Методическая разработка «Метро глазами детей» к дополнительной образовательной программе по изодеятельности «Оранжевый енот»

Введение

В этом году Государственное учреждение культуры Дом культуры «Аструм» г. Москвы проводит фестиваль «Метро будущего глазами детей». Целью фестиваля является развитие детского творчества, совершенствование форм досуга, повышение квалификации преподавателей, обмен опытом работы творческих организаций.

Ребята задаются вопросом «Каким будет метро будущего?». Ведь «видоизменяться» метрополитен начал совсем недавно: Когда-то вход в московское метро стоил пятак. На каждой станции висел десяток железных ящиков, для монет. Затем появились жетоны, которые можно было приобрести в кассе. Следом разменные автоматы были выброшены и появились бумажные карточки, среди которых можно было выбрать карточку на нужное количество поездок. На смену им пришли карточки с магнитной полосой… Сейчас же, в планах Московского метрополитена строительство новых веток. Столичное метро окончательно выйдет за пределы МКАДа и будет продлено до городов – спутников Москвы.

Но ещё более волнительным аспектом для обучающихся моего кружка является вопрос «Как же будут выглядеть новые станции метрополитена?». На эту тему ребята очень много фантазировали и в процессе нашего с ними диалога, было выдвинуто много различных идей: Станции метро в виде подводного мира, где вагоны поездов выглядят как «зубастые акулы» или добрые дельфины, что очень верно подмечено, ведь они будут иметь «обтекаемые формы». Понятие обтекаемой формы наводит на размышления о скорости и прежде всего о современной форме. Обтекамые формы - термин широко известный в дизайне как стиль «Стримлайн». Для стилевого направления "Стримлайн" характерны плавные, каплевидные, аэродинамические формы. Оно возникло сначала в 20-е гг. в таких видах транспорта, как автомобильный, железнодорожный, авиация, отражая стремление авторов улучшить аэродинамические характеристики проектируемой формы нового высокоскоростного транспортного средства. В 30-е гг. промышленные дизайнеры следовали не столько функциональным основам образования формы, сколько стремились придать предметам домашнего потребления элегантный внешний вид, придав формам динамику нового века, века скоростей, и сделать их в итоге более привлекательными для потребителя.

Стремление ребят фантазировать, создавать, строить, дискуссировать, размышлять на серьёзные темы о дизайне, проведение фестиваля в совокупности натолкнуло меня на мысль о создании цикла занятий посвященных дизайну будущего.

Методическая разработка «Метро будущего глазами детей» создавалась в рамках дополнительной образовательной программы по изобразительному искусству для детей 11-13 лет. Цикл состоит из пяти занятий и рассчитан на детей, которые уже занимаются в изостудии и умеют: умело сочетать цвета, строить перспективу, компоновать предметы на листе.

На занятиях обучающиеся познакомятся с историей возникновения метрополитена; сравнят зарубежный метрополитен с отечественным; освоят новые техники в рисунке. Все занятия построены по принципу «от простого к сложному».

Цель цикла занятий:

- Создать новый неповторимый образ метро.

Развитие у обучающихся готовности к решению творческих задач, в результате которой будет создан новый неповторимый образ метро

Задачи цикла занятий:

- Познакомить обучающихся с историей возникновения метро;

- Освоить новые техники рисунка (граттаж, тушь и перо, пастель);

- Способствовать развитию у обучающихся воображения,

- Способствовать воспитанию у обучающихся гордости за богатое наследие станций отечественного метрополитена.

Цикл занятий:

1. Знакомство с историей Метрополитена. Клаузура.

2. Роспись вагона. Техника пастели.

3. История возникновения зарубежного метро. Техника аппликации.

4. Архитектурные конструкции (Эстакада, монорельс). Техника граттаж.

5. Пленер. Тушь и перо.

Занятие №1. «Знакомство с историей Метрополитена. Клаузура.»

Цель: Познакомить обучающихся с историей возникновения отечественного Метро.

Задачи: Изучить основные декоративные элементы, украшающие станции. (Колоны, пилястры, рельефы и т.д.) Научить составлять многопредметные композиции. Научить выбирать из множества вариантов эскизов наиболее удачные.

Оборудование: клеёнка, лист А2, карандаш, ластик, акварельные карандаши, кисти, фломастеры, маркеры.

Содержание занятия:

1. Организационный момент. Педагог приветствует воспитанников. Ребята готовятся к занятию.

2. Предварительная беседа. Педагог выясняет у обучающихся, кто из них пребывал в Москве или Санкт – Петербурге и пользовался метро. Рассказывает о Волгоградском метротраме.

3. Объяснение темы. (Иллюстрации в приложении №1)

Метрополите́н (от фр. métropolitain, сокр. От chemin de fer métropolitain — «столичная железная дорога»), метро́ (фр. métro,англ. underground, амер. англ. subway) — в традиционном понимании городская железная дорога с курсирующими по ней маршрутными поездами для перевозки пассажиров, инженерно отделённая от любого другого транспорта и пешеходного движения (внеуличная). В общем случае метрополитен — любая внеуличная городская пассажирская транспортная система с курсирующими по ней маршрутными поездами. Движение поездов в метрополитене регулярное, согласно графику движения. Метрополитену свойственны высокая маршрутная скорость (до 80 км/ч) и провозная способность (до 60 тыс. пассажиров в час в одном направлении).

Моско́вский метрополите́н — метрополитен в Москве и частично в Московской области. Является рельсовым внеуличным (преимущественно подземным) городским общественным транспортом на электрической тяге, исторически первым и крупнейшим метро в СССР. В мире данная система метро — четвёртая по интенсивности использования (после метрополитенов Токио, Сеула и Пекина). Московское метро известно также богатой отделкой ряда станций образцами искусства эпохи социалистического реализма.

Первая линия открылась 15 мая 1935 года и шла от станции «Сокольники» до станции «Парк культуры», с ответвлением на «Смоленскую». Метрополитен первоначально носил имя Л. М. Кагановича. С 1955 года метрополитен носит имя В. И. Ленина. Эксплуатацию метрополитена осуществляет ГУП «Московский метрополитен».

Система состоит из 12 линий (включая линию лёгкого метро) общей протяжённостью 313,1 км (в двух путном исчислении). В московском метро 88 станций, 44 из которых признаны объектами культурного наследия До 2020 года по планам правительства Москвы будут построены ещё 64 станции, а протяжённость подземки возрастёт на 137км.

При проектировании линий московской подземной железной дороги за образец принималась модель Лондонского метро с платформой в центре зала, между путями, но по указанию Сталина московское метро должно было отличаться от западного своим роскошным «имперским» стилем. В то время как в СССР вовсю шло разрушение православных храмов, там же под землей возводились настоящие дворцы – символы нового культа. Над обликом московского метро трудились лучшие архитекторы и художники того времени. В результате каждая станция, построенная в 30-е годы, стала произведением искусства.

Например, «Кропоткинская» восхищает своей строгой простотой и в то же время изяществом. Подземное пространство станции по замыслу архитектора Алексея Душкина напоминает знаменитый древнеегипетский храм Амона в Карнаке с колоннами, подобными цветку Лотоса. Говорят, что когда один из членов Политбюро Л. Каганович, отвечавший за строительство метро, узнал об этом сходстве, он был крайне возмущен. Однако Душкин успокоил его: «У них дворцы для фараонов, а у нас - для народа!». Проект «Кропоткинской» был удостоен Государственной премии СССР в 1941 и "Гран-При" на Брюссельской выставке в 1958 году. В настоящее время станция охраняется "ЮНЕСКО" как мировой памятник архитектуры.

Станция «Комсомольская-кольцевая» - признанный шедевр мирового метростроения. Главным архитектором «Кольцевой» был академик Алексей Щусев, спроектировавший Мавзолей Ленина на Красной площади. Но в свое время он проектировал храмы и в оформлении этой станции использовал элементы православной архитектуры. Белые своды путевых тоннелей украшены лепниной без каких-либо цветовых излишеств, таким образом внимание пассажиров сосредотачивается на центральном своде. По его продольной оси расположено 8 гигантских мозаичных панно. «Комсомольская» была первой станцией, при оформлении которой использовалась техника античной и византийской мозаики: панно составлялись не только из кусочков разноцветного стекла - смальты, но и из маленьких гранитных и мраморных камешков. Все панно обрамлены лепными орнаментами, стилизованными в духе русской православной архитектуры.

Станция «Маяковская» - жемчужина Московского метрополитена, которой невозможно не восхищаться, даже если видишь ее каждый день. «Маяковская» - вторая после «Кропоткинской» станция, созданная архитектором Алексеем Душкиным и также признанная памятником архитектуры мирового значения. Здесь, впервые вместо массивных пилонов, держащих свод, были использованы тонкие и хрупкие на вид колонны. Это был чрезвычайно смелый по тем временам архитектурный замысел, о котором зарубежные специалисты отзывались коротко: «невозможно». В результате «Маяковская» стала первой в мире станцией глубокого заложения с колоннами.

Московское метро поражало воображение и вызывало восторженные отклики. Побывавший в СССР французский романист и летчик Антуан де Сент-Экзюпери писал: «Кажется, народ, который в таком сооружении, как метро, придает большое значение роскоши и свету, создавая, таким образом, нечто не только полезное, но и приятное, уже построил самое главное и уверен в своем будущем». С имперским стилем покончил пришедший на смену Сталину Никита Хрущев, который развернул борьбу за экономию. Именно тогда появились типовые станции с невыразительной архитектурой. Но времена меняются. Строятся новые станции и на их оформление не жалеют денег. Примером тому служат мозаики второго вестибюля «Маяковской» и недавно открытая станция «Славянский бульвар».

1. Самостоятельная работа.

Дети делят лист формата А2 пополам и одну часть на 4 равных. В этих 4-х частях начинается работа над клаузурой (эскиз, набросок идеи (первоначального замысла), решения архитектурной задачи.). В работе используются различные материалы: карандаши, фломастеры. Ребята стараются повторить запомнившиеся им архитектурные элементы (лепнину или рельефы) по памяти!!! Выбрав вместе с педагогом из 4 вариантов наиболее удачный, переносят его на 2-ю половину листа и детально прорабатывают.

1. Подводим итоги.

В конце занятия проводится «Мини-выставка». Идёт обсуждение работ: понравилось ли обучающимся выполнять задание, что понравилось выполнять на занятии, что вызвало затруднение, что можно доработать.

Занятие №2. «Роспись Вагона. Техника пастели.»

Цель: Познакомить обучающихся с различными народными орнаментами.

Задачи: Научить работать с мягкими материалами (Пастель, уголь или сангина). Научить создавать законченные композиции из орнаментов русских народных промыслов.

Оборудование: клеёнка, лист А3, карандаш, ластик, гуашь, пастель, уголь, тонированная бумага кисти, сангина, лак для волос.

Содержание занятия:

1. Организационный момент. Педагог приветствует воспитанников. Ребята готовятся к занятию.

2. Предварительная беседа. Педагог выясняет у обучающихся, какие узоры они уже знают. Предлагает украсить орнаментом народных промыслов вагоны в метро.

3. Объяснение темы. (Иллюстрации в приложении №2)

В Московском метрополитене существует традиция создания именных поездов. На 1 августа 2012 года в эксплуатации находятся восемь таких составов:

• «Народный ополченец», посвящённый ветеранам Великой Отечественной войны, работавшим в метро и метрострое. Ходит по Замоскворецкой линии.

• «Курская дуга», оформленный в память об участии бронепоезда «Московский метрополитен» в Курской битве. Ходит по Сокольнической линии.

• «Красная стрела — 75 лет», пущенный в честь 75-летия фирменного поезда «Красная стрела», оформлен по заказу ОАО «РЖД». Ходит по Сокольнической линии. (Повреждённый в результате теракта 29 марта 2010 г вагон заменён на новый. Сам повреждённый вагон стоит в депо, в качестве вещественного доказательства для следствия. Поезд снова пущен в эксплуатацию в мае 2010.)[источник не указан 421 день]

• «Акварель», поезд-галерея с репродукциями картин был создан по инициативе Сергея Андрияки. Экспозиция в поезде меняется раз в год: творчество школы акварели Сергея Андрияки, акварельных шедевров Русского музея, музея изобразительных искусств имени А.С.Пушкина, Вятского музея им. братьев Васнецовых. Ходит по Арбатско-Покровской линии.

• «Читающая Москва», оформленный цитатами и иллюстрациями из произведений классиков отечественной и зарубежной литературы. Ходил по Кольцевой линии до 1 февраля 2012 года, ныне находится в ТЧ-7 «Замоскворецкое» и обслуживает Каховскую линию.

• Ретропоезд «Сокольники». Стилизован под первый поезд Московского метрополитена, который состоял из вагонов типа А. Ходит по Сокольнической линии.

• «Поэзия в метро» курсирует по Филёвской линии с 17 ноября 2010 года. Он призван знакомить пассажиров метро с поэтами разных стран мира. Первая подборка стихов посвящена творчеству пяти знаменитых чилийских поэтов, в 2011 посвящен поэтам Италии. С 1 декабря 2011 года курсировал по Арбатско-Покровской линии. 10 марта 2012 года возвращён на Филёвскую линию.

• «175 лет железным дорогам России», оформленный в стиле фирменных цветов Российских железных дорог и посвящённый истории, современному состоянию и перспективам железнодорожного транспорта России. Ходил по Кольцевой линии с 1 августа по 1 декабря 2012 года, после чего перекрашен в обычный состав.

Орнаменты. Народные русские промыслы:

Народные художественные промыслы восходят к древности, к домашним промыслам и деревенскому ремеслу. Позже образовались работающие на рынок кустарные промыслы, а также частные мастерские, вовлечённые в систему капиталистического рынка и нередко не выдерживавшие конкуренции фабричных товаров. В конце XIX — начале XX вв. во многих странах началось возрождение народных художественных промыслов, в том числе и в России. В нашей стране существует специальная государственная программа по поддержке и возрождению исконно русских народных промыслов, в их числе: Хохлома, Гжель, Жостовские подносы, Береста, шкатулки Федоскино, Самовары, Балалайки, Городецкой росписи.

Хохлома

На реке Узоле, в древних заволжских лесах раскинулись старинные русские деревни - Новопокровское, Хрящи, Кулигино, Сёмино. Отсюда и ведет свою историю известный во всем мире хохломской промысел. В этих деревнях и поныне живут мастера-художники, которые расписывают деревянную посуду, продолжая традиции отцов, дедов и прадедов.

Однако установить время появления хохломской росписи исследователям пока не удалось. Ведь деревянную посуду и другую утварь долго не хранили. От частого применения она изнашивалась, приходила в негодность. Её выбрасывали или сжигали, заменяя новой. До нас дошли изделия хохломских мастеров в основном лишь XIX века. Но различные документальные сведения указывают на то, что промысел зародился в более раннее время, возможно в XVII веке.

Характерная для хохломы оригинальная техника, где роспись киноварью и черной краской исполнялась по золотому фону, находит аналогии в древнерусском искусстве.

В документах есть упоминание о том, что в конце XVI и начале XVII века в Троице-Сергиевой лавре при торжественном приеме гостей им подносили деревянные ковши, украшенные золотом и киноварью, а также кубки.

В начале XVII века к Троице-Сергиевой лавре были приписаны заволжские земли, среди которых находилась и Хохлома. Крестьяне не только видели эту золоченную посуду, но и могли знать способ её окраски. Но у хохломских мастеров был свой способ “золочения”. Посуду натирали оловянным порошком, покрывали олифой и нагревали в резные позолоченные печи. Олифа от высокой температуры желтела, а олово, просвечивающее сквозь неё, становилось золотом.

Один из лучших мастеров хохломской росписи так говорил об этом промысле: (Самый характер росписи, подражающий золотой и серебряной посуде был подсказан декоративным искусством Древней Руси... Хохлома, вероятно, была лишь поздним отражением этого большого искусства...)

В XIX веке промысел настолько разросся, что поставлял свой товар в большом количестве не только на внутренний рынок, но и за границу в страны Средней Азии и Западной Европы. Изготовлением посуды и других предметов быта занималось сразу несколько деревень Семеновского и Балакнинского уездов Нижегородской губернии, Макарьинского и Варнавинского - Костромской. Среди них было что-то типа разделения труда. В одной деревне обрабатывалось дерево, в другой - наносился рисунок.

Самые ранние произведения хохломы в собрании Русского музея относятся ко второй половине XIX века. Они насчитывают около 170 разнообразных по назначению предметов быта. Посуда представлена мисками и чашками любых размеров: от маленьких, похожих на десертные розетки, до огромных 70-80 сантиметров в диаметре; различными поставцами и бочатами солонками и множеством ложек.

Дешевую обиходную посуду можно было отличить по простым узорам, нанесённым специальными штампиками из фетровой ткани или гриба-дождевика. Это спирали, ромбики, мелкие розетки и листики.

Более дорогие вещи расписывали кистью от руки, создавая различные композиции травного орнамента, где ритмично сочетаются слегка изгибающиеся тоненькие красненькие и черные веточки с пышными перистыми листьями-травинками.

Иногда красно-черная пушистая травка дополняла основной орнаментальный мотив вьющегося крупного стебля, каждый завиток которого заканчивался красной ягодкой.

В 1960-е годы стали выполнять многопредметные наборы и сервизы.

Современная хохлома по праву получила широкое признание не только в нашей стране, но и далеко за её пределами. Украшенные яркой росписью столовые наборы, чашки, ложки, мебель экспонируется на многих крупнейших международных выставках. И всегда это неповторимое жизнерадостное искусство находит любовь и понимание людей всех национальностей.

Жостово

Есть в Подмосковье деревня Жостово, жители которой уже более полутора веков владеют мастерством украшения всего одной вещи - подноса. Под кистью народных живописцев этот предмет обрёл качества художественного произведения. Собранные в букеты или вольно раскинувшиеся на блестящем черном фоне садовые и полевые цветы украшают поднос и несут людям чувство радости души, поэзию вечного цветения природы. Ведь вряд ли найдется человек, не любящий природу, равнодушный к цветам, их красоте, аромату, заключенной в них великой силе жизни. Эта тема близка каждому, поэтому так много почитателей жостовского таланта не только в нашей стране, но и за рубежом.

А когда-то, в начале XIX века, открывая в Жостове первую мастерскую по производству изделий из папье-маше, купец Филипп Никитич Вишняков и не подозревал, что основал новый промысел, которому суждено будет со временем войти в число уникальных очагов русской народной культуры. Здесь сложилось самобытное искусство декоративной живописи, вобравшей в себя традиции народных росписей на бытовых предметах и станкового живописного натюрморта, по-своему понятого и переработанного народными мастерами. Первые подносы изготовлялись из папье-маше, как и выпускающиеся вместе с ними коробочки, табакерки, марочницы и шкатулки. Поначалу и украшавшая их живопись была одинаковой - пейзажи, писанные с гравюр и картин, летние и зимние тройки коней, чаепития за столом. Помещённые на черном фоне в центре поля хорошо читались силуэтами фигур, локальными цветовыми пятнами. 

В 1830-е годы подносы в Жостове стали делать из металла. На мысль о замене папье-маше на более прочный материал Жостовцев навели подносы Нижнего Тагила, знаменитого ещё в XVIII веке центра их производства. В XIX веке в Тагиле делали подносы, украшенные растительным орнаментом, характерным для предметов уральской народной расписной утвари.

Другим известным центром производства подносов стал Петербург. Здесь были в моде подносы фигурных форм, сложного рисунка, изображавшей цветы, фрукты, птиц среди различных раковин и прихотливых завитков.

Жостовские мастера учли опыт живописцев Нижнего Тагила и Петербурга, но не просто использовали понравившиеся стили и приёмы, а создали на их основе свой собственный неповторимый стиль и характер украшения подносов. Он сложился в 1870 - 1880-е годы.

В это время увеличился спрос на подносы в городах. В трактирах, в питейных заведениях и гостиницах подносы использовались по прямому их назначению, и как украшение интерьера. Подносное производство в Жостове постепенно отделилось от лаковой миниатюры на папье-маше. Возникло немало мастерских, производивших подносы на продажу в Москве, в Петербурге и других местностях. С тех пор и поныне Жостово и окрестные деревни являются своего рода заповедниками этого уникального искусства.

Коллекция жостовских подносов в Русском Музее невелика. Но в ней есть первоклассные произведения, исполненные в разные периоды жизни промысла и наглядно отражающие особенности и уровень искусства своего времени.

К числу самых известных произведений принадлежит овальный поднос, украшенный живописью по перламутру.

Почти на каждом старинном подносе стоит клеймо мастерской, в которой он был выполнен. Из этого клейма можно узнать имя хозяина мастерской, а по ней определить время создания подноса.

Гжель

На удалении 50-60 километров к северо-востоку от Москвы, в Раменском районе, вдоль Егорьевского шоссе расположены два десятка слившихся между собой красивых сёл и деревень.

Гжель - название одного из сёл - бывшего волостного центра, ставшего собирательным для всей округи, символом неповторимого искусства и народного мастерства. Гжелью называют выпускаемые в этих местах высокохудожественные фарфоровые изделия, расписанные кобальтом по белому фону.

Гжель впервые упоминается в письменных источниках в 1339 году в духовной грамоте Ивана Даниловича Калиты. С тех пор на протяжении столетий, как одна из наиболее прибыльных волостей, переходила Гжель по наследству в роду великих московских князей и царей, принося им немалый доход.

Ещё в XVI веке гжельцы возили в Москву излишки бытовой посуды, а также в Яузскую слободу московским гончарам свою глину, некоторые оставались там и работать. Выезжали они и на московские ярмарки и торги. Знакомились на торгах с привозными изделиями мастеров из других мест России, из других стран.

На базе крестьянских промыслов и торговли постепенно складывался новый тип крестьянского населения Гжели.

70 - 80 годам XVIII века Гжель становится центром производства в России художественной майолики. Дело в том, что со времени открытия мануфактуры Афанасия Гребенщикова в 1724 году многие гжельцы работали там гончарами. Смекалистые и расторопные, они быстро схватывали секреты нового производства майоликовых изделий, а возвращаясь на родину, заводили свои примитивные, но многочисленные новые горны, создавали свои изделия не только из обычных красных глин, как раньше, а использовали по новой технологии белые массы с примесями других сортов глин и минеральных добавок.

Самобытные гжельские изделия пользовались неизменным спросом. Крестьяне-кустари трудились от зари до зари, имея дело с глиной и творя из неё необходимые в быту вещи. Каждый из них имел свою манеру, и создавая изделия, вносил собственное видение окружающего мира. Достоинство посуды, игрушек определялось вкусами покупателей и управлялось их спросом. Популярность гжельских изделий означала соответствие их требованиям, отвечающим утилитарным целям и художественным вкусам людей того времени. В середине XVIII века в России довольно быстро начали развиваться гончарные производства, однако гжельские изделия пользовались неизменным спросом. Отсюда производство керамики распространяется в Коломенской, Серпуховской и другие уезды Московской губернии.

Конец XVIII века явился временем расцвета гжельской майолики; особенно большого искусства местные мастера достигли при изготовлении кувшинов, кумганов, квасников. Работа требовала большого терпения и искусства. Роспись не допускала поправок и переделок, так как велась по мягкому, не обожжённому черепку, покрытому белой эмалью. Гжельцы выпускали отдельно и мелкую майоликовую пластику, которая часто отражала типичные сценки их жизни, наполненные юмором композиции, солдат, крестьянок, модниц и франтов, занятых теми или иными делами. Сюжеты были выразительны и доходчивы, покоряли ясностью замыслов, наивностью их создателей - простых народных умельцев.

В течение многих десятилетий гжельцы создавали изумительные по красоте и разнообразию росписи изразцы для оформления печей и каминов. Свыше 500 их образцов хранит теперь в своей коллекции Эрмитаж.

Многие гжельские мастера участвовали создании гончарного промысла и в других местах России.

Полуфаянс Гжели пытались делать ещё в последние годы XVIII века. Завозимые из-за границы предметы из этого материала были настолько дороги, что их могли купить только немногие, но они же невольно толкали гжельцев овладеть технологией их производства.

Полуфаянс уже имел белый, хотя и толстый черепок, и роспись велась не по сырой эмали, как на майоликовых изделиях, а после обжига, по твердому черепку, что значительно облегчало, ускоряло работу и ускоряло брак.

Полуфаянс стал таким же замечательным художественным явлением, как и майолика. Гжельцам удалось получить белую посуду белую, наподобие фаянса в начале XIX века. Добавив в свои глины известь, гжельцы получили материал, названный простым фаянсом или полуфаянсом, и в течение XIX века создавали из него десятки тысяч необходимых предметов быта.

Не сразу гжельцы выработали свой самобытный стиль росписи кобальтом, но постепенно он достиг совершенства именно в полуфаянсе. Синий цвет становится классическим, неотделимым от гжельского полуфаянса. Это был новый изобразительный живописный язык, пришедший на смену контурному рисунку с полихромной раскраской, какая ранее использовалась в майолике. Синяя краска лучше всего соединяется с глазурью, при обжиге даёт меньше брака, излучает сияние, не подвластное времени. В росписи присутствуют и элементы очеловечения, одухотворения вещей.

К середине XIX века Гжель являлась самым крупным поставщиком керамических изделий страны.

Во второй половине XIX века в русском керамическом производстве происходят значительные сдвиги. Лидируют теперь крупные механизированные заводы. Экономичность производства, добротность изделий и умеренность цен давали возможность выиграть борьбу на рынках сбыта.

В 1926 году число работающих в фарфорово-фаянсовой промышленности по Гжельской области составляло 506 человек.

Товарищество Гжель создано в результате объединения шести мелких цехов разных деревень в 1972 году.

В деревне Жирово выпускают керамические камины, В деревнях Трошково и Фенино - гончарную и майоликовую посуду. В деревне Фенино совместно с итальянской фирмой создаётся производство по выпуску изразцов и плитки. В деревне Коломино - Фрязино делают фарфоровые игрушки, а современные производства в д. Турыгино и Бахтеево - главные центры производства художественного фарфора.

Гжельские мастера глубоко и свято хранят традиции своих предков, творчески их развивают и приумножают. В полусказочном мире, создаваемом мастерами - керамистами нынешней Гжели, трудно провести четкую границу между искусством прошлого и настоящего. Не иссякает родник, возникший столетия назад в душе русского народа; пройдя через толщу веков, он по- прежнему остаётся могучей эстетической силой и не теряет своей чистоты. В преемственности традиций народных мастеров, верности им и находится зерно успеха и популярности гжельской керамики в наше время.

История Гжели уходит вглубь веков, и её народному искусству суждена долгая жизнь, сегодня знаменитый народный промысел набирает новые силы. В разные концы планеты улетают синие птицы Гжели, чтобы украшать быт людей, воспитывать чувство прекрасного.

Городецкая роспись по дереву, традиционный художественный промысел, получивший развитие в середине 19 века в деревнях по реке Узоле в окрестностях Городца Нижегородской области.

Возникновение росписи берет начало в производстве Городецких прялочных донец, инкрустированных мореным дубом и украшенных контурной резьбой. В отличие от широко распространенных прялок, вытесанных из единого деревянного монолита, Городецкие прялки состояли из двух частей: донца и гребня. Донце представляло собой широкую доску, суживающуюся к головке с «копылком» пирамидальной формы, в отверстие которого вставлялась ножка гребня. Когда на прялке не работали, гребень вынимался из копылка, и донце вешалось на стену, становясь своеобразным декоративным панно.

В середине прошлого века мастера стали оживлять инкрустированные донца сначала только подкраской фона, затем резьбы, а впоследствии и введением красочных сюжетных рисунков. Самое раннее подобное донце, сохранившееся до наших дней, было изготовлено мастером Лазарем Мельниковым в 1859 году. Постепенно роспись, технологически более простая, окончательно вытеснила трудоемкую инкрустацию.

В роспись Городецкие мастера перенесли не только сюжеты, ранее используемые в инкрустации, но и обобщенную трактовку образов, подсказанную приемами резьбы. В росписи использовались яркие сочные краски красного, желтого, зеленого, черного цветов, замешанные на жидком столярном клее. Со временем ассортимент расширился; помимо традиционных прялочных донец стали изготовлять и расписывать короба-мочесники, деревянные игрушки, мебель, даже части дома ставни, двери, ворота. В 1880 году в промысле было задействовано около 70 человек из семи соседних деревень. В числе старейших мастеров, ставших зачинателями Городецкой росписи, сохранились имена братьев Мельниковых и Г. Полякова, позже к ним присоединились живописцы, сохранившие секреты промысла в начале 20 века И. А. Мазин, Ф. С. Краснояров, Т. Беляев, И. А. Сундуков.

Постепенно выработались самобытные приемы Городецкой росписи, по своей многоэтапности близкие к профессиональной живописи. Первоначально производится окраска фона, которая является и грунтовкой. По цветному фону мастер делает «подмалевок», нанося крупной кистью основные цветовые пятна, после чего более тонкими кистями моделирует штрихами форму. Заканчивает роспись «разживка» белилами и черным цветом, объединяющая рисунок в одно целое. Готовый сюжет обычно заключают в графическую рамочку или обводку. В Городецкой росписи существует много простейших орнаментальных мотивов розы-купавки, бутоны, травки. С развитием промысла значительно обогатились и сюжеты росписи, заимствованные, видимо, из лубочных картинок. Помимо традиционных коней появились чаепития, гулянья, сценки из городской жизни, персонажи народных сказок, батальные сцены, навеянные Русско-турецкой войной. Городецкий промысел просуществовал около пятидесяти лет. Его расцвет приходится на 1890-е годы, когда выработка донец доходила до 4 тысяч в год, но уже к началу 20 века промысел пришел в упадок. После I мировой войны расписное производство полностью прекратилось, и даже самые знаменитые живописцы были вынуждены искать иной заработок.

Возрождение Городецкой росписи связано с именем художника И. И. Овешкова, приехавшего в Горьковскую область в 1935 году из Загорска. Его стараниями в деревне Косково была открыта общественная мастерская, объединившая старых живописцев. Овешков принял на себя не только руководство работой мастерской, но и организовал профессиональное обучение художников. При его непосредственном участии началось расширение ассортимента расписных изделий шкатулки, настенные шкафчики для посуды, детские стульчики, складные ширмы. В 1937 году Городецкие мастера участвовали в выставке «Народное творчество», проходившей в Третьяковской галерее в Москве, где рядом с донцами 19 века демонстрировались современные изделия. В 1951 году в селе Курцево была открыта столярно-мебельная артель «Стахановец», которую возглавил потомственный Городецкий живописец А. Е. Коновалов. Артель занялась изготовлением мебели с мотивами традиционной росписи шкафов, тумбочек, табуретов, столиков; ассортимент постоянно расширялся. В 1960 году артель преобразовалась в фабрику «Городецкая роспись». В настоящее время фабрика выпускает расписные игрушки-качалки, детскую мебель, декоративные панно, блюда, токарную посуду. Хотя изменилось функциональное назначение Городецких изделий, в их росписи сохранились традиционные мотивы и образы, длинноногие кони, всадники, волшебные птицы, цветы-купавки.

1. Самостоятельная работа. Обучающиеся тонируют бумагу с помощью гуаши или берут готовый лист. Светлой пастелью лёгкими линиями набрасывают рисунок. Затем начинают работать в цвете.

2. Подводим итоги. В конце занятия проводится «Мини-выставка». Идёт обсуждение работ: понравилось ли обучающимся выполнять задание, что понравилось выполнять на занятии, что вызвало затруднение, что можно доработать.

Занятие №3. «История возникновения зарубежного метро. Техника аппликации.»

Цель: Сравнить внешний облик зарубежного Метрополитена и отечественного.

Задача: Научить работать с подручными материалами (вырезки и цветные статьи журналов). Способствовать развитию у обучающихся пространственного мышления.

Оборудование: клеёнка, лист А3, карандаш, ластик, клей ПВА, старые журналы, ножницы, маркеры.

Содержание занятия:

1) Организационный момент. Педагог приветствует воспитанников. Ребята готовятся к занятию.

1. Предварительная беседа. Педагог выясняет у обучающихся, в каких городах зарубежных стран есть Метрополитен. Какие необычные станции метро они знают.

2. Объяснение темы. (Иллюстрации в приложении №3)

Дубай

Дизайн станций поражает необычностью: они выполнены в виде раковины, что указывает нам на наследие и традициях ОАЭ связанных с нырянием за жемчужинами. Каждая станция метро выполнена в определенном мотиве стихий природы - воздуха, воды, огня и земли.

Стокгольм

При строительстве метро в Стокгольме дизайнеры решили долго не мучиться и оставили все как есть. Прочные скальные породы оставили практически без изменений, и станции метро больше напоминают не современное средство передвижения, а древние пещеры! Более того, чтобы усилить эффект древности и первозданности, дизайнеры оформили стены скал пещерными рисунками.

Шанхай

Шанхайский туристический подземный тоннель - это, безусловно, один из самых сюрреалистических и психоделических видов городского транспорта в мире. Только представьте себе - путешествие в 647 метров в стеклянном вагоне по мигающему тоннелю.

Чикаго

Самая красивая станция метро в чикагском метрополитене - это станция О'Хара, которая ведет людей прямо в одноименный аэропорт. Изогнутые стены из разноцветного стекла, лестницы и эскалаторы имитирующие фюзеляж самолета - все это придает особую оригинальность станции О'Хара.

1. Самостоятельная работа.

Обучающиеся рисуют эскизы, выбирают наиболее удачный вариант и переносят его на формат А3. Затем режут на кусочки журналы и составляют композицию, вспоминая законы сочетания цветов по тону, по контрасту.

1. Подводим итоги.

В конце занятия проводится «Мини-выставка». Идёт обсуждение работ: понравилось ли обучающимся выполнять задание, что понравилось выполнять на занятии, что вызвало затруднение, что можно доработать.

Занятие №4. «Архитектурные конструкции (Эстакада, монорельс). Техника граттаж»

Цель: Познакомить обучающихся с архитектурными конструкциями.

Задачи: Научить работать в технике «Граттаж»( Граттаж (от фр. Gratter — скрести, царапать) — способ выполнения рисунка путём процарапывания пером или острым инструментом бумаги или картона, залитых тушью. Другое название техники — воскография. Произведения, выполненные в технике граттажа, отличаются контрастом белых линий рисунка и чёрного фона и похожи на ксилографию или линогравюру).

Оборудование: клеёнка, лист А3, карандаш, ластик, акварельные краски, гуашь, клей ПВА, кисть для клея, игла, кисти, кусочек свечи.

Содержание занятия:

1. Организационный момент. Педагог приветствует воспитанников. Ребята готовятся к занятию.

2. Предварительная беседа. Педагог выясняет у обучающихся, знают ли они станцию метро «Комсомольская» в г. Волгограде, где они могли наблюдать инженерные конструкции.

3. Объяснение темы. (Иллюстрации в приложении №4)

Эстака́да (фр. estacade) — протяжённое инженерное сооружение, состоящее из ряда однотипных опор и пролётов, предназначенное для размещения дороги выше уровня земли с целью обхода занятых земель (чаще всего в городах) или транспортных потоков. Эстакады зачастую используют в качестве эстакадного подъезда к пролёту моста, а иногда для отделения автомагистрали от городской инфраструктуры (зачастую в метро). Эстакады часто являются элементами других транспортных сооружений: пандуса, речных мостов, многоуровневых подъездных путей. Используются также как специальное вспомогательное приспособление, помост на сваях. Изначально использовались как сооружения, позволявшие существенно облегчить процесс погрузки-выгрузки груза на судах.

Монорельс (устар. однорельсовая железная дорога) — разновидность рельсового транспорта. Хотя формально под выражением монорельс понимается железная дорога, в которой используется один несущий рельс, в отличие от обычной железной дороги, где их два, в существующей практике под монорельсом понимаются различные формы внедорожного транспорта, где рельса как такового может и не быть вообще. Как правило, монорельсом называется любая форма эстакадного транспорта, где подвеска выполнена нетрадиционным способом — то есть без двух несущих рельсов.

Первый монорельс в мире появился в 1820 году в России. Тогда житель села Мячково в Подмосковье Иван Эльманов построил «Дорогу на столбах» — по верхнему продольному брусу катились вагонетки, которые тянули лошади.

Немногим позже, независимо от русского изобретателя, монорельс схожей конструкции был изобретён в Великобритании Генри Робинзоном Пальмером. Он запатентовал своё изобретение 22 ноября 1821 года. В 1824 году в Великобритании был построен первый действующий монорельс. Он использовался на военно-морской верфи исключительно для перевозки грузов.

Первый пассажирский монорельс в мире был открыт 25 июня 1825 года. Он был устроен по принципу Пальмера.

В общем в конце XIX века монорельс был частым гостем на разнообразных выставках. В 1872 году монорельс на кабельной тяге демонстрировался в Лионе, в 1891 году в Сент-Луисе демонстрировался монорельс с вагонами наподобие трамвайных.

В то же время создание действующего, работоспособного монорельса оказалось гораздо более сложным делом. В XIX веке было создано огромное количество конструкций монорельса, но большинство из них так и остались на бумаге, а те, которые были реализованы, не отличались долголетием. В 1878 году начал действовать паровой монорельс, соединяющий Брадфорд и Гилмор (Пенсильвания). Его длина составляла 6,4 км. Этот монорельс создавался для перевозок промышленного оборудования, но он также перевозил пассажиров. Брадфордский монорельс закрылся вскоре после случившейся 27 января 1879 года серьёзной катастрофы, когда погиб машинист монорельса и три его пассажира.

После этого в течение примерно полувека ничего нового в области строения монорельса не происходило. Попытки создать работоспособный монорельс, теперь уже на паровой тяге, возобновились в конце XIX века. Известно, что в 1872 году на политехнической выставке в Москве демонстрировался участок монорельсовой дороги конструкции инженера Лярского. В 1876 году паровой монорельс демонстрировался на выставке Centennial Exposition в США. Длина трассы монорельса составляла 170 ярдов (около 150 м). С развитием электротехники на монорельсах стали использовать электрический привод. Одна из первых электрических монорельсовых дорог, известная как Enos Electric Railway, была построена в 1887 году в Гринвилей, Нью-Джерси.

Как уже было указано выше, несмотря на активные поиски, создать монорельс, способный быть полноценным транспортным средством, в XIX веке так и не удалось. Единственный успешный монорельс той эпохи — построенный в Ирландии в 1888 году монорельс, соединявший Баллибунион и Листоуэл. Он просуществовал до 1924 года. Однако распространения эта конструкция не получила.

Первые монорельсы на конной тяге были подвесными. Паровые монорельсы имели своеобразную полуподвесную конструкцию: состав опирался на несущий рельс, стабильность обеспечивалась боковыми направляющими рельсами. Поперечный разрез такого пути напоминал букву «А», где верхняя точка соответствует несущему рельсу, а точки соединения боковых сторон и поперечной перекладины — направляющим. С появлением электрических монорельсов снова стала использоваться подвесная компоновка.

Однако предлагались и более необычные конструкции. В 1894 году в США была построена монорельсовая железная дорога Boynton Unicycle Railway. На этой дороге поезд опирался на один несущий рельс, сверху же проходил поддерживающий деревянный рельс. Основным недостатком такой дороги было то, что на поворотах из-за инерции («центробежной силы») на поддерживающий рельс действовали высокие силы.

1. Самостоятельная работа.

Обучающиеся наносят на лист бумаги акварель, делая мягкие переходы. Разводим клей ПВА с черной гуашью. Лист тщательно натираем свечой, затем наносим клей с гуашью. Как только лист высох – приступаем к работе, с помощью иголочки наносим рисунок.

1. Подводим итоги.

В конце занятия проводится «Мини-выставка». Идёт обсуждение работ: понравилось ли обучающимся выполнять задание, что понравилось выполнять на занятии, что вызвало затруднение, что можно доработать.

Занятие №5. «Итоговое занятие. Тушь и перо»

Цели: Подвести итог цикла занятий.

Задачи: Научить работать тушью и пером. Закрепить знания об истории Метрополитена.

Оборудование: Клеёнка, лист А3, тушь, перо.

Содержание занятия:

1. Организационный момент. Педагог приветствует воспитанников. Ребята отправляются на «пленэр» изображать городской пейзаж. Проводится инструкция по технике безопасности при проведении пленера.

2. Предварительная беседа. Обучающиеся рассказывают педагогу, что нового они узнали о Метрополитене – Российском и зарубежном.

3. Объяснение темы. Работа с тушью и пером. Наброски с натуры на станция метро г. Волгограда. (Иллюстрации в приложении №5)

4. Самостоятельная работа. Обучающиеся прикрепляют лист к планшету и делают «живые» наброски с натуры, с помощью туши и пера, без предварительного наброска простым карандашом. Работы должны иметь характер этюда.

5. Подводим итоги. В конце занятия проводится «Мини-выставка». Идёт обсуждение работ: понравилось ли обучающимся выполнять задание, что понравилось выполнять на занятии, что вызвало затруднение, что можно доработать.

Заключение:

Обучающиеся в ходе проведенного цикла занятий «Метро глазами детей» научились создавать клаузуру, работать мягкими материалами (пастель, уголь, сангина), из подручных материалов создавать законченные композиции, работать тушью и пером, а так же в технике граттаж. Закрепили знания об отечественном метрополитене, о материалах с помощью которых создавались рисунки. В результате

у обучающихся получились интересные, оригинальные в творческом замысле работы.

Приложение №1

Наглядные пособия для занятия по теме «Знакомство с историей Метрополитена. Клаузура».

1)фотографии станций Московского метрополитена.

Таганская кольцевая

Площадь революции

Маяковская

Авиамоторная

Красные ворота

2)Образцы эскизов станций Метрополитена.

Приложение №2

Наглядные пособия для занятия по теме «Роспись Вагона. Техника пастели».

1)Расписные «вагоны - галереи»

2)Образцы различных орнаментов народных русских промыслов.

Гжель

Хохлома

Хохлома

Городец

Жостово

3) Образец эскиза вагона.

Приложение №3

Наглядные пособия для занятия по теме «История возникновения зарубежного метро. Техника аппликации».

Тайбе

Токио

Стокгольм

Стокгольм

Мюнхен

Мюнхен

Лиссабон

Лондон

Минск

Дубаи

Барселона

Париж

Приложение №4

Наглядные пособия для занятия по теме «Архитектурные конструкции (Эстакада, монорельс). Техника граттаж.»

Ванкувер

Москва

Кембридж

Монорельс Boyes

Приложение №5

Наглядные пособия для занятия по теме «Пленер. Тушь и перо».

Галерея детских

Каплунова Ксения, 10 лет.

Макарова Елизавета, 7 лет.

Староверова Анна, 10 лет

Семененко Арина, 10 лет

Постельникова Ксения, 10 лет

Каплунова Ксения, 10 лет

Миронова Полина, 10 лет