючи йому приклади благородних вчинків, які здійснили герої минулих століть (С. Торелі .Алегорія на перемогу Катерини ІІ над турками і татарами (1772р.); А. Лосенко. Прощання Гектора з Андромахою (1773р.); П.І. Соколов. Дедал прив’язує крила Ікару (1777р.) та інші).

Реалістичний історичний живопис другої половини ХІХ століття відкрив нові шляхи контакту із глядачем. “Виховання прикладом” залишається і тут, але найбільш важливим стає інший засіб морального впливу на людину. Історичний живопис розриває її естетично, збагачує знанням, вчить розмірковувати, бачити історичні корені сучасних явищ. Через естетичну насолоду – до освіти народу, у цьому, по суті, полягає лозунг історичного живопису реалістичного напрямку. Звідси багатство соціальної, наукової, психологічної, художньої інформації, велика кількість паралелей з найбільш злободенною дійсністю. В цьому напрямку творчість В.І. Сурікова – явище, не перевершене ніким із сучасників.

Побутовий жанр – відображення різностороннього повсякденного життя людей.

Побутовий жанр в образотворчому мистецтві присвячений відображенню повсякденного поодинокого й суспільного життя (зазвичай, сучасного художнику). Він поширений переважно в живописі, графіці та скульптурі.

Перші твори цього жанру зустрічаються ще в первісному мистецтві, а також у мистецтвах Давнього Сходу, Давньої Греції, Давнього Риму, Київської Русі тощо, де побутові (жанрові) сцени включалися в міфологічні композиції.

В епоху Відродження в європейському живописі релігійні та алегоричні сцени набули характеру розповіді про реальні події, наповнилися побутовими деталями. (Джото, А. Лоренцеті в Італії, Ян ван Ейк, Р. Кампен, Гертген тот Сін-Янс в Нідерландах; брати Лімбург у Франції; М. Шонгауер у Німечинні тощо).

Як самостійний розділ побутовий жанр сформувався в XVII столітті. Він представлений, перш за все, творами майстрів голландської школи Пітер де Хоха, Стена, Терборха, Вермейєра, Дельфтського та інших).

У побутовому жанрі XVIII століття виник буржуазний сімейний жанр і антифеодальна сатира. Соціально-критичний напрямок у цьому жанрі проклав англійський художник Хогарт.

У ХІХ століття художники-демократи розглядали побутовий жанр як поле критики і викриття несправедливих соціальних відносин, утвердження прав пригнічених людей праці (О.Г. Венеціанов і його школа в Росії; Дж. К. Бінгем і У.С.Маунт США; Д.Уілкі в Шотландії; представники бідермейера Г.Ф. Керстінг і К. Шпінцвег у Німеччині та інші). Вони внесли в побутовий жанр дух протесту, узагальнення і психологічну насиченість образів простих людей.

У вітчизняному живописі, особливо у другій половині ХІХ століття, художники А.М. Васнецов, Т.Г.Шевченко, П. А. Федотов, В.Г.Перов, І.М. Прянишников, В.М.Максимов, В.Ю.Маковський, К.А.Савицький, М.К.Пимоненко, І.Ю.Рєпін надали побутовому жанру не властиву для нього раніше глибоку соціальність, перетворили його в гострий засіб широкого критичного викриваючого показу всіх сторін сучасного їм життя і, разом з тим, у дійовий засіб естетичного ствердження трудового народу.

У сучасному періоді вагомий внесок у розвиток побутового жанру внесли художники Т.Н.Яблонська, С.О.Григор’єв, О.О. Дейнека, Ю.І.Піменов, П.П.Кончаловський, Г.С.Меліхов, М.С.Самокиш, Й.Й.Бокшай та інші, в творах яких повсякденне життя народу постає в усій своїй різноманітності, насичене великими роздумами та переживанням.я

Казковий жанр – зображення сюжетів казок.

Міфологічний жанр – зображення сюжетів стародавніх міфів і легенд.

Батальний жанр – присвячений темам війни та військового життя.

Батальний жанр (від франц. “bataille” – битва) присвячений військовій тематиці, яка включає, головним чином, зображення битв, а також інших епізодів, пов’язаних з війною.

У ході свого історичного розвитку батальний жанр частіше за все ставив завдання прославити військові доблесті. Батальні твори алегоричного і символічного характеру, як завжди, пов’язані з героїзованими образом полководця-переможця, були широко розповсюджені ще в мистецтві Давнього Сходу і Давнього Риму. У Середньовічному мистецтві батальні сцени зустрічаються в книжковій мініатюрі, головним чином як ілюстрація до військової хроніки.

Художників Відродження батальний жанр приваблював своєю драматичною стороною – напруга шаленого бою, відтворення емоцій боротьби (Леонардо да Вінчі. Битва при Ангарі (1503-1506рр.); Мікеланджело. Битва при Кашині (1504-1506рр.); Д.Веласкес. Здача Бреди (1634р.); М.В.Ломоносов. Полтавська баталія (1762-1764рр.) та інші. При цьому особлива увага приділялася просторовому та композиційному рішенню, вивченню складних ракурсів, героїчному узагальненню та іншому, порівняно менше історично-реальній обстановці бою.

З середини XVII століття розвивається документально-хронікальний батальний жанр, який фіксував епізоди битв із більшою або меншою точністю, але без справжнього драматизму.

У Європейському живописі широкого розвитку батальний жанр набув в епоху наполеонівських війн (А.Гро, Т.Жеріко, Е.Делакруа, Ф. Гойя). З початку ХІХ століття тема війни насичується новим, гуманістичним змістом, настійливо проймається тема “страхіття війни”. Найбільшою мірою це стосується творчості Ф. Гойї, В.В. Верещагіна.

У ХХ столітті руйнівні та жорстокі війни радикально змінили батальний жанр, розширивши його межі й художній смисл. У багатьох творах порушувалися історико-філософські та соціальні питання, проблеми миру й війни, фашизму та війни, війни та людського суспільства , тощо.

Релігійний жанр – зображення сюжетів на релігійну тематику.

Анімалістичний жанр (від “animal” – тварина ) з найдавніших жанрів на землі. Зображення тварин з’явилося вперше в наскельних малюнках епохи палеоліту(наприклад, у печері Альматира в Іспанії), а потім у вигляді стилізованих, символічно умовних чудовиськ перейшли на середньовікові карти та рукописи, врешті, набули свого справжній вигляд у творчості майстрів Відродження. Художники так захопилися зображенням тварин, що це викликало втручання інквізиції, яка заборонила малювати собак і кішок у картинах релігійного змісту.

Майстри, які спеціалізувалися у “чистому” анімалістичному жанрі, з’явилися тільки в ХІХ столітті (К.Тройон у Франції, Е.Лендсір в Англії, Б.Лільсфорс у Швеції).

У вітчизняному мистецтві першим анімалістом і засновником анімалістичної школи став В.О. Ватагін, художник оригінального обдарування, який однаково успішно працював у графіці, живописі та скульптурі. Його творчість відрізняється тонким проникненням у світ тварин, умінням передавати їх різноманітні “душевні стани”.В ілюстраціях до книжки Р. Кімплінга “Мауглі” В.О. Ватагін створив дійсні “психологічні портрети” звірів, зобразив їх істотами, наділеними розумом і почуттями.

Пастораль – зображення ідилії мирного життя пастухів і пастушок на лоні природи.

Хуа Няо (у переведенні з кит. птахи і квіти) - жанр китайського живопису, що змальовує птахів та квіти

Шань шуй (у переведенні з кит. гори і вода) - жанр китайського живопису, що змальовує гори і водопади

\

АБСТРАКЦІОНІЗМ (від лат. – віддалений), «безпредметне » мистецтво – одна з провідних модерністських течій 20 ст. Загальна особливість абстракціонізму – принципова відмова від зображення реальних предметів і явищ. Абстрактний твір виступає як суб’єктивна живописно-пластична реальність,створена за допомогою формальних художніх елементів ( кольорова пляма, лінія, фактура, об’єм тощо). При цьому принцип композиційної побудови може бути імпульсивно-стихійним або раціонально впорядкованим. Абстракціонізм виник у процесі розшарування кубізму,футуризму (1910-1913). Теоретиком абстракціонізму та автором перших абстрактних живописних полотен виступив російський художник В.В. Кандинський. Значний слід у розвитку цього напряму залишили вихідці з України – О.П. Архипенко, К.С.Малевич, О.К.Богомазов, І.П.Кавалерідзе , ін.

ДАДАЇЗМ (франц. – дерев’яний коник,в переносному розумінні – незв’язний дитячий лепет)- модерністська літературно-художня течія , що зародилася (1916) в Цюриху під впливом сприйняття Першої світової війни як розв’язання в людині одвічних тваринних інстинктів. Художні методи його представників ( М.Дюшана, Ф.Пікабія, М.Ернста та ін..) засновані на програмному ірраціоналізмі та демонстративному антиестетизмі. В 20-х роках у Франції дадаїзм злився з сюрреалізмом, а в Німеччині – з експресіонізмом.

ІМПРЕСІОНІЗМ - напрямок у мистецтві останньої третини ХІХ - початку ХХ століття, представники якого намагалися максимально природно і неупереджено відобразити реальний світ у його русі і мінливості, передати власні мимовільні враження. Вперше назву "імпресіонізм" було використано до робіт художників, що повстали проти Парижського салону 1874 року. Їх виставка "незалежних" була бунтом проти умовних штампів відірваного від життя офіційного мистецтва. Одна із картин виставки, "Враження. Схід сонця" Клода Моне (в перекладі на французький враження - " impression " - звідси і імпресіонізм), визначила назву всієї групи, до якої входили Піссаро, Сіслей, Ренуар і т.д. З художниками цієї групи були близькі Е.Мане і Е.Дега, які виставляли разом з ними свої роботи майже на всіх виставках до 1886 року.

Звернення імпресіоністів до різноманітних сторін дійсності, до життя вулиць, вокзалів, кафе, барів, до образів сучасників різноманітних станів, професій і суспільних шарів, до міського пейзажу розширило рамки реалістичного мистецтва. А прагнення передати швидкий ритм життя великого міста, спіймати мить стану природи, атмосфери, світла привело до пошуків нових засобів художньої виразності, особливої свіжості і гостроти сприйняття, до свободи палітри від музейної чорноти, до просвітленої кольорової гамми. З часом все-таки чітко визначились і границі творчого методу, і світосприйняття імпресіоністів.

КЛАСИЦИЗМ ( від лат. – взірцевий) – один з основних напрямів у європейській літературі й мистецтві 17-18 ст. Зразком для нього було класичне ( давньогр. й давньорим.) Класицизм розділяв красу на sublime – ідеальне, піднесене, і grotesque – потворне. “Для Гонкурів та імпресіоністів ідеального не існує зовсім, характерне, індивідуальне стає самоцінним і розглядається як прекрасне ”. За Шарлем Бодлером “Ми величні і поетичні в наших краватках і лакованих черевиках ”. Звідси витікають всі інші антиномії: штучності композиційної організованості протиставляється фіксація життя в його невимушеному протіканні; строгому ритму – аритмічність; симетрії – асиметрія; закономірному узагальненому – конкретне і випадкове; застиглому, нерухомому – мить у своїй змінності; парадності й помпезності – побутовість, розумовій лінійності, статуарній пластичності – чуттєвий колорит.

КЛАСИЧНЕ МИСТЕЦТВО - у вузькому розумінні мистецтво Стародавньої Греції й Стародавнього Риму, а також епохи Відродження й класицизму, що базувалося на античних традиціях. В широкому розумінні – найвищі художні досягнення мистецтва й культури різних народів. Ті твори, які зберегли естетичну цінність,значення досконалого художнього взірця, називають класичними. Традиції класичного мистецтва в різних країнах можуть бути різними. Це зумовлюється особливостями їхнього історичного та соціально-культурного розвитку.

КУБІЗМ (франц. – куб )- модерністська течія в образотворчому мистецтві I-ї чверті XX ст. Представники кубізму намагалися звести пластичне рішення художнього образу до комбінації геометричних фігур. Основоположники кубізму в живопису – французький художник П.Пікассо та Ж.Брак, у скульптурі українець О. Архипенко.

В кубістичному живопису у кожного знака – чуттєвий еквівалент у кожній клітинці полотна як загострене розуміння матеріальних якостей. Байдуже, що в цьому живописі образ предмета не тотожний побутовому, що й форма розбита, хоча і відчувається, ясно прочитується у горі просторових контрастів. Насправді зображення – це не реальність, яку можна помацати руками. Але це зображення предмета, відкритого художником у справжності його природи, істинності його будови і непорушності матеріальних законів.

НЕОІМПРЕСІОНІЗМ – течія в живописі, що виникла у Франції 1885 р. Її головні представники – Ж. Сера та П. Синяк. Прихильники цієї течії розвивали активістські тенденції імпресіонізму, прагнули використати в мистецтві відкриття в галузі оптики.

ПОСТІМПРЕСІОНІЗМ – ( від лат. – після і імпресіонізм )- умовна загальна назва одного з основних напрямів європейського живопису кін. 19- поч. 20 ст. Для постімпресіонізму характерний взаємовплив різних течій та індивідуальних творчих систем, до яких належать неоімпресіонізм , символізм, франц. варіант модерну. Серед представників належать П. Сезанн, В. ван Гог, П. Гоген, А. Тулуз-Лотрек.

РЕАЛІЗМ – об’єктивне правдиве відображення дійсності в мистецтві різними засобами з урахуванням специфіки різних видів художньої творчості. В образотворчому мистецтві реалізм в широкому розумінні є здавна притаманною йому об’єктивному художньою властивістю. В різні історичні епохи реалізм набуває конкретно-історичних рис, зумовлених рівнем розвитку суспільної й художньої свідомості.

СЮРРЕАЛІЗМ – один із напрямів авангардизму в художній культурі 20 ст. Виник у 20-х роках. Термін «Сюрреалізм» запровадив французький поет Г.Аполлінер. Естетична концепція сюрреалізму просочена ідеями інтуїтивізму і фрейдизму. Сюрреалізм поширився в образотворчому мистецтві. У 1925 р. в Парижі відбулася перша виставка художніх-сюрреалістів. Найяскравіший представник сюрреалізму - видатний іспанський живописець С.Далі.

ФУТУРИЗМ ( від лат. майбутнє) – загальна назва авангардистських художніх течій 1910-х – поч. 20-х років у деяких європейських країнах ( Італії,Росії та ін..). Їх прихильники висували ідеї створення «мистецтва майбутнього», заперечували художні традиції. Вони прагнули насаджувати ідеї урбанізму, фантастики , знаків і символів.

38