Конспект урока на тему "Искусство Испании XVII века"

Тема урока: «Искусство Испании 17 века».

Цель:

• познакомить учащихся с искусством Испании 17 века;

• изучить особенности художественного языка живописцев Эль Греко, Хусепе Рибера, Франсиско Сурбарана, Диего Веласкеса;

• раскрыть значение творчества художников для мирового наследия;

• воспитывать чувство прекрасного посредством искусства.

Тип урока: комбинированный (Изучение новых знаний, закрепление и повторение изученного материала)

Этапы урока:

Время: 1,5 академический час.

1.Организационный момент

2. Актуализация знаний

3. Объяснение новой темы

4.Закрепление полученных знаний

5. Рефлексия

6.Итог урока

Задачи:

Образовательная:

- повторить предпосылки возникновения стиля барокко в искусстве;

- познакомить с творчеством испанских художников;

- изучить стиль и технику живописи художников;

Развивающая:

- формировать навыки анализа произведений мировой живописи;

- развивать мышление, память, творческий подход к изучению предмета истории изобразительного искусства.

Воспитательная:

- способствовать развитию эстетического восприятия искусства;

- повысить интерес к изучению произведений искусства.

Формы работы: фронтальная, индивидуальная.

Межпредметные связи: живопись, композиция, история.

Оборудование урока:

а) для учителя: компьютер, телевизор, презентация

б) для учащихся: тетради по истории искусства, ручки

Зрительный ряд: презентация на тему «Искусство Испании 17 века», презентация «Угадайка», на доске репродукции картин художников

Словарь: бодегонес, тенебросо

Ход урока:

1. Организационный момент

Преподаватель (далее «П»): Здравствуйте, ребята. Начинаем наш урок. (Самооценка готовности к уроку) Перед началом работы прошу проверить готовность: тетради по истории искусства, ручки.

2. Актуализация знаний

П : Прежде, чем мы начнем изучение нового материала, хотелось бы повторить с вами особенности стиля барокко в искусстве.

(вопросы ученикам)

• Давайте вспомним, когда зародился стиль барокко в искусстве? (Предполагаемый ответ. В 17 веке.)

• Какая страна считается родиной стиля барокко? (Предполагаемый ответ. Барокко зародился в Италии).

•  Какие черты характерны для этого стиля? (Предполагаемый ответ. Пышность форм, насыщенные цвета, динамичность, незаурядность, театральность).

•  Назовите представителей этого направления в итальянском искусстве (Предполагаемый ответ.  Ярким примером в архитектуре и скульптуре является творчество Лоренцо Бернини. В живописи - творчество Караваджо)

П: Ребята, мы вспомнили особенности стиля барокко и итальянских мастеров, работавших в этом стиле. Сегодня мы продолжаем изучение барокко и переносимся в Испанию.

Тема нашего сегодняшнего урока «Живопись Испании 17 века». Давайте запишем её в тетради (запись в тетрадь темы урока).

  Можно сказать, что стиль барокко – это воплощение в искусстве всеобщего беспокойства, царившего в мире. С одной стороны, научный и технический прогресс продвигал человечество вперед, а с другой – человек начинал ощущать себя слишком незначительным и ничтожным по сравнению с огромным и сложным миром.

3. Объяснение новой темы

1. «Золотой век» испанской живописи XVII века.

В конце 15 века завершилась война за освобождение Пиренейского полуострова от арабского владычества, она длилась почти восемь веков и образовалось единое испанское королевство. Активная военная политика, захват огромных территорий превратил Испанию в одну из богатейших европейских стран. Но в конце столетия процветание закончилось, страна переживала экономический упадок, а в войнах с Англией Испания утратила господство на море.

Но в культурном развитии именно к 17 веку страна достигла наивысшего расцвета, в первую очередь в литературе и живописи. До второй половины 16 века Испания была художественной провинцией, её живопись в основном известна по работам слабых подражателей мастерам эпохи Возрождения. Большинство испанских художников настороженно (а иногда неприязненно) воспринимали античное наследие, считая его чуждой языческой культурой, которая ничему не может научить христианского мастера. Деятельность испанских живописцев жестко контролировалась инквизицией, (от лат. «розыск» в Католической церкви независимые от светской власти суды, учрежденные для борьбы с религиозными течениями, отклонявшимися от официальных положений в церкви) Тем не менее почти все яркие мастера Испании творили именно в конце 16-17 веке. Не случайно это время называют «золотым веком испанской живописи».

1. Творчество Эль Греко

Блестящий расцвет живописи начинается с появлением в Испании в 1576 г. живописца Доменико Теотокопули, прозванного Эль Греко, поскольку он был греческого происхождения и родился на острове Крит (1541—1614), который принадлежал Венецианской республике. Истоками его твор­чества была византийская монументальная и станковая живопись (иконы и мозаики); из итальянского искусства наибольшее влияние на него имели Тициан у которого он учился и венецианская школа в целом. Именно в Венеции Эль Греко впервые узнал масляную технику, изучал в Риме произведения Микеланджело. Покинув Рим, художник приехал в Испанию. Не оценен­ный при мадридском дворе, он уезжает в Толедо. Эль Греко становится основателем и главой толедской школы и пишет преимущественно по заказу монастырей и церквей Толедо. Здесь он написал монументальное полотно «Погребение графа Оргаса» для церкви Сан Томе в Толедо. Согласно местному преданию в 1312 г. во время похорон графа Оргаса – богатого, но очень скромного и набожного горожанина, пожертвовавшего своё состояние храму Сан-Томе, - произошло чудо: с небес спустились святые Августин и Стефан и сами похоронили умершего. Тематика произведений Эль Греко обычна для его времени. Это прежде всего религиозные сюжеты, алтарные образы. Значительно реже он обращается к античным мифам («Лаокоон»). Он пишет портреты и пейзажи, в основном виды Толедо. Его картины на сюжеты, использованные уже многими художниками до Эль Греко, производят неожиданное впечатление. Герои Эль Греко находятся в состоянии крайней взволнованности, эмоционального напряжения. Это возбуждение, беспокойство, напряжение передается цветом. Художник не стремится передать цветом подлинную красоту предметов, но, не теряя общего впечатления вещественности, усиливает цветом состояние напряжения, устремления ввысь. В композициях Эль Греко все кажется колеблющимся в беспокойном ритме. Лица героев Эль Греко всегда удлиненные, глаза посажены асимметрично и широко открыты. Напряженный динамизм пронизывает все композиции мастера. Его портреты высшей знати все чем-то похожи друг на друга: на бледных лицах горят не видящие внешний мир глаза, они полны напряжения сложной духовной жизни. В пейзажах Эль Греко, изображающих обычно Толедо в грозу, во вспышках молнии, Эль Греко подчеркивает ничтожность человека перед силами природы. В глубоко своеобразном и выразительном искусстве Эль Греко много мистики, его картины напоминают видения или сны. В них господствуют желтые, зеленые, синие краски, перемежающиеся с отдельными всплесками черного, красного и белого. Многослойная живопись, сложная по технике, уже сама по себе имеет эмоциональный характер: фактура динамична, краски переливаются. Вспыхивают неожиданные рефлексы, мерцает призрачный свет. Вытянутые пропорции фигур, воодушевленные бледные лица, нервные жесты, создают напряженную эмоциональную выразительность в картинах.

Давайте запишем в тетради основные черты живописи Эль Греко.

Картины напоминают видения или сны. Удлиненные пропорции фигур, большие выразительные глаза, напряженная эмоциональность. Колорит, основанный на обилии холодных рефлексов, беспокойной игре контрастных цветов, ярко вспыхивающих или приглушенных.

2. Творчество X. де Риберы.

Хусепе Рибера художник ярко выраженного драматического плана. Учился в Валенсии у Франсиско Рибальты, затем изучал художественное наследие Рима. Творчество Караваджо произвело на Риберу сильное впечатление, став своеобразным художественным идеалом. В 1616 году художник переезжает в Неаполь и надолго там задерживается. Он работает по заказам неаполитанского вице-короля и получает прозвище Спаньолетто – «маленький испанец». С именем Риберы связан расцвет неаполитанской школы живописи. Жизнь и работа вдали от родины не помешали Рибере остаться настоящим испанским художником. Все его творчество проникнуто глубоким религиозным чувством. Получив признание при неаполитанском дворе, художник в то же время стал героем жутких легенд и сплетен. Причиной послужили его странные творческие пристрастия, многие годы он делал зарисовки во время допросов в тюрьмах, наблюдая, как ведут себя люди под пытками. Эти наблюдения он использовал для создания своих сильных и мрачных полотен. Большая часть произведений мастера написана на сюжеты «мученичества».

Посмотрите на картину «Мученичество св. Варфоломея». Варфоломей это один из апостолов, который был подвергнут истязаниям за проповедь христианства. С потрясающей достоверностью написаны истерзанное тело святого, мускулистые руки и огромные торсы палачей. На лице мученика, прекрасном в своем молитвенном страдании, читаются огромная сила веры и готовность к жертве. Работам Риберы характерны темные тяжелые тона, уступающие позднее серебристому и золотистому колориту.

Искусство Риберы отличается драматизмом и сложностью. Художник обращается и к другим образам полным внутренней гармонии. При этом меняется манера живописи: исчезают резкие контрасты, появляется мягкая светотень; краски, положенные мелкими мазками, кажется, мерцают под воздействием света. Таково полотно «Св. Инесса». Изображена юная девушка-христианка, которую за веру выставили обнаженной перед толпой. Но произошло чудо: волосы Инессы внезапно отросли, прикрыв наготу, а появившийся ангел накинул на её тело покрывало. Где нет прямого изображения мучений, там портреты людей нелегкой жизни, злой судьбы: изможденных нищих, пилигримов, калек. Исполненные с необыкновенной монументальностью и материальностью в трактовке деталей, они показывают истинное страдание и стойкость человеческой души.

Одной из самых удивительных стала картина «Хромоножка». Изображен маленький бродяга. Его зримые физические изъяны дополнены еще одним, он глухонемой. Об этом свидетельствует листок, зажатый в его руке, на котором написано «Подайте Христа ради». Фигура мальчика занимает почти все пространство картины и на фоне неба кажется очень крупной. Во всем облике ребенка, в его осанке, открытой доброй улыбке поражают внутренняя сила и жизнестойкость.

Последние годы Рибера прожил в предместье Неаполя — забытый восторженными поклонника­ми, обнищавший придворный живописец. Но бес­ценные творения художника наполняли радостью сердца от созерцания шедевров испанского живо­писца Хусепе Риберы.

В тетради запишите основные черты творчества этого художника.

Х. Рибера. Его картины драматичны. Достоверно изображает мучения сцены мучений святых с необыкновенной монументальностью и материальностью в трактовке деталей. Если нет прямого изображения мучений на портретах мы видим калек, нищих, людей с очень непростой судьбой.

3. Творчество Ф. де Сурбарана.

Франсиско Сурбаран (1598— 1664)  родился в крестьянской семье. Его обучение было не совсем обычным: наставником юноши стал не художник, а мастер по раскраске деревянной скульптуры. Возможно поэтому фигуры на его полотнах кажутся такими объемными и пластичными, а персонажи ранних работ напоминают раскрашенную скульптуру. Сурбаран почти всю жизнь прожил в Севилье, получив должность главного городского художника.

По заказу монастырей Сурбаран писал монументальные циклы на сюжеты из жизни святых. Картина «Молитва Св. Бонавентуры» посвящена истории о том как святой разрешил спор кардиналов по поводу избрания Папы Римского и указал им достойного кандидата. Главной темой здесь стал диалог молящегося Бонавентуры с ангелом, который открывает ему имя избранника. Свет от фигуры ангела широкими полосами ложится на темное одеяние святого. Цветовую гамму дополняют золотистый блеск тиары и перекличка двух красочных пятен – красной скатерти на столе и пурпурных одежд кардиналов, чьи фигуры видны сквозь арочное окно.

Изображая сцены мученичества, художник представляет их как триумф. В картине «Св. Лаврентий» Сурбаран показывает не шествие на казнь, а последующее небесное торжество святого. Лаврентий облачен в праздничное одеяние, изображен на фоне светлого пейзажа. Он взволнован, но не испытывает страха. В руках святого решетка – орудие казни, на которой его сожгут. У Сурбарана радостное прославление героя важнее страданий или внутренней борьбы.

Обращался художник к обра­зам Христа и Девы Марии. Эти работы значи­тельно отличались от написанных ранее: исчезла монументальность, величественность героев, про­ступила душевность. В картине «Отрочество Марии» зритель видит девочку, сидящей на деревянном стуле в процессе молитвы. Ее детское круглое лицо с широко раскрытыми и необычайно глубокими глазами очаровывает всех смотрящих на нее. Несомненно, глаза героини - главный акцент картины. Они не по-детски серьезные и исключительно одухотворенные. Силуэт девочки идеально вписывается в формат картины, композиция четко выверена, драпировки одежды тщательно проработаны, а аксессуары сведены к минимуму. На первый взгляд, это действительно милая испанская девочка. Но есть в ней что-то неземное, волшебное. Трогательная кротость, с которой она устремила свой взгляд в небо, и лицо, озаренное светом, говорят об ее избранности и покорности предстоящим испытаниям. Свет играет здесь действительно важную роль: важны и искры в глазах, и лицо, озаренное светом, и изображенный нимб вокруг головы девочки (тонкое и нежное свечение).

Но Сурбаран был автором не только религиозных картин. Лаконизм и выразительность пластических средств Сурбарана особенно прослеживается на его натюрмортах, в которых художник умеет выявить материальное совершенство, красоту формы, фактуры, цвета изображаемых им предметов. В натюрмортах мастер использует художественные приемы Караваджо: тенебросо (исп. мрачный, темный) - полоса яркого света выхватывает расположенные на переднем плане предметы из условно-темного пространства, откуда на них падают густые тени. Предметы Сурбаран располага­ет в ряд, фронтально, благодаря чему мы подробно рассматриваем каждую деталь, вещь, игру теней, маз­ки, тона, оттенки. ( «Натюрморт с апельсинами и лимонами»). Художник создает поистине монументальный образ «мертвой природы» в своих чистых по краскам и строгих по формам натюрмортах.

Изменилась жизнь художни­ка. Забылась былая слава, истощились выгодные заказы. Не помог даже переезд в Мадрид и поддерж­ка великодушного Веласкеса. Последние четыре года стали временем нужды и разочарований.

В тетради запишем: Ф. Сурбаран.

Сцены мученичества святых как триумф, обычно темный фон, сцены немноголюдны. Отрешенные от мира фигуры суровы, их лица замкнуты, полны внутренней силы. В натюрмортах выстраивает предметы фронтально, использует контраст света и тени.

4. Творчество Диего Родригеса де Сильва Beласкеса.

Вершиной испанской школы живописи XVII века и вместе с тем одним из величайших художников Западной Европы был Диего де Сильва Веласкес. Никто из современников не мог сравниться с ним по широте художественных интересов и виртуозности кисти. Сохранив национальную самобытность, Веласкес впитал в себя всё богатство европейской художественной традиции.

Веласкес родился в Севилье, в знатной, но обедневшей семье, возводившей свой род ко временам Древнего Рима. Поэтому из первых задач, внушённых ему с детства - вернуть высо­кое положение в обществе. С детства же Диего отличался особым талантом к живописи. Он учился у севильского художника Франсиско Пачеко. Все годы юношества и ранней молодости чудесная одарённость кипела в нём, не отпуская от мольберта. Ему ещё не было и двадцати лет, когда он почувствовал, что в живописи может всё. Это придало ему уверенности в собственных силах. Когда посетивший Севилью герцог де Оливарес, первое лицо при дворе короля Филиппа IV, пригласил Веласкеса в Мадрид, к королевскому двору, он не колеблясь согласился.

Большинство работ Веласкеса раннего, севильского периода близки к жанру бодегонес, что в переводе с испанского означает «харчевня». Это картины с изображением лавки или трактира, нечто среднее между натюрмортом и бытовой сценой. Обязательный элемент бодегонеса - грубая деревянная или глиняная посуда; его персонажи простые люди низкого звания («Завтрак», «Продавец воды в Севилье»). Но немудрёные сюжеты вовсе не мешали художнику раскрыть своё живописное дарование. Всмотритесь, как Веласкес написал капли воды, стекающие по глиняному боку большого кувшина в картине «Продавец воды в Севилье»; вы почувствуете холод и вкус воды, прохладу и округлость сосуда, который продавец поддерживает огрубевшей ладонью. А в другой его руке – прозрачный, сияющий влагой стеклянный бокал.

Герцог Оливарес предложил молодому Веласкесу должность художника. Основной его обязанностью было написание портретов короля и членов королевского семейства. От мастерства и такта придворного художника зависело то, как будут представлять короля подданные, каким увидят иностранцы и что о нём подумают потомки. Всё это - задачи первостепенной важности, а значит и придворный художник - одно из первых лиц в государстве. Так Веласкес вернул себе и своей семье высокое положение в обществе.

В двадцать четыре года Веласкес стал придворным художником Филиппа IV и оставался им до конца жизни. Столица открыла ему новые возможности. Знакомство с шедеврами королевской коллекции живописи, встреча со знаменитым Рубенсом, две поездки в Италию - всё это превратило Диего Веласкеса в мастера с огромной художественной эрудицией.

Центральное место в творчестве Веласкеса занимал портрет. Будучи придворным художником, он не мог свободно выбирать моделей; в основном ими становились члены королевской семьи и их приближённые (например, его покровитель Оливарес). Мастер умел писать блестящие психологические портреты, с поразительной глубиной проникая во внутренний мир человека. Однако он мог и скрыть душевную жизнь героя, придав его облику традиционную для парадных портретов аристократическую сдержанность, и в то же время развернуть во всём блеске своё живописное мастерство. Именно так он писал самого короля, его детей, и прежде всего любимицу Филиппа IV, младшую дочь инфанту Маргариту. Её портреты - это целая галерея, по которой можно проследить, как из хорошенькой девочки, похожей на куклу, она превращалась в замкнутую девушку-подростка, уже хорошо осознающую своё высокое положение. Для каждого полотна Веласкес выбирал определённый колорит, заставляя зрителя любоваться игрой тонов на костюме инфанты, её причёске или драгоценностях. Во всех портретах цвет и манера живописи помогают глубже почувствовать обаяние героини.

Однако написание обязательных портретов королевского семейства не занимало всего времени художника. Находилось у и время и для иных сюжетов. Так появились картины «Вакх в гостях у крестьян» и «Аполлон в кузнице Вулкана». В обоих случаях персонажи античной мифологии показаны в намеренно простецком, сниженном облике: бог искусства Аполлон прибыл в кузницу Вулкана, чтобы наябедничать ему о проделках его супруги Венеры. Картины напоминают о ранних бодегонесах Веласкеса и в то же время демонстрируют влияние итальянского барокко и творчества Микеланджело Караваджо.

Единственное произведение, написанное Веласкесом на исторический сюжет, изображает взятие испанцами голландской крепости Бреда («Сдача Бреды»). Испанцы стоят плотно сомкнутым строем, лес копий над их головами символизирует сплочённость, а конь на переднем плане объединяет всю правую, испанскую часть, композиции в единую массу. Голландцы, напротив, сбились в беспорядочную толпу, взгляд выхватывает из неё отдельные фигу­ры и лица. Комендант крепости вручает ключ от городских ворот испанскому адмиралу и пытается преклонить перед ним колено, а великодушный победитель удерживает его от этого. Украшенные чернью доспехи адмирала благородно поблёскивают: особенно красиво фактурное сопоставление чёрного металла, шёлковой розовой перевязи через плечо и полотняного воротника, отделанного дорогим кружевом. Фигура голландца, напротив, мешковата, одежда широка, а жест прямолинеен и грубоват.

Лучше всего мастерство живописи Веласкеса позднего периода передают две большие картины - «Менины» и «Пряхи».

Картина «Менины» (Придворные дамы) вызывает много споров. На первый взгляд, эго жанровая сцена в покоях королевского дворца. Придворный дамы и карлица окружают маленькую инфанту Маргариту, развлекают её. Слева от них - сам художник, работает над огромным холстом. В зеркале на стене видны отражения короля и королевы. Возможно, художник пишет их портрет. Однако парных изображений монархов среди работ Веласкеса нет.

«Пряхи» - жанровая сцена, показывающая труд работниц королевской ткацкой мастерской. На переднем плане женщины прядут и разматывают нити. В глубине, в зале, залитом лучами света, нарядные дамы стоят возле огромного ковра. Возможно, это сцена из античного мифа: земная женщина Арахна, искусная мастерица, вызвала Афину на состязание в ткачестве, а разгневанная богиня за дерзость превратила её в паука. Работницы показаны очень поэтично, фигуры окутаны мягким светом. В то же время персонажи на втором плане изображены четко и объёмно. Поэтому границу между реальным вымышленным пространством полотна трудно определить.

Однако можно понимать картину только в бытовом ключе: на первом плане - мастерицы, работающие в полутёмной мастерской в богатом доме, а дальше, в парадных залах, хозяйка хвастается, перед гостями великолепными гобеленами. Так же, как и в «Менинах», Веласкес не даёт точных ответов, разгадок своих картин. Он словно вообще не думает о зрителе, а просто грезит, размышляет со своей волшебной кистью в руке. По воспоминаниям современников, художник был очень замкнутым, молчаливым человеком, многословие собеседника его быстро утомляло, сам же он редко произносил несколько фраз подряд. В 1660 году Веласкес умер. На его памятнике высечено два слова: «Живописцу истины».

Запись в тетради . Д. Веласкес

Реалистичность, точность и естественность портретов, изображает в основном, короля, его семью, приближенных, карликов и шутов. Также на его картинах можно увидеть несколько полу фигур в бытовых сценах, а картины на античные темы похожи на сцены из жизни простых испанцев.

4. Закрепление полученных знаний

П.: А сейчас давайте посмотрим, насколько хорошо вы усвоили тему, и сможете ли вы узнать работы испанских мастеров по их художественной манере. Сыграем с вами в «Угадайку». У вас в тетради записаны основные черты творчества художников, вы можете воспользоваться этими записями.

Разделяем лист на четыре колонки, записываем имена художников: в первой колонке – Эль Греко, дальше – Х. Рибера, следующий – Ф. Сурбаран, в последней – Д. Веласкес. Я показываю вам на слайдах картины художников, вы пишите номер картины в ту колонку, кому вы считаете принадлежит эта картина.

Прежде, чем мы начнем нашу «Угадайку», давайте еще раз проговорим, какие особенности картин каждого из художников. Сделайте отметки у себя в тетради, чтобы было легче определиться.

Обучающиеся выполняют задание.

5. Рефлексия. Подведение итогов

П.: ну вот, наша «Угадайка» закончилась. Давайте проверим ваши ответы. На экране вы видите правильные ответы критерии оценки. Проверьте друг друга.

(Обмен тетрадями. Проверка.).

- А скажите, ребята, какой художник ближе вам и почему? (Ответы учеников)

- Какие работы вам запомнились? (Ответы учеников)

6. Итог урока

П: Вы хорошо сегодня потрудились.  Молодцы!

А теперь запишем домашнее задание: сделать анализ одного из произведений Д. Веласкеса по плану.

1. Сведения об авторе. История создания картины. Ее место в творчестве художника.

2. Принадлежность к культурно-исторической эпохе, направлению, стилю.

3. Что соответствует их требованиям?

4. Жанр (портрет, пейзаж, исторический и т.д.)

5. Смысл названия.

6. Особенности сюжета и композиции.

7. Средства создания художественного образа: характер рисунка, ритм, колорит, светотень, манера письма.

8. Впечатления и ассоциации, вызванные картиной

На этом наш урок закончен, до свидания.